Pinceladas de cine

Título original - Son of a Gun
Año - 2014
Duración - 108 min.
País - Australia
Director - Julius Avery
Guión - Julius Avery
Música - Elliott Wheeler
Fotografía - Nigel Bluck
Montaje - Jack Hutchings
Producción - Timothy White
Productora - Bridle Path Films / WBMC / Media House Capital / Southern Light Films / Altitude Film Entertainment
Género - Thriller, Acción
Reparto - Ewan McGregor, Brenton Thwaites, Alicia Vikander, Matt Nable, Damon Herriman, Nash Edgerton, Jacek Koman, Tom Budge, Eddie Baroo, David Partridge, Ben Weirheim, Tammie West, Rick Tonna, Isaac Money, Warwick Sadler

Son of a Gun es el primer largometraje de Julius Avery, en el que se encarga, además de la dirección, de la redacción de su guión. Un trabajo en el que mezcla varios géneros de forma algo arriesgada, que le sirve para mostrar sus credenciales y que lo presenta como un realizador que puede darnos muchas alegrías en el futuro, ya que talento no le falta. Con la fotografía de Nigel Bluck y los papeles principales para Ewan McGregor, Brenton Thwaites y Alicia Vikander, estamos ante un título bien dirigido y muy interesante, a pesar de ser irregular y mejorable en varios aspectos.

Sinopsis: El joven J.R. (Brenton Thwaites) es encerrado por primera vez por un delito menor. Su falta de experiencia lo pondrá pronto en el punto de mira de un grupo de peligrosos reclusos que ven en el a un candidato ideal para sus juegos sexuales, ante lo que Brendan Lynch (Ewan McGregor), uno de los criminales mas peligrosos de Australia le ofrece su protección. Sin otra salida, J.R. no tiene mas remedio que aceptar, aunque no tardará mucho en comprobar que la ayuda de Lynch no será gratuita, ya que tiene pensado un arriesgado trabajo para el en el momento que sea puesto en libertad.

El director: A pesar de que Julius Avery debute en la gran pantalla con Son of a Gun, posee ya una amplia experiencia en el mundo del cine, habiendo realizado tareas como guionista, montador, encargado de la fotografía, de cámara y electricidad, e incluso de productor. Como director es responsable de seis cortometrajes: Matchbox (2002), Little Man (2004), Solvent (2004), End of Town (2006), The Tank (2007) y Jerrycan (2008). En todos ellos ha ejercido también como guionista, además de escribir el guión de Yardbird (2012), dirigido por Michael Spiccia.

La película:Son of a Gun es lo que yo llamo un trabajo correcto, bastante ameno de ver y muy esperanzador, ya que tenemos que tener en cuenta que es un debut y en el se ven los ingredientes necesarios como para esperar con bastante optimismo los próximos trabajos de un director que necesita algo de experiencia, pero al que parecen sobrarle condiciones para ello. Digo esto porque su trabajo en la dirección resulta bastante bueno, sobre todo tras las cámaras, aunque aún le falte una chispa para concretar una buena dirección de actores, uno de los apartados en los que la cinta resulta mejorable.

Y es que estamos ante un producto con bastantes elementos a su favor, pero que carece de la consistencia necesaria para llegar a ser notable. Parte de culpa de ello la tiene el guión escrito por el propio Julius Avery, que posee elementos meritorios pero algo inconexos entre si, como si de un buen plato con buenos ingredientes se tratase, pero no del todo bien cocinado hasta su resultado final. Sus personajes no están del todo bien dibujados o son insuficientemente desarrollados en algunos casos, restando bastante credibilidad al resultado final. Su intento de unir varios géneros resulta un tanto forzada, una lástima viendo el buen resultado conseguido en dichos elementos por separado, algo de lo que no creo que se pueda dudar.

Pero lo que para un servidor juega mas en contra de esta película, es la indecisión de su director y guionista a la hora de elegir a que tipo de público quiere dirigirla. Su intento de realizar un producto que guste por igual a adultos y adolescentes se queda en tierra de nadie, dejando un extraño regusto en el que os escribe, aunque he de reconocer que pertenezco al primer grupo y habría que preguntar a los del segundo por su opinión. La verdad es que es una iniciativa digna de elogio, aunque realmente difícil de conseguir. La película, sin ser un prototipo de excesiva originalidad, consigue funcionar como drama carcelario, como thriller, como producto de acción e incluso como historia romántica para adolescentes, pero dichas partes no están unidad con credibilidad, algo de lo que puede tener parte de culpa Jack Hutchings, el encargado del montaje.

En cuanto a la fotografía, esta es responsabilidad de Nigel Bluck (Stickmen, Mente criminal, El árbol, 2ª temporada de True Detective), que consigue unos resultados bastante buenos, tanto en el tono general como en las escenas de acción, que a pesar de ser bastante modestas en algunos casos, están rodadas con elegancia y pulso firme. La banda sonora está firmada por Elliott Wheeler, un compositor y productor, fundador de Turning Studios, que ejerció como arreglista y encargado de la música adicional para El gran Gatsby (Baz Luhrmann, 2013). Su trabajo en Son of a Gun resulta bastante apropiado, incluso sorprendente en algunos momentos, siendo este uno de los apartados en los que mas brilla el film.

En el reparto de Son of a Gun encontramos un trío protagonista formado por el experimentado Ewan McGregor en el papel de Brendan Lynch, correcto en su trabajo pero sin brillar en exceso, Brenton Thwaites como JR, el personaje menos creíble de todos, quizás por la falta de experiencia del actor, y Alicia Vikander como Tasha, un personaje que no deja lucirse en exceso a la actriz, que a pesar de todo realiza un buen papel. Junto a ellos tenemos a Jacek Koman en el papel de Sam, un jefe mafioso que se alía con Lynch, bastante bien interpretado por cierto. Quizás resulte mas destacable la actuación de algunos de los secundarios que la de los actores principales, ¿simplemente por el hecho de que sus personajes no necesitan tanto desarrollo?, pues puede ser. Matt Nable, Nash Edgerton o Tom Budge son algunos de los mas destacables.

Conclusión: El debut de Julius Avery es un trabajo ameno de ver, irregular y con ciertas lagunas, que creo funcionará mejor en el segmento de público mas joven, al que para mi va mejor dirigido. Su guión y una mejor dirección de actores evitan que alcance cotas mas altas, pero deja entrever el potencial de un Julius Avery, que creo puede darnos muchas alegrías en un futuro no muy lejano. Tiene cualidades innatas que así lo sugieren, por lo que habrá que estar atentos a sus próximos trabajos. Por cierto, Ewan McGregor no acaba de realizar un papelón que acabe por despejar esas eternas dudas que casi siempre me dejan sus interpretaciones, algo que huele ya a quemado, pero como ya saben, eso queda ya al gusto del consumidor y, por suerte, no todos opinamos igual. Les recomiendo que la vean y se formen su propia opinión, la que seguro será la que mas les importe. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - Dr. Jekyll and Mr. Hyde
Año - 1941
Duración - 113 min.
País - Estados Unidos
Director - Victor Fleming
Guión - John Lee Mahin, basado en la novela El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, de Robert Louis Stevenson
Música - Franz Waxman
Fotografía - Joseph Ruttenberg
Montaje - Harold F. Kress
Producción - Victor Fleming y Victor Saville
Productora - Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género - Drama, Terror
Reparto - Spencer Tracy, Ingrid Bergman, Lana Turner, Donald Crisp, Ian Hunter, Barton MacLane, C. Aubrey Smith, Peter Godfrey, Sara Allgood, Frederick Worlock, William Tannen, Frances Robinson, Denis Green, Billy Bevan, Forrester Harvey, Lumsden Hare, Lawrence Grant

Victor Fleming fue el encargado de co-producir y dirigir en 1941 una nueva película de una de las novelas que mas adaptaciones ha soportado en la historia, El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, de Robert Louis Stevenson. Con un excelente reparto encabezado por Spencer Tracy, Ingrid Bergman y Lana Turner, el guión de John Lee Mahin y la fotografía de Joseph Ruttenberg, estamos ante un trabajo muy disfrutable, aunque tildado de innecesario por muchos de los incondicionales de la versión de 1931 (El hombre y el monstruo), dirigida por Rouben Mamoulian y que dio, aunque fuese de manera compartida, el Oscar como mejor actor al brillante Fredric March, a la que creo no consigue superar.

Sinopsis: El Dr. Jekyll (Spencer Tracy) es un prestigioso doctor y un incansable doctor obsesionado con la lucha entre el bien y el mal, para lo que tiene la intención de crear un fármaco capaz de aislarlos y poder controlarlos. A pesar de estar a punto de casarse con la bella Bea Emery (Lana Turner), sus investigaciones lo llevan a obsesionarse de tal forma que, ante la imposibilidad de experimentar con seres humanos, decide probar el mismo los efectos del medicamento que ha creado, dando nacimiento así a Mr. Edward Hyde, un ser lleno de maldad que tan solo comparte con el el uso de su cuerpo, resultando cada vez mas difícil para el Dr. Jekyll evitar la transformación en Hyde, o al menos poder llegar a controlarlo.

El director: Victor Fleming fue un cineasta norteamericano nacido en La Cañada, California, el 23 de febrero de 1889. Entrando en el mundo del cine casi por casualidad, debutó en 1919 dirigiendo junto a Theodore Reed el mediometraje Pesadillas (1919). En sus 30 años dirigiendo cine realizó mas de 40 trabajos entre los que podemos destacar El virginiano (1929), Tierra de pasión (1932), La isla del tesoro (1934), Capitanes intrépidos (1937), El gran vals (1938), La vida es así (1942), Dos en el cielo (1943) y Juana de Arco (1948), además de los dos trabajos consecutivos que lo han hecho pasar a la historia de cine entre los mas grandes: El mago de Oz y Lo que el viento se llevó (junto a George Cukor y Sam Wood), ambas de 1939.

La película: Para entender un poco mejor como funcionaba la industria del cine en otras épocas viene bien conocer pequeñas historias como la de esta película, o en este caso concreto, el ultraje que intentaron cometer sus responsables con los fines que podéis imaginar. La Metro-Goldwyn-Mayer adquirió los derechos de la película de 1931, originalmente lanzada por Paramount Pictures, con el fin de mantener la película fuera de la circulación. No contentos con ello, cada copia de la película de 1931 que pudieron localizar fue destruida, convirtiéndola durante décadas en un producto perdido del que solo quedaban unas cuantas imágenes para el recuerdo. Por suerte, y después de mucho tiempo, se encontró una copia de la misma y esta fue recuperada y restaurada, evitando así uno de los actos mas deplorables cometidos en el universo del séptimo arte. ¿Los motivos? Como he mencionado antes, que cada cual saque sus propias conclusiones.

Dicho esto, creo que sería injusto no disfrutar de este trabajo solo por la forma de actuar de algunos de sus responsables, ya que una cosa es conocer ciertos hechos históricos y otra muy diferente sería juzgar un trabajo solo por ellos. La adaptación de Victor Fleming tiene, al menos a priori, todos los ingredientes necesarios para ser una gran película, aunque también se cometieron en ella ciertos errores que evitan que su nota suba un par de puntos, al menos esa es mi opinión particular, que no tiene por que coincidir con la suya. El guión de John Lee Mahin (Senda prohibida, Quo Vadis, Mogambo, La mala semilla) es bastante brillante, aunque hay que decir que se toma bastantes licencias en referencia a la novela. La historia es muy interesante, tiene un ritmo adecuado y consigue mantener la atención del espectador hasta el final.

Es en algunos personajes donde encuentro cierta descompensación, aunque para ser justos, no puedo asegurar si este es un problema de guión o simplemente de la forma en que el realizador lo lleva a la gran pantalla. La fotografía fue encargada a Joseph Ruttenberg, un maestro que consiguió ganar cuatro Oscars por El gran vals (1938), La señora Miniver (1942), Marcado por el odio (1956), Gigi (1958), de diez nominaciones en total, entre la que encontramos la de este film. Su trabajo es realmente admirable, consiguiendo una ambientación ideal para la historia. El uso de la cámara es igualmente meritorio, al igual que ocurre con el montaje de Harold F. Kress, también nominado al Óscar, aunque sin llegar a alcanzar el premio.

La tercera nominación que se llevo la película fue para la banda sonora original de Franz Waxman (Rebecca, Sospecha, El cáliz de plata, Historia de una monja), que se alzó con dos estatuillas en su carrera por El crepúsculo de los dioses (1950) y Un lugar en el sol (1951), de un total de diez nominaciones. En esta ocasión realiza un trabajo excelente, muy acorde con el tono oscuro y tétrico de la película, a la que le arrebató la estatuilla Bernard Herrmann por El hombre que vendió su alma. Mas abajo, tras el trailer de la película, tenéis un corte de la misma por si os apetece escucharla. Como habréis podido comprobar, el film brilla en la totalidad de sus apartados técnicos, lo que unido al magnífico reparto, hacen de el un trabajo mas que disfrutable.

Es precisamente en el reparto donde algunos aficionados y críticos ven los mayores problemas de la película, algo sobre lo que hay una amplia diversidad de opiniones. De lo que nadie duda es de la calidad del mismo, con un magistral Spencer Tracy como Dr. Henry Jekyll y Mr. Edward Hyde, la brillante Ingrid Bergman como la inocente y dulce camarera Ivy Pearson y la sensual Lana Turner como la correcta e impoluta Bea Emery, la prometida del Dr. Jekyll. Los dos primeros realizan un trabajo excelente, mientras que Lana no tiene excesivas posibilidades de lucimiento en un papel un tanto alejado a los que acostumbraba a realizar. Hay quien piensa que Spencer Tracy no es el actor mas adecuado para este papel, por la imagen bondadosa que transmitía, aunque creo que fue ese uno de los motivos por los que fue elegido, con el fin de mostrar una mayor diferencia entre Jekyll y Hyde, pero lo que yo me pregunto es cual hubiera sido el resultado si intercambiamos los papeles de Ingrid Bergman y Lana Turner, algo que en mi opinión hubiese resultado muy acertado. Nunca lo sabremos realmente.

Conclusión: El extraño caso del Dr. Jekyll es un trabajo cuidado al máximo en todos los aspectos posibles, con un magnífico reparto, unos apartados técnicos realmente brillantes y un guión bastante correcto, aunque un tanto espeso en algunos momentos. Su principal problema era y, por desgracia para sus responsables, es y será la existencia de una adaptación anterior realmente brillante, que creo sintetiza mejor el mensaje de la novela de Robert Louis Stevenson. Mucho antes de realizarla ya lo sabían, por lo que en vez de intentar mejorarla o realizar otro trabajo, intentaron enterrarla para siempre. Por suerte, algo hay en esta vida que, de vez en cuando, pone a cada cual en su sitio, aunque solo sea de vez en cuando.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - La ruta natural
Año - 2004
Duración - 11 min.
País - España
Director - Àlex Pastor
Guión - Àlex Pastor y Martí Roca
Música - Joan Villarroya
Fotografía - Eduard Grau
Montaje - Eloi Tomàs
Producción - Carlos Pastor y Teresa Vallejo
Productora - Escándalo Films S.L. / ESCAC
Género - Drama, Cortometraje
Reparto - Pere Ventura, Albert López-Murtra, Albert Capdevila, Carlota Ribes, Lucas Zamora

Sinopsis: Cuando Divad (Pere Ventura) despierta tras un extraño accidente en la bañera, es incapaz de recordar nada, ni siquiera su propio nombre. Su casa, su supuesta esposa Arual (Silvia Serván)... Absolutamente todo es desconocido para él. Aunque no pueda concretarlo, algo inquietante y fuera de lo normal parece ocurrir en el mundo que le rodea, algo a lo que tendrá que enfrentarse desde la soledad y la perplejidad que produce el desconocimiento.

El director: La ruta natural fue el primer trabajo del realizador español Àlex Pastor, autor también del cortometraje Peacemaker (2006), un western que contó con José Luís Adserías, Enric Arquimbau y Jordi Gràcia en su reparto y de los largometrajes Infectados (Carriers) (2009), donde mezcla drama, terror y ciencia ficción, con la participación de Chris Pine, Piper Perabo, Lou Taylor Pucci, Emily VanCamp, etc. y Los últimos días (2013), un thriller de ciencia ficción postapocalíptico protagonizado por Quim Gutiérrez, José Coronado y Marta Etura, ambos escritos y dirigidos junto a David Pastor.

El cortometraje: Que levante la mano la persona que no haya deseado alguna vez en su vida dar marcha atrás en el tiempo, para así tener la posibilidad de actuar de forma distinta o disfrutar mas de ciertas cosas que, con el paso del tiempo, adquieren para nosotros su importancia real. Pero lo que realmente anhelamos es volver a vivir cierto periodo de tiempo, algo que nada tiene que ver con cambiar el sentido de los acontecimientos, el orden en el que los vamos viviendo y experimentando.

Bajo esta curiosa premisa, Àlex Pastor y Martí Roca escribieron el jugoso guión en el que se basa este curioso cortometraje, que es de esos que invitan a la reflexión tras su visionado, mostrándonos esas pequeñas cosas que quizás no apreciamos tanto como deberíamos o a las que simplemente no prestamos la suficiente atención. La forma de señalarlas es brillante, ya que les basta con ponernos en el lugar de alguien que ha perdido la memoria y ha de vivirlas como si de la primera vez se tratase. El resultado es bastante satisfactorio, por lo que no es de extrañar la multitud de premios que obtuvo, entre los que destacan el Premio Nova Autoria (mejor guión) en el Festival de Sitges, el premio al Mejor cortometraje internacional en el Festival de Sundance y la nominación al Mejor cortometraje de ficción en los Goya.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Marte (The Martian) - Ridley Scott (2015) Estados Unidos

Guión - Drew Goddard (Novela: Andy Weir)
Música - Harry Gregson-Williams
Fotografía - Dariusz Wolski
Reparto - Matt Damon, Jessica Chastain, Kate Mara, Chiwetel Ejiofor, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Sebastian Stan, Mackenzie Davis, Michael Peña, Sean Bean, Donald Glover, Aksel Hennie, Mark O'Neal, Brian Caspe
Productora - Twentieth Century Fox / Scott Free
Género - Ciencia ficción | Aventura espacial. Supervivencia. 3-D

Sinopsis - Durante una misión tripulada a Marte, el astronauta Mark Watney es dado por muerto tras una feroz tormenta y abandonado por la tripulación. Pero Watney ha sobrevivido y se encuentra atrapado y solo en el planeta hostil. Con suministros escasos, deberá recurrir a su ingenio y a su instinto de supervivencia para encontrar la manera de comunicar a la Tierra que sigue vivo.

La cumbre escarlata - Guillermo del Toro (2015) Estados Unidos

Guión - Guillermo del Toro, Matthew Robbins, Lucinda Coxon
Música - Fernando Velázquez
Fotografía - Dan Laustsen
Reparto - Mia Wasikowska, Tom Hiddleston, Jessica Chastain, Charlie Hunnam, Doug Jones, Javier Botet, Jim Beaver, Burn Gorman, Leslie Hope, Kimberly-Sue Murray, Emily Coutts, Gillian Ferrier, Matia Jackett, Martin Julien
Productora - Legendary Pictures / Universal Pictures
Género - Thriller. Terror | Casas encantadas. Sobrenatural. Fantasmas

Sinopsis - Como consecuencia de una tragedia familiar, una escritora es incapaz de elegir entre el amor de su amigo de la infancia y la tentación que representa un misterioso desconocido. En un intento por escapar de los fantasmas del pasado, se encuentra de pronto en una casa que respira, sangra… y recuerda.

Slow West - John Maclean (2015) Reino Unido

Guión - John Maclean
Música - Jed Kurzel
Fotografía - Robbie Ryan
Reparto - Michael Fassbender, Kodi Smit-McPhee, Ben Mendelsohn, Brooke Williams, Rory McCann, Jeffrey Thomas, Caren Pistorius, Kalani Queypo, Stuart Martin, Tawanda Manyimo, Madeleine Sami, Michael Whalley, Andrew Robertt, Erroll Shand, Ken Blackburn
Productora - See-Saw Films / DMC Film / Film4
Género - Western. Drama | Siglo XIX

Sinopsis - Jay (Kodi Smit-McPhee) es un joven aristócrata escocés que, en pleno siglo XIX, llega al viejo Oeste americano para emprender un viaje que le permita reunirse con la mujer que ama. En el camino se cruza con un misterioso y tramposo forajido (Michael Fassbender), que se ofrece a acompañarle en su aventura.

Los miércoles no existen - Peris Romano (2015) España

Guión - Peris Romano
Fotografía - Jon D. Domínguez
Reparto - Eduardo Noriega, Inma Cuesta, Alexandra Jiménez, Gorka Otxoa, William Miller, Andrea Duro, María León
Productora - José Frade Producciones Cinematográficas
Género - Romance. Comedia

Sinopsis - Un mosaico de líos amorosos, mentiras, confusiones y enredos hilarantes. Según sus responsables una "dramedia con números musicales".

El nuevo nuevo testamento - Jaco Van Dormael (2015) Bélgica

Guión - Thomas Gunzig, Jaco Van Dormael
Fotografía - Christophe Beaucarne
Reparto - Benoît Poelvoorde, Yolande Moreau, Catherine Deneuve, Pili Groyne, Emylie Buxin, Cyril Perrin
Productora - Caviar Films / Climax Films / Juliette Films
Género - Fantástico. Comedia. Aventuras | Comedia negra. Sátira. Religión

Sinopsis - ¿Qué pasaría si Dios existiese y viviese en Bruselas? Dios en la tierra es un cobarde, tiene patéticos códigos morales y su conducta con su familia es odiosa. Su hija Ea, que se aburre mortalmente en la anodina Bruselas, decide rebelarse contra su padre, entra en su ordenador y le dice a todo el mundo el día en el que morirá, con lo que hace que de repente todos se pongan a pensar que hacer con los días, meses, o años que les quedan por vivir.

Amama - Asier Altuna (2015) España

Guión - Asier Altuna
Reparto - Iraia Elias, Kandido Uranga, Klara Badiola, Ander Lipus, Manu Uranga, Amparo Badiola, Nagore Aranburu
Productora - Txintxua Films
Género - Drama

Sinopsis - Una historia familiar. El conflicto entre lo urbano y lo rural, entre pasado y presente, padres e hijos. Dos formas opuestas de entender la existencia, y una abuela que observa el mundo desde el más elocuente de los silencios.

El Rey de La Habana - Agustí Villaronga (2015) España

Guión - Agustí Villaronga (Novela: Pedro Juan Gutiérrez)
Música - Joan Valent
Fotografía - Josep María Civit
Reparto - Maykol David, Yordanka Ariosa, Héctor Medina, Ileana Wilson, Chanel Terrero, Jazz Vila
Productora - Coproducción España-República Dominicana; Pandora Cinema / Tusitala / Esencia Films
Género - Drama | Años 90. Adolescencia

Sinopsis - Cuba, años 90. Tras fugarse de un correccional, Reinaldo trata de sobrevivir en las calles de La Habana. Esperanzas, desencantos, ron, buen humor y sobre todo hambre, le acompañan en su deambular, hasta que conoce a Magda y Yunisleidy, también supervivientes como él. Entre los brazos de la una y la otra, intentará evadirse de la miseria material y moral que le rodea, viviendo hasta el límite el amor, la pasión, la ternura y el sexo más desvergonzado.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Hidden
Año - 2015
Duración - 85 min.
País - Estados Unidos
Director - Matt Duffer y Ross Duffer
Guión - Matt Duffer y Ross Duffer
Música - David Julyan
Fotografía - Thomas Townend
Montaje - Jeffrey M. Werner
Producción - Lawrence Grey, Roy Lee, Mason Novick y Richard D. Zanuck
Productora - Primal Pictures / Warner Bros.
Género - Terror, Thriller
Reparto - Alexander Skarsgård, Andrea Riseborough, Heather Doerksen, Emily Alyn Lind, William Ainscough

El debut en la gran pantalla de los hermanos Duffer (Matt y Ross Duffer) ha llegado a España sin hacer excesivo ruido, saliendo directamente en DVD, por lo que su título le viene que ni pintado. Una pequeña joya escondida que traslada una gran idea a un magnífico guión, capaz de innovar en un género cada vez mas repetitivo, en el que la originalidad brilla cada vez mas por su ausencia. Ideal para los que gustan de ese cine de terror que cumple su cometido sin excesos de hemoglobina, apoyándose en la calidad de la historia, grandes dosis de intriga y el miedo irracional a lo que creemos que anda por ahí, aunque nunca lo hayamos tenido delante. Toda una sorpresa que no puedo mas que recomendaros.

Sinopsis: Ray (Alexander Skarsgård), Claire (Andrea Riseborough) y su hija, Zoe (Emily Alyn Lind), sobreviven como pueden en un antiguo refugio anti-nuclear en el que consiguieron refugiarse hace ya 300 días. Los avisos de las autoridades dieron paso al pánico generalizado de la población, hecho por el que desde entonces viven encerrados intentando no perder la esperanza de que algún día puedan volver a la superficie, aunque lo único que saben con seguridad es que fuera existe algo horrible y desconocido a lo que no quieren ni pueden enfrentarse, algo que en cuanto conozca su existencia irá a por ellos sin ninguna piedad.

Los directores: Los hermanos Duffer han trabajado casi siempre juntos como guionistas o directores principalmente, hasta ahora en cortometrajes o para televisión. Suyos son los cortometrajes We All Fall Down (2005) y Eater (2007). Han participado como guionistas en varios episodios de la serie Wayward Pines (2015), de la que os hablamos aquí y actualmente preparan como guionistas y directores la serie Stranger Things, que actualmente se encuentra en pre-producción y se espera para el próximo 2016.

La película: Antes que nada he de advertiros que estamos ante uno de esos trabajos que basan su efectividad en el desconocimiento del espectador de varios detalles de su trama, por lo que os recomiendo que tengáis especial cuidado si os apetece leer algo mas sobre el fuera de este dominio, no vaya a ser que cualquier "descuidado" os chafe la experiencia antes de tiempo. Créanme, se muy bien de que les hablo. De hecho, yo tendré el máximo cuidado para que conozcáis lo mínimo posible de su historia, comentando solo los motivos por lo que recomiendo su visionado y algunas características de la película que no tendrán influencia alguna a la hora de disfrutarla.

He de reconocer que Hidden: Terror en Kingsville es un título que ya en si mismo creó dudas en mi antes de disfrutarla, aunque es algo a lo que gran parte de la población mundial, y en especial los españoles, deben ya estar mas que acostumbrados, ante la diversidad de títulos que, según en que país se distribuya, se utilizan para un mismo trabajo, por lo que no debemos guiarnos por ello. Mi sorpresa ha sido mayúscula cuando, a la vez que avanzaba el metraje, he ido descubierto un trabajo de una riqueza poco común en el género, que quizás en un principio pueda resultar algo light para los amantes de las emociones mas fuertes, pero que esconde en su interior varias cosas que rara vez nos regala una película de terror o un thriller.

Su guión, obra de los propios hermanos Duffer, está dividido en dos partes unidas pero a la vez diferenciadas: la que nos muestra como vive la familia y los esfuerzos que los padres realizan para que la pequeña Zoe viva de la forma mas inocente y normal posible por un lado, y por otro, las vicisitudes y acontecimientos que, a partir del día numero 300 de estancia en el refugio, marcarán su día a día y el futuro que les espera. Además de ello, se utilizan una serie de flashbacks (pocos pero muy efectivos) que irán mostrándonos los acontecimientos que los llevaron a la situación en la que se encuentran. Su ritmo es siempre correcto, sus diálogos fundamentales y su riqueza incuestionable.

La fotografía es obra de Thomas Townend (Attack the block), un desconocido en el mundo del cine que ha trabajado mas en cortometrajes y televisión, siendo en la gran pantalla mas habitual en el trabajo como cámara (28 días después..., Millones, Orgullo y prejuicio, La verdad oculta, Tenemos que hablar de Kevin). La verdad es que se nota su amplia experiencia con la cámara, ya que los resultados son bastante buenos en un trabajo donde la oscuridad y los espacios reducidos son los claros protagonistas. El montaje es responsabilidad de Jeffrey M. Werner, que realiza un trabajo brillante, como he mencionado con anterioridad. De la banda sonora se encarga David Julyan (Memento, El truco final, La cabaña en el bosque, Insomnio), realizando un trabajo muy apropiado, pero sin excesivos alardes.

En cuanto al reparto de la película, el protagonismo se centra en el trío que forma nuestra peculiar familia. Alexander Skarsgård (Melancolía, Thor 1 y 2, Desconexión, Vikingos) interpreta a Ray, el abnegado padre de familia que monta guardia por la noche y duerme de día para evitar sorpresas inesperadas, realizando un trabajo bastante solvente y creíble; Andrea Riseborough (Agente doble, Desconexión, Oblivion, Birdman) da vida a Claire, la dedicada madre que pasa el día pendiente de su hija y comparte cada decisión con su pareja. Su trabajo es excelente, además de ser una actriz ideal para este tipo de papeles; el trío lo completa la joven Emily Alyn Lind (La vida secreta de las abejas, Enter the Void, J. Edgar, Exorcismo en Georgia) que interpreta a Zoe, la pequeña que vive abrazada a su muñeca con la única compañía de sus padres. Su trabajo es sencillamente magistral, demostrando tener una enorme experiencia para la edad que tiene, algo que se nota y mucho.

Conclusión: Hidden: Terror en Kingsville es un trabajo realmente meritorio, que creo gustará mas a los aficionados que disfrutaron con el terror clásico, que a los que gustan de grandes cantidades de violencia, sangre y vísceras. Su guión es realmente brillante, sus interpretaciones muy creíbles y su dirección invita a seguir la carrera de los hermanos Duffer, que creo pueden darnos mas de una alegría en un futuro no muy lejano. Su único problema, que para mi no es tal, es que es una de esas películas que dependen del silencio de los que ya la han visto, para no alterar la experiencia de los que quieran hacerlo. Una muy grata sorpresa dentro de un género muy castigado y falto de originalidad. No se la pierdan, merece la pena y mucho.

Fuentes consultadas: Filmaffinity. Imdb y Youtube

Título original - Hush... Hush, Sweet Charlotte
Año - 1964
Duración - 133 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Aldrich
Guión - Lukas Heller y Henry Farrell
Música - Frank DeVol
Fotografía - Joseph Biroc
Montaje - Michael Luciano
Producción - Robert Aldrich
Productora - 20th Century Fox
Género - Intriga, Thriller psicológico
Reparto - Bette Davis, Olivia de Havilland, Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Cecil Kellaway, Victor Buono, Mary Astor, George Kennedy, William Campbell, William Marshall, Bruce Dern

Dos años después de la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), el bueno de Robert Aldrich dirigió y produjo un nuevo trabajo pensado para el lucimiento de la inolvidable Bette Davis, esta vez acompañada por Olivia de Havilland, Joseph Cotten y Agnes Moorehead. Un largometraje que muchos insisten en comparar con el primero, no sin algo de razón, todo hay que decirlo, pero que merece la pena disfrutar sin ningún género de dudas, por su excelente reparto, lo inverosímil que resulta su guión, la brillante fotografía de Joseph Biroc, la maestría de la partitura de Frank DeVol y el buen hacer del memorable Robert Aldrich. Similitudes con el anterior tiene algunas, pero menospreciarla por ello resulta un tanto absurdo, al menos para mi.

Sinopsis: Charlotte Hollis (Bette Davis) vive recluida en la mansión familiar que heredó de su querido padre, sin haber llegado a recuperarse nunca de la trágica muerte de su gran amor, un hombre casado llamado John Mayhew (John Mayhew), de la que el pueblo la hace responsable. Con evidentes problemas mentales y la única compañía de su siempre malhumorada criada Velma (Agnes Moorehead), recibe la noticia de que el estado está a punto de expropiar sus tierras para la construcción de una autopista, por lo que intentará recurrir a su prima Miriam (Olivia de Havilland) y a su viejo amigo Drew (Joseph Cotten), para intentar evitar a toda costa que la echen del que siempre ha sido su hogar.

El director: Robert Aldrich fue un director de cine, guionista y productor estadounidense. Se inició en los estudios RKO y fue ayudante de dirección de Jean Renoir, Joseph Losey y Charles Chaplin. En las tres décadas que permaneció en activo, nos dejó mas de una treintena de trabajos dirigidos, entre los que podemos destacar: Apache (1954), Vera Cruz (1954), La podadora (1955), El beso mortal (1955), Hojas de otoño (1956), Ataque! (1956), El último atardecer (1961), Sodoma y Gomorra (1962), ¿Qué fue de Baby Jane? (1962), El vuelo del Fénix (1965), Doce del patíbulo (1967), La leyenda de Lylah Clare (1968), Comando en el mar de China (1970), La banda de los Grissom (1971), La venganza de Ulzana (1972), El emperador del norte (1973) y la que hoy nos ocupa.

La película: Lo primero que siempre me viene a la mente cuando observo los estropicios que las actrices actuales cometen al someterse a innumerables intervenciones de cirugía estética, es la variedad y calidad de trabajos que la inolvidable Bette Davis nos dejó durante su carrera, pero en especial los que realizó ya con una edad avanzada. Tanto estirarse la cara acaba por inmovilizar sus rostros, que pierden por completo la capacidad de expresión que deberían tener. En el trabajo que hoy nos ocupa, tras una larga escena introductoria, los títulos de crédito iniciales son acompañados de la imagen de Bette, que por si no fuera suficiente el alarde interpretativo que nos dejará en las dos horas largas que dura la película, nos regala como aperitivo un abanico de gestos y muecas que van desde la alegría a la pena, sin siquiera tener que soltar una palabra, algo que en la actualidad pocas actrices de su edad podrían siquiera imitar.

Digo esto porque, siempre hablando en mi modesta opinión, solo con tenerla a ella en el reparto ya merece la pena ver la película. Ahora bien, el trabajo del que hablamos hoy es como la hermana pequeña de un genio en cualquier materia, siempre a la sombra del mayor e injustamente comparada continuamente con el. No alcanzo a comprender porque esto resulta tan importante para muchos aficionados o críticos, porque si las similitudes entre uno y otro existen, estas se limitan a ser un drama psicológico ambas y a el papel de su principal protagonista, muy similar al que realizó en la magistral ¿Qué fue de Baby Jane? un par de años antes. Si solo por eso somos incapaces de ver una sin compararla con la otra mal vamos, ya que no existen tantas posibilidades de disfrutar de esta enorme actriz como para dar de lado o menospreciar uno de sus grandes papeles.

Para hablar aún mas claro: este trabajo está un escalón por debajo del primero, hasta ahí estoy de acuerdo, pero es que es algo hasta lógico, ya que el otro para mi es una obra maestra de 9 o 10 de nota. Lo que ocurre es que a este le pongo un 8, algo que mas quisieran muchas películas alcanzar, así que la diferencia es tan irrisoria que no merece ni prestarle atención. He llegado a leer cosas como que Robert Aldrich realizó un remake de su propia película, algo que no tiene por donde cogerlo, principalmente porque uno de los motivos por los que esta no llega a donde lo hace la otra es el guión que Henry Farrell y Lukas Heller realizaron del relato corto Whatever Happened to Cousin Charlotte?, obra del primero, que llega a resultar excesivo en algunos momentos y tiene algunos detalles y situaciones poco creíbles, además de ser un tanto alargado en su duración.

Sin embargo, hay que decir que mantiene la atención del espectador en todo momento, siendo utilizado con maestría por el realizador, que da toda una lección de como gestionar la tensión y la intriga, de como filmar convirtiendo la casa en una auténtica penitenciaría donde la atmósfera no puede ser mas densa. Para ello se rodeó de un excelente equipo donde podemos destacar la fotografía de Joseph Biroc (¡Qué bello es vivir!, Imperio de titanes, El vuelo del Fénix, Aterriza como puedas 1 y 2), un profesional que en 40 años de carrera en cine y televisión está acreditado en mas de 160 trabajos, solo como director de fotografía. Aquí su trabajo es soberbio, regalándonos multitud de imágenes para el recuerdo y siendo uno de los responsables de la excelente ambientación de la obra.

Otra de las grandes protagonistas es la banda sonora de Frank DeVol (Attaque!, Confidencias de medianoche, El sindicato del crimen, Pijama para dos), que repite con Aldrich después de ¿Qué fue de Baby Jane?. En esta ocasión destaca la canción de cuna que da su nombre original a la película Hush... Hush, Sweet Charlotte, que es modificada para sacar de ella todo su jugo. Está interpretada por una orquesta, cierto apoyo eléctrico y las voces femeninas de los coros, que acaban quedándose en la mente del espectador por un tiempo.

En el reparto puede residir otro de los problemas de la película, aunque eso es algo para lo que cada cual tiene su opinión. De la maestría de Bette Davis interpretando a la pobre Charlotte creo que no queda ninguna duda, realizando lo que mejor supo siempre hacer, una interpretación de las que rara vez uno se olvida. Los problemas vienen en los elegidos para acompañarlas, que pueden parecer o no los idóneos para ello. En el caso de su prima Miriam, esta es interpretada por Olivia de Havilland, una excelente actriz que aquí vuelve a realizar un buen trabajo, pero que puestos a comparar, que es lo que acabaréis haciendo todos, queda muy lejos del papelón interpretado por Joan Crawford en ¿Qué fue de Baby Jane?. Pero lo que me pareció peor de todo este trabajo es utilizar al genial Joseph Cotten, que da vida a Drew, en un papel tan pobre como el que realiza. Juzguen ustedes mismos. Mención especial para Agnes Moorehead en el papel de Velma, que le valió para estar nominada al Oscar como mejor secundaria.

Conclusión: Canción de cuna para un cadáver supone una nueva oportunidad de disfrutar a uno de los mejores binomios que ha dado este arte, el del director Robert Aldrich y la actriz Bette Davis. El trabajo de ambos hacen de esta una película imprescindible que, si bien está un pelín por debajo de su primera colaboración juntos, será capaz de manteneros durante dos horas largas enganchados a la pantalla, en una historia con varios giros en su trama, que derrocha dramatismo sin perder un ápice de su fascinación y su intriga. Yo les aconsejo apartar a un lado los recuerdos de su hermano mayor y disfrutar de este peliculón, uno de esos de los que ya no se hacen. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - The Missing
Año - 2014
Duración - 240 min.
País - Reino Unido
Director - Tom Shankland
Guión - Harry Williams y Jack Williams
Música - Dominik Scherrer
Fotografía - Ole Bratt Birkeland
Montaje - Úna Ní Dhonghaíle (6 episodios), Fiona Colbeck y Danielle Palmer
Producción - Chris Clough
Productora - Coproducción USA-Reino Unido; New Pictures / Company Pictures / Two Brothers Pictures / Playground Entertainment / Fortis Film Fund Czar / Vlaamse Radio en Televisie (VRT) / All3Media / British Broadcasting Corporation (BBC) / Starz Entertainment
Género - Drama, Intriga, Miniserie de TV
Reparto - James Nesbitt, Frances O'Connor, Tchéky Karyo, Anastasia Hille, Émilie Dequenne, Jason Flemyng, Saïd Taghmaoui, Titus De Voogdt, Diana Kent, Arsher Ali, Joséphine de La Baume, Issaka Sawadogo
Web oficial - http://www.bbc.co.uk/programmes/b04n9mtk

Tom Shankland es el director encargado de llevar a la pequeña pantalla el guión escrito por Harry Williams y Jack Williams, para ofrecernos la historia de la desaparición de un menor y las enormes consecuencias que esta origina. Ocho episodios de una hora de duración de una calidad indiscutible, que basa en su excelente guion, la enorme calidad de su reparto y la maestría del realizador y su equipo, los excelentes resultados que mantendrán al espectador con el corazón en un puño y el alma en un hilo. Una maravilla que no deberían dejar pasar de largo. Por cierto, ha sido tal su éxito que, a pesar de nacer como una miniserie, se ha encargado una segunda temporada que nos contará otro caso totalmente distinto. Por algo será.

Sinopsis: Tony (James Nesbitt) y Emily (Frances O'Connor) sufrieron la desaparición de su hijo Oliver Hughes (Oliver Hunt) durante unas vacaciones en un pequeño pueblo de Francia. Separados hace años, ella intentar rehacer su vida como puede formando otra familia, mientras que el continúa buscando indicios que le permitan saber que fue del chico, algo que se ha convertido en su forma de vida. Cuando cree reconocer la bufanda que Oliver llevaba el día que desapareció en una foto, regresa al lugar de los hechos y pide ayuda a Julien Baptiste (Tchéky Karyo), el inspector que llevó la investigación y que ya está jubilado, para intentar conseguir que se vuelva a abrir el caso.

El director: Thomas Otto "Tom" Shankland es un guionista y director británico de cine y televisión nacido el 07 de mayo 1968. En sus comienzos realizó tres cortometrajes llamados Bubbles (1998), Bait (1999) y Going Down (2000), que le dieron la oportunidad de trabajar en televisión participando en la serie Clocking Off (2000), a la que le siguieron el brillante telefilm Ninguna noche dura lo suficiente (2002) y la participación en la serie Marple (2004). Su debut en la gran pantalla fue Waz (2007), donde mezcla thriller y terror para contarnos la historia de un asesino en serie y los policías que luchan por atraparlo. Al año siguiente presentó The Children (2008), un slasher donde los niños son los protagonistas. De vuelta al mundo televisivo, ha participado en las series The Fades (2010) y Ripper Street (2012), antes de hacerse cargo en solitario de la que hoy nos ocupa.

La serie: The Missing es uno de los productos mas completos que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos, destacando en casi todos los apartados posibles, pero si tuviese que destacar una cualidad por encima de las demás, esta sería el extraordinario y desasosegante realismo que desprende en todo momento, algo que la hace entrar en el alma del espectador sin excesivos problemas, y que en el caso de que este sea padre o madre, se multiplica de tal manera que lo hace de alguna forma participe del dolor de los desdichados protagonistas, algo que unido a las enormes dosis de intriga que derrocha de principio a fin, la hacen no solo una excelente miniserie, sino una historia de las que no se olvidan con facilidad.

Los ingredientes necesarios para conseguir estos excelentes resultados están encabezados por el brillante guión escrito por los hermanos Williams (Roman's Empire, Honest, Fried). En el hay que destacar su excelente ritmo, que rara vez es excesivamente apresurado pero en ningún momento resulta monótono o cansino, la maestría con la que mezcla drama e intriga, que consigue administrar con las dosis precisas en cada momento, su habilidad para mezclar y mostrar a la misma vez los acontecimientos actuales y los que sucedieron en el momento de la desaparición, y por último, la riqueza que las pequeñas historias paralelas sobre las vidas privadas de sus personajes dan al conjunto, siendo estos desarrollados de forma impecable.

Otro de esos ingredientes que comentamos es el magnífico montaje, que es obra de Úna Ní Dhonghaíle en seis de los ocho episodios. Los saltos temporales son constantes, mostrando la investigación en el momento de la desaparición y en la actualidad a la vez, algo que podría resultar bastante complejo para el espectador, pero que gracias a varios pequeños detalles utilizados, resulta todo un acierto, enriqueciendo la experiencia de forma clara y muy positiva. Con el padre se usa la aparición de las temidas canas, con la madre el cambio de color de su pelo y con el inspector encargado del caso, una cojera que será debidamente explicada en su momento. Además se emplea un recurso que contribuye definitivamente al realismo de la propuesta, que no es otro que el uso simultáneo del inglés y el francés, por lo que resulta bastante aconsejable tener a mano los subtítulos, ya sea viéndola en versión original o doblada a vuestro idioma.

La fotografía fue encargada a Ole Bratt Birkeland (The Devil's Chair, The Arbor, La llamada), que consigue unos resultados excelentes en todo momento, ayudando también a diferenciar las dos épocas retratadas, separadas por ocho años. Como curiosidad decir que, a pesar de que la acción transcurre entre Francia y Gran Bretaña, la mayoría de ella está rodada en Huy, Halle, Charleroi y Bruselas (Bélgica), siendo solo filmadas algunas escenas en París y Londres. La música es obra de Dominik Scherrer, destacando en ella el tema de apertura de cada capítulo, titulado Come Home.

En el apartado interpretativo la serie consigue rayar la perfección, tanto en la elección de los actores y actrices, como en el trabajo que estos desarrollan y como están dirigidos. A la cabeza del reparto se encuentran los profesionales que dan vida a los padres, James Nesbitt que da vida a Tony Hughes, un padre que ha dedicado su vida a encontrar a su hijo, renunciando a todo lo demás y constantemente atormentado por el sentimiento de culpa y Frances O'Connor, que interpreta a Emily Hughes, una madre que lucha por no perder el sentido común tras recibir el peor palo que esta vida le puede dar. Ambos realizan un trabajo intachable y tienen gran parte de la culpa de lo real que puede resultar la experiencia. El trío lo completa Tchéky Karyo como Julien Baptiste, el inspector encargado originalmente del caso, que aún estando ya jubilado, volverá a ayudar a Tony en la época actual. Su trabajo es digno también de mención. Pero no debemos olvidar al resto del reparto, que aunque no tenga el protagonismo de los tres anteriores, mantienen un nivel general muy elevado.

Conclusión: The Missing es un producto que me ha sorprendido enormemente, algo que la televisión británica consigue cada vez con mas asiduidad, pero que en esta ocasión me ha cogido mas de sorpresa, ya que había escuchado hablar de ella poco o nada. Se trata de una miniserie muy completa y realista, que mezcla drama e intriga de forma brillante, ofreciéndonos ocho horas que merece la pena disfrutar. El único problema que puede tener para algunos espectadores es que busquen en ella lo que no es, esperando encontrar grandes dosis de acción o un thriller al uso, porque aquí no lo encontrarán, o que crean excesiva su parte dramática, algo que yo creo fundamental para alcanzar los brillantes resultados que consigue. Yo de ustedes le daría una oportunidad, creo que la mayoría no se arrepentirán. Estaremos atentos y ansiosos para ver la nueva miniserie contratada, con un formato similar al de True detective: con otros personajes y un caso totalmente distinto. Envidia sana me da ver la calidad de la ficción británica.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Black Mass: Estrictamente criminal - Scott Cooper (2015) Estados Unidos

Guión - Mark Mallouk, Jez Butterworth (Libro: Dick Lehr, Gerard O’Neill)
Música - Tom Holkenborg
Fotografía - Masanobu Takayanagi
Reparto - Johnny Depp, Dakota Johnson, Joel Edgerton, Juno Temple, Guy Pearce, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon, Jesse Plemons, Sienna Miller, Rory Cochrane, Julianne Nicholson, Adam Scott, David Harbour, Jeremy Strong, Brad Carter, W. Earl Brown, Corey Stoll
Productora - Warner Bros. / Cross Creek Pictures / Le Grisbi Productions
Género - Thriller, Drama

Sinopsis - Boston, años 70. El agente del FBI John Connolly (Joel Edgerton) convence a "Whitey (Johnny Depp), un mafioso irlandés que acaba de salir de la cárcel, para que colabore con el FBI con el fin de eliminar a un enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza provoca una espiral de violencia que permite a Whitey eludir el control de la ley, consolidar su poder y convertirse en uno de los más implacables y poderosos gángsteres de la historia de Boston.

Mi gran noche - Álex de la Iglesia (2015) España

Guión - Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Música - Joan Valent
Fotografía - Ángel Amorós
Reparto - Raphael, Mario Casas, Pepón Nieto, Blanca Suárez, Carlos Areces, Luis Callejo, Carmen Machi, Jaime Ordoñez, Santiago Segura, Enrique Villén, Hugo Silva, Carolina Bang, Terele Pávez, Carmen Ruiz, Marta Guerras, Marta Castellote, Tomás Pozzi, Ana Polvorosa, Toni Acosta, Luis Fernández, Alberto Chaves
Productora - Enrique Cerezo P.C. / Telefónica Studios / TVE / Canal Plus
Género - Comedia

Sinopsis - A José lo envía la ETT, en pleno agosto, a un pabellón industrial de las afueras de Madrid para trabajar en la grabación de una gala especial de Nochevieja. Cientos de figurantes como él llevan semana y media encerrados y desesperados mientras fingen celebrar con alegría la falsa venida del Año Nuevo. Alphonso, la estrella musical, es capaz de todo para asegurarse que su actuación tendrá la máxima audiencia. Adanne, su antagonista, joven cantante latino, es acosado por las fans que quieren chantajearle. Los presentadores del programa se odian y compiten entre sí para ganarse la confianza del productor. Pero lo que nadie sabe es que la vida de Alphonso corre peligro.

Hotel Transilvania 2 - Genndy Tartakovsky (2015) Estados Unidos

Guión - Adam Sandler, Robert Smigel
Música - Mark Mothersbaugh
Fotografía - Animation
Reparto - Animation
Productora - Columbia Pictures / Sony Pictures Animation / Sony Pictures Digital
Género - Animación. Comedia. Fantástico | Monstruos. Secuela. 3-D

Sinopsis - Todo parece mejorar en el Hotel Transilvania. La rígida norma establecida por Drácula de “sólo para monstruos” se ha suprimido y se aceptan también huéspedes humanos. A Drácula le preocupa que su adorable nieto Dennis, medio humano y medio vampiro, no dé señal alguna de vampirismo. Aprovechando que Mavis ha ido a visitar a sus suegros humanos, Drácula recluta a sus amigos Frank, Murray, Wayne y Griffin para hacer que Dennis pase por un campamento de “entrenamiento de monstruos”. Lo que ignoran es que Vlad, el gruñón padre de Drácula, está a punto de llegar al hotel. Y cuando descubra que su bisnieto no es de sangre pura y que los humanos pueden frecuentar el establecimiento las cosas se complicarán. Secuela de Hotel Transilvania (2012).

Paranormal Activity: Dimensión fantasma - Gregory Plotkin (2015) Estados Unidos

Guión - Jason Pagan, Andrew Stark
Fotografía - John W. Rutland
Reparto - Katie Featherston, Billy Shepperd, Olivia Taylor Dudley, Chloe Csengery, Maria Olsen, Brit Shaw, Aiden Lovekamp, Jessica Tyler Brown, Ivy George, Chris J. Murray, Nathan Brewer, Michael Krawic, Jae Bireley
Productora - Blumhouse Productions / Paramount Pictures
Género - Terror | Sobrenatural. Falso documental. Fantasmas. 3-D

Sinopsis - La familia Fleege acaban de mudarse de casa. Entre las cosas que dejaron los anteriores inquilinos, encuentran una cámara de vídeo y unos viejos cintas. El contenido de las cintas muestran imágenes extrañas, de dos niñas que habitaban la casa antiguamente: Kristi y Katie (Actividad paranormal 2). Muy pronto se darán cuenta que los antiguos dueños del local dejaron abandonada una cámara de vídeo HD que tiene la característica de poder ver fantasmas a través del objetivo.

El rostro de un ángel - Michael Winterbottom (2014) Reino Unido

Guión - Paul Viragh (Libro: Barbie Latza Nadeau)
Música - Harry Escott
Fotografía - Hubert Taczanowski
Reparto - Daniel Brühl, Kate Beckinsale, Valerio Mastandrea, Cara Delevingne, Peter Sullivan, Alistair Petrie, Sai Bennett, Austin Spangler, Rosie Fellner, Genevieve Gaunt, Corrado Invernizzi
Productora - Coproducción Reino Unido-Italia-España; BBC Films / Cattleya / Hornil Brothers Productions / Multitrade / Revolution Films
Género - Intriga. Drama | Crimen. Basado en hechos reales. Cine dentro del cine

Sinopsis - Una periodista y un director de documentales investigan un crimen cometido en Perugia (Italia). La protagonista es Amanda Knox, la estudiante norteamericana que fue acusada de asesinar a una compañera de piso con la complicidad de su novio italiano y un amigo de Costa de marfil.

El marido de mi hermana - Tom Vaughan (2014) Estados Unidos

Guión - Matthew Newman
Música - Stephen Endelman
Fotografía - David Tattersall
Reparto - Pierce Brosnan, Salma Hayek, Jessica Alba, Ben McKenzie, Malcolm McDowell, Marlee Matlin, Merrin Dungey, Ivan Sergei, Juliet Mills, Brandi Burkhardt, Sandy Martin, Taylor John Smith
Productora - PalmStar Media / Southpaw Entertainment / Irish DreamTime / Das Films / Envision Entertainment / Knightsbridge Entertainment / Landafar Entertainment
Género - Romance. Comedia | Comedia romántica

Sinopsis - Richard Haign es un brillante profesor de Cambridge con una pasión desenfrenada por la poesía romántica y las mujeres hermosas. Sin embargo, la paternidad le cambiará la vida. De forma inesperada Kate, la joven estudiante americana que conoció en una de sus clases, le va a convertir en padre... noticia que recibe justo cuando conoce a Olivia, una novelista exuberante y excéntrica, hermana de la que pronto se convertirá en la madre de su hijo. Un trío amoroso que dista mucho de su ideal de familia.

Victoria - Sebastian Schipper (2015) Alemania

Guión - Olivia Neergaard-Holm, Sebastian Schipper
FotografíaSturla Brandth Grøvlen
RepartoLaia Costa, Frederick Lau, Franz Rogowski, Max Mauff, Burak Yigit, Nadja Laura Mijthab
ProductoraMonkeyBoy / Deutschfilm / Radical Media
GéneroThriller, Drama

Sinopsis - Rodada en un único plano secuencia, el film tiene como escenario el famoso barrio berlinés de Kreuzberg. La cámara es testigo de todo lo que le pasa a la joven Victoria, una joven española de Berlín, durante dos horas de su vida: desde las cuatro de la mañana hasta las seis: desde que conoce a cuatro jóvenes para los que la noche acaba de empezar, y cómo en ese breve periodo de tiempo le suceden cosas que darán un giro total a su vida.

Un día perfecto para volar - Marc Recha (2015) España

Guión - Marc Recha
Música - Pau Recha
Fotografía - Hélène Louvart
Reparto - Roc Recha, Sergi López
Productora - Batabat / Televisió de Catalunya (TV3) / Televisión Española (TVE)
Género - Drama, Fantástico

Sinopsis - En un paraje solitario, un niño hace volar la cometa que le ha hecho su padre. Sopla el viento y el niño necesita la ayuda de un adulto para seguir jugando porque la cometa se ha enredado en un arbusto.

Next - Elia Urquiza (2015) España

Guión - Elia Urquiza
Reparto - Documentary
Productora - La Panda Productions / EUC
Género - Documental

Sinopsis - Next explora el mundo de las niñas y adolescentes, de entre 6 y 16 años, que se mudan a Los Ángeles para perseguir un sueño universal: conseguir ser actrices famosas. Todos los días llegan al aeropuerto de Los Ángeles, ensayan audiciones en la cola del supermercado. Vienen de ciudades del Medio Oeste donde nunca pasa nada. En muchas ocasiones, los padres de estas niñas las empujan y las siguen en este camino improbable, las llevan a audiciones, a ver agentes, rodajes y clases de actuación. Buscan su trozo del pastel del sueño americano, dulce y pringoso, que todos los días nos prometen en televisión.

Villa Touma - Suha Arraf (2014) Palestina

Guión - Suha Arraf
Música - Boaz Schory
Fotografía - Yaron Scharf
Reparto - Nisreen Faour, Ula Tabari, Cherien Dabis, Maria Zreik, Nicholas Jacob, Hussein Yassin Mahajne, Evelyn Kaplun, Eli Rezik, Doraid Liddawi, Diana Zreik, Jawaher Shoufani, Oriette Zaknun
Productora - Belssan
Género - Drama

Sinopsis - Tres hermanas de Ramala, aristocráticas y solteras, no han sido capaces de asimilar la nueva realidad de la ocupación y la emigración en masa de la aristocracia palestina. Para sobrevivir, se encierran en su mansión aferrándose a la nostalgia de sus glorias pasadas. La llegada de su sobrina huérfana lo cambia todo en sus vidas.

Muchos pedazos de algo - David Yañez (2015) España

Guión - David Yañez
Música - Natalia Lafourcade, Rapsus Klei & the Flow Fanatics, Touchwood, Dead Combo, The Faith keepers, Josh Woodward, Fee Reega, The hands & Fee Reega, Hussalonia, Black Math, Lo-fi is Sci-fi
Fotografía - Carlos González
Reparto - Saúl Blasco, Laura Contreras, Víctor Vázquez, Javier Zapater, Alba Gallego, Macarena Buera, Isabel Pérez, Roberto Millán, Alina Nastase, Fee Reega
Productora - Outcast Filmmakers
Género - Comedia. Romance | Comedia romántica

Sinopsis - Todos tenemos fantasías sobre cómo arreglar nuestra vida de una vez por todas, lo que incluye arriesgarlo todo y salir indemnes. Un grupo de jóvenes, además de fantasear, se ponen manos a la obra, pero sin haber elaborado planes de ninguna clase.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Youtube y Vimeo

Título original - Stromboli, terra di Dio
Año - 1950
Duración - 107 min.
País - Italia
Director - Roberto Rossellini
Guión - Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y Roberto Rossellini
Música - Renzo Rossellini
Fotografía - Otello Martelli
Montaje - Roland Gross y Alfred L. Werker
Producción - Roberto Rossellini
Productora - Coproducción Italia-Estados Unidos; Berit Films / Bero Productions / RKO Radio Pictures
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Ingrid Bergman, Mario Vitale, Renzo Cesana, Mario Sponzo, Roberto Onorati, Gaetano Famularo

Dicen que la actriz Ingrid Bergman envió una carta al realizador Roberto Rossellini expresándole la admiración por su obra y el deseo de trabajar con él. Tras ella llegó una fructífera y controvertida relación (ambos estaban casados) que ha pasado a la historia del cine, cuyo primer retoño, cinematográficamente hablando, fue esta Stromboli, tierra de Dios. Un trabajo que retrata la dureza de la posguerra, la soledad de muchos de sus supervivientes y como la desesperación lleva al ser humano a tomar decisiones que no siempre son las mas correctas. Un trabajo a camino entre la época neorealista del director italiano y la dirección que posteriormente tomaría su cine, que exige la comprensión del contexto histórico donde está rodada para ser justamente valorado.

Sinopsis: Karin (Ingrid Bergman) es una exiliada lituana en Italia que lucha por escapar y olvidar la soledad que se ha apoderado de su vida tras la guerra. Tras intentar emigrar a Argentina, siendo rechazada su solicitud por las autoridades, la desesperación la hace aceptar casarse con Antonio (Mario Vitale), un prisionero de guerra que conoce tan solo a través de una alambrada, que le habla de la isla donde vive y le ofrece una oportunidad de futuro. Pero tras llegar a Stromboli, la pequeña isla donde Antonio vive y trabaja como pescador, descubre que la vida en ella no es lo que imaginaba, encontrando una tierra inhóspita, dominada por un volcán y habitada por gentes muy diferentes a ella, que no se lo pondrán nada fácil.

El director: Roberto Rossellini fue un cineasta italiano nacido en Roma, Italia, el 8 de mayo de 1906, considerado como uno de los principales exponentes del neorrealismo italiano. Debutó con Un piloto regresa (1942), la primera de la llamada Trilogía Fascista, que se completa con La nave blanca (1942) y L'uomo dalla croce (1943). Tras ella llegó la Trilogía Neorrealista, formada por Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (Camarada) (1946) y Alemania, año cero (1948). Del resto de su filmografía, que abarca mas de 30 títulos entre cine y televisión, podemos destacar varias: Deseo (1946), El amor (1948), Francisco, juglar de Dios (1950), Europa '51 (1952), Nosotras las mujeres (1953), Dov'è la libertà...? (1954), Juana de Arco (1954), Ya no creo en el amor (1954), Te querré siempre (1954), El general de la Rovere (1959), Fugitivos en la noche (1960), Ro.Go.Pa.G. (Rogopag) (1963), La toma del poder por parte de Luis XIV (1966), Sócrates (1971) y Blaise Pascal (1972), las dos últimas realizadas para televisión.

La película: La oscura actualidad en el planeta está encabezada una vez mas por varios conflictos bélicos y la triste historia de los refugiados que estos han creado, entre los que está el de millones de sirios que luchan por huir de uno de ellos, además de la, como poco, bochornosa forma en la que esta está siendo tratada por medio mundo, y en especial por una Comunidad Económica Europea que parece haber tardado muy poco en olvidar su pasado reciente, repleto de sangrientas dictaduras y continuos conflictos que hicieron de Europa un lugar asolado por la miseria y necesitado de la ayuda internacional. Creo por tanto que estamos ante un momento inmejorable para poder comprender la película que hoy nos ocupa, una historia imposible de valorar con justicia si la sacamos del contexto en el que se desarrolla, uno que por desgracia se repite una y otra vez en la historia y que lamentablemente se seguirá repitiendo.

Digo esto porque, desde un primer momento, la forma de proceder de su principal protagonista puede parecer un tanto impulsiva y egoísta, sobre todo si no tenemos en cuenta las razones que tiene para comportarse como lo hace. La película no nos cuenta lo que ha sufrido hasta llegar a su comienzo, algo que con el paso de los años se antoja fundamental. Stromboli, tierra de Dios es un retrato de una huida hacia ninguna parte, de la desesperación y la soledad de una mujer atormentada por el inevitable rumbo que ha tomado su vida y de su lucha por mantener sus señas de identidad y volver a sentirse libre. Su guión, obra de Sergio Amidei, Gian Paolo Callegari y el propio Roberto Rossellini, intenta mostrar en la persona de Karin la lucha constante del ser humano por sobrevivir, algo que consigue con nota.

No podemos, por tanto, esperar en ella muchas alegrías, ni momentos de excesiva felicidad, algo claramente escenificado en la persona de su protagonista, a la que rara vez vemos esbozar una sonrisa durante todo el metraje. El drama se torna como principal y único protagonista, acentuado por el tono que el director imprime a la historia y el desolado escenario en el que esta transcurre, una solitaria isla que hace las veces de prisión, donde la vida resulta monótona y de una dureza indiscutible, donde las costumbres de sus gentes son arcaicas y rechazan cualquier tipo de salida de tono de lo que creen moralmente correcto, donde la mayoría de sus habitantes sueñan con poder emigrar y mejorar así su vida, todo ello bajo la estrecha mirada del amenazante volcán, que se alza en ella como si de un vengativo Dios se tratase.

En Stromboli se dan la mano el drama y el documental, mostrándonos imágenes de la pesca en la zona y de una erupción real del mencionado volcán. La fotografía fue obra de Otello Martelli (Paisà, Los inútiles, La strada, La dolce vita), un profesional con una carrera envidiable, colaborador de directores como Roberto Rossellini, Alberto Lattuada, Federico Fellini, Alessandro Blasetti, Giuseppe De Santis, Vittorio De Sica o Pier Paolo Pasolini. En ella destaca la casi nula utilización de espacios interiores, transcurriendo gran parte de la película en los paisajes naturales de la isla. El montaje corrió a cargo de Roland Gross y Alfred L. Werker, realizando un trabajo sobrio y muy eficiente, mientras que la banda sonora fue obra de Renzo Rossellini (Roma, ciudad abierta, Los hermanos Karamazoff, Spartacus, Calígula), el hermano menor y colaborador habitual del director. En esta ocasión he de decir que me parece un tanto recargada, aunque cumple con su cometido a la perfección.

En el reparto de la película hay que destacar la participación de bastantes actores y actrices no profesionales, aunque no podemos decir que no lo sean todos. El indiscutible protagonismo es entregado a Ingrid Bergman, que da vida a Karin, la desgraciada exiliada que abandona un campo de concentración para ir a vivir a una prisión natural en forma de isla. Se nota en todo momento los sentimientos que el realizador tiene hacia ella, algo que dio rienda suelta a auténticos ríos de tinta, sobre todo en Estados Unidos, mas preocupados por juzgar la vida privada del director y la actriz que en valorar la película en si, algo fácilmente comprobable viendo el parón que sufrió la carrera de esta allí, algo que llegó a su fin tras alzarse con el Óscar por su interpretación en Anastasia (1956). Junto a ella podemos destacar los papeles de Mario Vitale como Antonio, el joven que consigue que se case con ella, Renzo Cesana que interpreta al cura del pueblo y el de Mario Sponzo, que da vida a el hombre del faro, el único que parece comprenderla y estar dispuesto a ayudarla.

Conclusión: Como ya he intentado exponer con anterioridad, Stromboli, tierra de Dios es un trabajo que necesita ser visto teniendo un mínimo de comprensión de la situación y la época en la que transcurre. Un trabajo que no resulta fácil de ver para gran parte del público actual, en el que Roberto Rossellini realiza un fiel retrato de la sociedad italiana de la época y que tiene a la libertad como uno de sus principales protagonistas. Un homenaje del realizador al Neorealismo, con el protagonismo de una Ingrid Bergman que sería su musa dentro y fuera de la gran pantalla, en lo que fue el primer trabajo juntos de la controvertida pareja. Muy recomendable, siempre sabiendo a que nos enfrentamos. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinitty, Imdb, Wikipedia y Youtube

Título original - Mientras duermes (Sleep Tight)
Año - 2011
Duración - 107 min.
País - España
Director - Jaume Balagueró
Guión - Alberto Marini
Música - Lucas Vidal
Fotografía - Pablo Rosso
Montaje - Guillermo De La Cal
Producción - Julio Fernández
Género - Thriller, Terror
Productora - Filmax
Reparto - Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan, Petra Martínez, Carlos Lasarte, Pep Tosar, Amparo Fernández, Oriol Genís, Iris Almeida, Tony Corvillo
Web - http://www.mientrasduermeslapelicula.com/

En un mundo donde la mentira y la hipocresía campan a sus anchas, donde la incomunicación de los individuos es cada día mas evidente y nada es lo que parece, ¿crees que conoces realmente como son las personas que te rodean? ¿De quien te puedes fiar? ¿Por quien puedes poner la mano en el fuego? Estas y otras muchas preguntas asaltan mi mente tras ver esta magnifica película de Jaume Balagueró. Un thriller inquietante que nos hará desconfiar, al menos por un tiempo, de todas esas personas que tratamos habitualmente pero de las que realmente nada conocemos.

Sinopsis: Cesar (Luis Tosar) trabaja como portero en un edificio de apartamentos, una persona atenta y trabajadora que tiene una buena relación con la mayoría de los vecinos, oara los que es lo que solemos llamar un trabajador de confianza. Pero bajo su apariencia servicial habita una persona totalmente diferente a la que creen conocer. Desde su puesto en la portería tiene un sillón privilegiado desde el que observar las vidas de todos y conocer sus mas íntimos secretos, que le proporciona cierto poder con el que a a el le encanta jugar. Cesar es incapaz de ser feliz y le irrita sobremanera palpar esa felicidad en los demás, algo que le resulta insoportable. La llegada de Clara (Marta Etura), la nueva vecina del bloque, supondrá un nuevo aliciente para el, ya que ella derrocha simpatía e irradia felicidad.

El director: Jaume Balagueró i Bernat es un director de cine español nacido en Lleida, el 3 de noviembre de 1968. Especializado en el género de terror, más concrétamente en la vertiente del terror psicológico, debutó con el cortometraje Alicia (1994), con el que triunfaría en el Festival de Sitges, tras el que dirigió Días sin luz (1995), un corto con el que consolidaría un estilo que perdurará en sus siguientes trabajos. En su filmografía destacan trabajos como Los sin nombre (1999), con el que debutó en la gran pantalla ganando el Meliès de Oro a la mejor película fantástica europea, Darkness (2002), Frágiles (2005), el telefilm Para entrar a vivir (2006), la saga [•REC], que incluye cuatro trabajos de los que participó en tres: [•REC] (2007), [•REC]² (2009) y [•REC] 4: Apocalipsis (2014), además de los cortos Miedo (2010) e Inquilinos (2014).

La película: El cine de terror es un género en el que podemos destacar varias ramas o subgéneros muy diferentes entre si, que gustan mas o menos en función de las preferencias de cada espectador. Así tenemos quien prefiere el terror paranormal, donde el miedo a lo desconocido es el que mueve al espectador, el terror gótico, caracterizado por una ambientación peculiar y el protagonismo de ciertas criaturas, el gore, en el que domina la extrema violencia y los excesos de sangre y vísceras, el slasher, caracterizado por tener como centro de atención a un asesino que va dejando un reguero de víctimas a su paso, etc. Personalmente, el que mas ha conseguido captar mi atención es el terror psicológico, que centra su atención en los temores de los personajes, sus culpas, creencias y supersticiones. En el, el miedo trata de suscitarse afectando directamente a la emotividad del espectador, que debe acabar identificándose con los padecimientos o vivencias extremas de determinados personajes, utilizando mas la sugerencia que el susto en si.

Es este último el tipo de cine que Jaume Balagueró utiliza en el trabajo que hoy nos ocupa, un cine capaz de poner los pelos de punta por la simple posibilidad de poder ser cualquiera de nosotros las victimas de lo que ocurre en el, por la cercanía de los personajes que vemos y lo sencillo que nos resulta identificarnos con ellos. Un cine que no necesita de criaturas abominables ni entes paranormales para atrapar al espectador, que por el simple hecho de presenciar lo que va ocurriendo en el, es capaz de crear paralelismos inmediatos entre las vidas de sus personajes y la suya propia, asistiendo al tipo de cine de terror que menos descabellado resulta, al mas tangible, al mas real. Porque, ¿cuantos Cesar conocéis? ¿cuantas personas así son parte de nuestra vida sin que lleguemos a tener idea de como son en realidad?

La película esta dirigida con enorme eficacia y consigue que una historia, en principio bastante sencilla, sea el hilo conductor de una trama que suavemente nos mantiene en una constante tensión. Gran parte de culpa la tiene el guión escrito por Alberto Marini, capaz de introducirnos en un escenario y unas situaciones que nos resultan muy cercanas, donde la forma de vida de sus personajes es muy similar a la de cualquiera de nosotros. Una de las cosas que destacan en el, es el hecho de vivir la trama desde el punto de vista del villano, que en esta ocasión es el protagonista indiscutible de la historia, el centro de todo. Esto hace que el espectador, a la vez que descubre a una persona fría y detestable, se sienta sin quererlo un poco cómplice de el. Una sensación difícil de explicar que obtiene excelente resultados.

En el caso de las espectadoras, imagino lo sencillo que debe resultarles ponerse en la piel de Clara y vivir gran parte de su horror, porque este inteligente trabajo tiene para dar a cada cual lo suyo, creando una sensación de inquietud realmente difícil de digerir. Hay que destacar también la fotografía, encargada a Pablo Rosso (El segundo nombre, El internado, Frío sol de invierno, Para entrar a vivir), colaborador habitual de Balagueró, con el que trabajó también en la saga [Rec]. Su trabajo ayuda sobremanera en la construcción de la cargada atmósfera que en la película se respira constantemente. La banda sonora es obra del compositor español Lucas Vidal (Vanishing on 7th Street, El enigma del cuervo, La fría luz del día, Fast & Furious 6), que realiza un trabajo bastante correcto, que está distribuido por Quartet Records.

En el apartado de las interpretaciones no puedo mas que quitarme el sombrero ante el magnífico trabajo de Luis Tosar, que interpreta a César, un depredador disfrazado de gentil y entregado portero de un bloque de pisos cualquiera. Su interpretación es la que logra que el film resulte realmente aterrador, efectuando un alarde de profesionalidad y talento, al que cada vez nos tiene mas acostumbrados. En mi caso particular es de los fijos (si trabaja Tosar veo la película seguro), al igual que me ocurre con otros grandes actores como Ricardo Darín. A su sombra tenemos a Marta Etura en el papel de Clara, el momentáneo objeto de su obsesión, que realiza un buen trabajo, al igual que Alberto San Juan como Marcos, el novio de Clara, aunque su papel es bastante mas escueto. Mención especial para la entrañable Petra Martinez en su papel de la Sra. Verónica, una vecina mayor que da un toque de encanto.

Conclusión: Da gusto, aunque sea de vez en cuando, ver asomar por nuestro cine un trabajo como Mientras duermes, capaz de regalarnos una historia que con gusto firmaría el propio Roman Polanski, donde sin necesidad de grandes giros de guión, se consiguen resultados realmente brillantes. Otro acierto del señor Balagueró, que firma su segunda película dirigida en solitario tras Frágiles, llevando a la gran pantalla el eficiente guión de Alberto Marini. Además, como acabo de mencionar, está interpretada por el genial Luis Tosar, un actor que rara vez defrauda y que se ha instalado entre los mejores que ha dado este país. Mas que terror, angustia y desasosiego, filmados con pulso firme y una brillantez indudable. Por cierto, ¿cuantos César conoceremos sin siquiera imaginarlo?. Da que pensar, ¿no?.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Mandariinid (Tangerines)
Año - 2013
Duración - 83 min.
País - Estonia
Director - Zaza Urushadze
Guión - Zaza Urushadze
Música - Niaz Diasamidze
Fotografía - Rein Kotov
Montaje - Alexander Kuranov
Producción - Ivo Felt
Productora - Coproducción Estonia-Georgia; Allfilm / Georgian Film
Género - Drama. Bélico | Años 90
Reparto - Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass

Zaza Urushadze es el autor del guión y la dirección de esta pequeña joya llamada Mandarinas. Un agridulce alegato contra la violencia desmedida y absurda de cualquier guerra, escenificada en esta ocasión en un conflicto poco mediatizado, el de la guerra de Abjazia (1992-1993), que enfrentó a chechenos y georgianos por su posesión. Un trabajo de una riqueza indudable que, sin tomar partido por ninguno de los dos bandos ni juzgar sus motivos, lo analiza desde un punto de vista moral y ético, con el protagonismo de un estonio atrapado en el centro del conflicto que se niega a abandonar la tierra donde ha vivido. Cine de enorme grandeza y sencillez que merece la pena disfrutar y meditar.

Sinopsis: Ivo (Lembit Ulfsak) es un hombre maduro que vive en un poblado estonio de Abjasia que se encuentra prácticamente desierto, ya que casi todos sus compatriotas han huido tras estallar el conflicto en el que chechenos y georgianos se disputan el control de la zona. Trabaja duro construyendo cajas de madera para ayudar a su vecino y amigo Margus (Elmo Nüganen), cuya cosecha de mandarinas necesita ser recolectada en breve, hasta el día en que en una escaramuza resultan muertos varios soldados de ambos bandos en la proximidad de las tierras de Margus. Casualmente sobreviven el checheno Ahmed (Giorgi Nakashidze) y al georgiano Niko (Misha Meskhi), por lo que Ivo se verá obligado a acogerlos y cuidarlos en su casa, hasta que ambos puedan valerse por si mismo.

El director: Zaza Urushadze es un director y guionista georgiano nacido el 30 de octubre de 1965. Hijo de Ramaz Urushadze, un famoso portero de fútbol soviético, se graduó en la Universidad de Georgia en 1988, donde estudió teatro y cine. Debutó en 1998 con el largometraje Here Comes the Dawn, tras el que llegaron títulos como Three Houses (2008), Stay with Me (2011) y The Guardian (2012). Mandarinas es la película que le ha dado mayor repercusión a nivel internacional, siendo nominado por ella al Óscar y al Globo de oro a la Mejor película de habla no inglesa y ganar el Satellite Award como Mejor película de habla no inglesa, además de triunfar en Palm Springs, Seattle, Varsovia o Bari, entre otros.

La película: Uno de los mayores alicientes que tiene para mi la celebración de la gala de los Oscars, es la posibilidad que nos da de conocer varias buenas películas filmadas lejos de la maquinaria de Hollywood, que resultaría bastante difícil conocer sin su participación en ella y casi imposible verlas distribuida fuera de su país. De la gala de 2015, hemos hablado ya de la ganadora Ida de Pawel Pawlikowskien este artículo y de la candidata Relatos salvajes de Damián Szifrónen este otro. En esta ocasión le toca el turno a Mandarinas, una obra con bandera estonia, aunque es co-producida junto a Georgia, que basa en su sencillez y su belleza todo su éxito, demostrando una vez mas que lo mas importante para hacer buen cine es tener algo bueno que contar y el suficiente talento para hacerlo de forma que su mensaje cale en el espectador.

Mandarinas es un trabajo que, sin tener nada que ver con ella, me ha recordado a otro trabajo del que ya os hablamos aquí, Una historia verdadera de David Lynch. Mientras que aquella es una road movie, esta es un drama bélico, pero ambas poseen dos atributos similares que les dan un encanto especial, la sencillez de su historia y el protagonismo de una persona de avanzada edad, que acarrean consigo los achaques propios de la esta, pero también la sabiduría y experiencia que les ha dado. Tiempo atrás no hubiera disfrutado ninguno de estos trabajos como lo hago ahora, no se decir bien si es por los años que llevo viendo cine o por la amplitud de miras que estos me han dado, pero lo que os puedo asegurar es que en la actualidad se encuentran entre los que mas me llenan y mejor sabor de boca me dejan.

Su premisa es realmente sencilla, algo que puede echar para atrás a cierto tipo de público, pero la habilidad de Zaza Urushadze escribiendo su guión, hace que sea compensada con unos diálogos por momentos realmente brillantes y la duración justa y necesaria, que evita excesos innecesarios. Sus personajes, perfectamente desarrollados e interpretados, nos irán embelesando poco a poco y llevando en volandas a través de su historia, de forma sublime. Hay que dejar claro que, aunque contiene alguna que otra escena de acción bélica, difícilmente dejará satisfecho este trabajo a los amantes de este género, estando mas dirigido a los que tengan alma pacifista.

La fotografía es obra de Rein Kotov (Gulag 113, Mazie laupitaji, Seenelkäik, 1944). Se trata de un trabajo sobrio y sin excesivos alardes, pero bastante efectivo. Destacan en el los primeros planos de los protagonistas, transcurriendo gran parte de la acción en el interior de la cabaña de Ivo. Del montaje se hace cargo Alexander Kuranov, mientras que la banda sonora es responsabilidad de Niaz Diasamidze (Subordinacia, Konpliktis zona, Tbilisuri Love Story, Tbilisi, I Love You), siendo esta uno de los grandes aciertos del film. Las melodías propias de la zona nos acompañan constantemente, resultando fundamentales en la creación del halo melancólico que nos acompaña en todo momento.

En el apartado de las interpretaciones, he de dejar claro que el nivel general es muy bueno, siendo este un aspecto clave para los brillantes resultados que obtiene la cinta. Destaca en ellas el papel de Lembit Ulfsak un veterano actor teatral que da vida a Ivo, el personaje que aporta experiencia y sabiduría a la cinta. Su trabajo raya la excelencia absoluta, siendo el auténtico alma de este maravilloso alegato. Junto a el tenemos a Elmo Nüganen en el papel de Margus, el vecino que lucha por recoger su cosecha antes de que esta se estropee, algo que con la guerra resulta una misión casi imposible. Completan el reparto principal Giorgi Nakashidze en el papel de Ahmed, el soldado checheno herido, y Misha Meskhi como el soldado georgiano. Como ya he comentado antes, el nivel de estos es bastante bueno.

Conclusión: Mandarinas es una de esas sorpresas ocultas que hacen que merezca la pena ser aficionado al cine, convirtiéndolo en un arte. Su aparente sencillez y su ritmo pausado esconden una historia de una riqueza indudable, perfectamente extrapolable a cualquier zona del planeta, que llegará al corazón de la mayoría de los espectadores, esos que necesitan ver algo mas que maniobras militares espectaculares y héroes invencibles. Cine mas pacifista que bélico, cuyo principal problema, tanto en los Oscars como en los Globos de oro, fue tener que competir con películas de indudable valor como Relatos salvajes, Leviatán, Timbuktu o Ida. Una de esas que por momentos te reconcilia con el ser humano, de esas que no deberían pasar por alto. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Dailymotion

Título original - La ley de Herodes
Año - 1999
Duración - 120 min.
País - México
Director - Luis Estrada
Guión - Luis Estrada, Jaime Sampietro, Vicente Leñero y Fernando León, basándose en la historia de los dos primeros
Música - Santiago Ojeda
Fotografía - Norman Christianson
Montaje - Luis Estrada
Producción - Luis Estrada
Productora - Bandidos Films
Género - Comedia
Reparto - Damián Alcázar, Pedro Armendáriz Jr., Guillermo Gil, Isela Vega, Salvador Sánchez, Eduardo López Rojas, Manuel Ojeda, Ernesto Gómez Cruz, Alex Cox, Leticia Huijara, Juan Carlos Colombo, Delia Casanova, Evangelina Sosa, Jorge Zárate, Jesús Ochoa, Lucía Muñoz, Manuel Poncelis

Luis Estrada ideó junto a Jaime Sampietro, escribió junto a Sampietro, Vicente Leñero y Fernando León, dirigió y produjo esta magnífica comedia que satiriza la situación política de su país en los años 40, durante el largo mandato del PRI, realizando a la vez un profundo estudio de como la codicia y el poder es capaz de cambiar a la inmensa mayoría de los seres humanos. Con el indiscutible protagonismo de su actor fetiche, el genial Damián Alcázar, asistiremos a dos horas de una comedia que se torna mas y mas negra a la vez que avanza su metraje. Como bien dice su título: ¡Te tocó la ley de Herodes, o te chingas o te jodes!.

Sinopsis: Corre el año 1949, cuando los habitantes de la localidad de San Pedro de los Saguaros decapitan de un machetazo a su alcalde cuando trataba de huir del pueblo con el dinero de las arcas municipales. En plena carrera electoral, lo último que quieren los dirigentes del PRI es un escándalo que les haga daño en las elecciones, por lo que el secretario de Gobierno estatal, el licenciado Fidel López (Pedro Armendáriz Jr.), decide buscar un hombre de confianza con escasa experiencia para el cargo que asuma el puesto hasta las elecciones. El elegido es Juan Vargas (Damián Alcázar), encargado de un triste basurero y militante del PRI desde hace mucho tiempo, que acepta su encargo con las mejores intenciones, pero que pronto comprobará que la tarea no será nada fácil.

El director: Luis Estrada Rodríguez es un director, guionista, escritor y productor de cine mexicano nacido el 17 de enero de 1962 en Ciudad de México. Es hijo del famoso director de cine José "El Perro" Estrada y es conocido por su critica abierta hacia el sistema político mexicano y los temas polémicos que giran alrededor de este. Tras el corto La divina Lola (1984), debutó con Camino largo a Tijuana (1989), tras la que llegaron Bandidos (1991) y Ámbar (1993). Tras una pausa de 6 años comenzó su idilio con su amigo Damián Alcázar, actor que ha protagonizado todas sus películas desde entonces. Tras la que hoy nos ocupa dirigió Un mundo maravilloso (2006), El Narco (El infierno) (2010), de la que os hablamos en este artículo, y La dictadura perfecta (2014), todas ellas muy recomendables.

La película: Resulta curioso ver como el valiente trabajo de directores como Luis Estrada, capaces de crear cine que critica constantemente la situación política y las desigualdades de su país, sean tan poco reconocidos, no ya dentro de el, algo de lo que no tengo constancia para poder opinar, sino fuera de sus fronteras. Dejando a un lado la calidad de su cine, que en el caso que nos ocupa es indiscutible, la valentía que demuestran es digna de admiración y merecerían mucho mas atención de la que habitualmente se les presta, sobre todo en países como el nuestro, cuya historia está tan unida a la de la mayoría de países del continente americano, además de vivir constantemente en la fina linea que separa una democracia consolidada como muchas de las europeas, de un sistema que, bajo la apariencia democrática, esconde un cortijo donde la corrupción campa a sus anchas en casi todos sus estamentos.

El caso de Estrada riza ya el rizo, en un país como México, donde las desigualdades entre los de las clases pudientes y el resto son inimaginables, donde pasan los años, las décadas, y no se adivinan cambios que hagan tener un mínimo de esperanza a su pueblo, no quiero ni imaginar las enormes trabas que han de superar para conseguir llevar a buen puerto cada uno de sus trabajos. En el que nos ocupa, fue capaz de incluir en sus anuncios promocionales la frase ¿Por qué no quieren que la veas?, que claramente se refiere a las dificultades que tuvieron para poder llevarla a buen puerto y poder estrenarla en su país.

Los motivos para ello son claros, algo fácilmente adivinable viendo su magnífico guión, que usa la comicidad como vehículo para realizar una feroz crítica de la condición del ser humano, y mas concrétamente, de la de los dirigentes que este grandioso pueblo lleva soportando desde tiempos inmemoriales. En esta ocasión se utiliza la figura de Juan Vargas (Damián Alcázar), un pobre y honrado militante del partido político dominante en la época, escogido como cabeza de turco para ocupar un pequeño pero problemático puesto, en el que sus superiores esperan que no llegue a dar excesiva guerra y así evitar un nuevo escándalo político que pueda malograr su intento de seguir en el poder.

Pero Juan Vargas es ante todo humano, por lo que tras comprobar en sus carnes que sus buenas intenciones no son suficientes para cambiar el destino del pueblo, irá cayendo poco a poco en los mismos errores que, uno tras otro, van cometiendo todos los elegidos para ocupar el cargo, hasta convertirse en alguien totalmente diferente a la persona que lo asumió, totalmente consumido por la avaricia y las ansias de poder, porque como se dice en el lugar que me vio nacer, "no hay nada peor que un pobre harto de pan". Del montaje de la película se encarga el propio Luis Estrada, mientras que la fotografía es obra de Norman Christianson (Detrás del dinero, El timbre, A la otra). De la banda sonora se encarga Santiago Ojeda (Bandidos, La primera noche, Matando Cabos, Un mundo maravilloso), que realiza un trabajo muy apropiado para la historia que se nos cuenta.

Su reparto está encabezado por el entonces poco conocido Damián Alcázar, que realiza un trabajo magnífico dando vida a Juan Vargas, que le valió para hacerse un nombre en el cine y continuar trabajando con el director. A su lado hay que destacar el trabajo de Isela Vega en el papel de Doña Lupe, la proxeneta que dirige el burdel local, papel que interpreta con indudable brillantez. Otros destacables son Leticia Huijara como la Señora Gloria de Vargas, la esposa de Juan, Guillermo Gil como El cura Pérez, Pedro Armendáriz Jr. como el licenciado Fidel López, Salvador Sánchez como el Secretario municipal Carlos Pek, Ernesto Gómez Cruz como el Gobernador Sánchez o Alex Cox como Robert Smith, "El Gringo", aunque el reparto es mucho mas extenso y a todos no podemos mencionarlos aquí. Tanto el trabajo individual, como el colectivo y la dirección de actores son dignos de elogio.

Conclusión: La ley de Herodes es un trabajo digno de admiración, como lo es todo lo que realiza un Luis Estrada que pasará a la historia del cine de su país y que merece el reconocimiento del resto del globo. Una excelente forma de denuncia, de una forma amena y, por utilizar una expresión coloquial, "poniéndole al mal tiempo buena cara", que no le resta un ápice de crudeza, aunque la sirva de la forma menos dura posible. No puedo mas que alabar cada colaboración del director con el genial Damián Alcázar, un excelente actor que además resulta entrañable en cada una de sus actuaciones. Ojalá que con el paso de los años, la situación de ese hermoso país mejore tanto como para recordar estos títulos como algo pasado y lejano, aunque lo que no creo que nunca cambie es el inteligente retrato del ser humano que en este en particular se hace. Así somos, nos guste o no.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Título original - Fasandræberne (The Absent One)
Año - 2014
Duración - 119 min.
País - Dinamarca
Director - Mikkel Nørgaard
Guión - Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, basándose en la novela de Jussi Adler-Olsen
Música - Patrik Andrén, Uno Helmersson y Johan Söderqvist
Fotografía - Eric Kress
Montaje - Morten Egholm y Frederik Strunk
Producción - Jonas Bagger, Peter Aalbæk Jensen y Louise VestProductora - Zentropa Entertainments / Film i Väst
Género - Cine negro, Thriller, Intriga
Reparto - Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Danica Curcic, Pilou Asbæk, David Dencik, Sarah-Sofie Boussnina, Johanne Louise Schmidt, Marco Ilsø, Søren Pilmark, Camilla Gottlieb, Adam Ild Rohweder, Morten Kirkskov
Web oficial - http://www.departamentoq.es/

Mikkel Nørgaard vuelve a la carga con la segunda entrega de los casos protagonizados por los agentes Carl Mørck y Assad, llevando a la gran pantalla el guión escrito por Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, que adapta la novela superventas de Jussi Adler-Olsen. Sin necesidad ya de presentaciones, nos encontramos ante un caso mas complejo y oscuro que el de su predecesora, que hará que nuestros protagonistas den lo máximo de si para solucionar un caso que se creyó cerrado hace dos décadas y en el que parecen estar relacionados varios de los hombres mas poderosos de Dinamarca. Si la primera fue una agradable sorpresa, esta es una magnífica confirmación que incluso mejora a su predecesora.

Sinopsis: El Departamento Q no pasa por su mejor momento. Tras el ya lejano éxito de su primer caso resuelto, las dudas de sus superiores amenazan con finalizar la trayectoria de los agentes, que no consiguen cerrar con éxito ningún otro. Un buen día aparece el cadáver de un padre que se ha suicidado tras pasar 20 años intentando encontrar a los culpables reales de la muerte de sus dos hijos adolescentes, caso que en su día se cerró tras entregarse un hombre sin motivos aparentes. Antes de acabar con su vida, este deja una caja con todos los datos recopilados hasta la fecha, datos que apuntan a la posible participación de varios de los hombres mas influyentes del país, algo que llamará la atención de detective Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas), que intentará convencer a Assad (Fares Fares) para continuar con la investigación.

El director: Mikkel Nørgaard Søncksen es un director de cine y televisión danés nacido el 23 de enero de 1974. Tras graduarse en la Escuela de Cine de Dinamarca en 2001, comenzó a trabajar en televisión participando en la dirección de varias series, entre las que se encuentran Langt fra Las Vegas (2001), Klovn (2005), Anna Pihl (2006) o la magnífica Borgen (2010), que les recomiendo no se pierdan. Ese mismo año debutó en la dirección de un largometraje con Klovn: The Movie (2010), continuación de la serie anteriormente mencionada. Misericordia (2013) y Profanación (2014) parecen haber iniciado un idilio del director con la obra literaria de Jussi Adler-Olsen, que esperemos no quede aquí. En breve se espera el estreno de Klown Forever (2015), secuela de la exitosa comedia televisiva Klovn: The Movie.

La película: Si en su primer trabajo Misericordia (Los casos del Departamento Q) (2013), del que os hablamos en este artículo, ya os animábamos a disfrutar de los comienzos de estos dos singulares detectives, a pesar de la sencillez y la sobriedad del caso que servía como aperitivo para la creación del departamento policial, Profanación no es mas que la confirmación de la creación de una franquicia que promete dar muchas alegrías a los seguidores de este tipo de productos, ofreciendo además un trabajo que me ha resultado aún mas completo y atrayente, en el que sin dar de lado sus principales señas de identidad, se consigue mostrar un producto mas enrevesado y oscuro, que da una pequeña vuelta de tuerca mas a su brillante predecesora, consiguiendo así limar los pocos peros que a aquella se le podían achacar.

Sin haber llegado a leer ninguna de las dos novelas, resulta complicado asegurar si en esta mejoría influyen estas directamente o simplemente es el guión escrito por Nikolaj Arcel (autor del de la primera entrega), ayudado en esta ocasión por Rasmus Heisterberg, el que resulta mas completo que su antecesor. De lo que no me queda ninguna duda, es de que en la profundidad y complejidad de la historia es donde radica este pequeño salto adelante que hace de Profanación un producto brillante que invita al espectador a esperar con impaciencia una posible nueva entrega, que esperemos nos llegue con el tiempo.

Su ritmo es el acertado, no excesivamente frenético, pero en ningún momento cansino o desesperante. La historia va ganando en intensidad e interés conforme avanza su metraje, mostrándonos con precisión pequeñas piezas que van formando el puzzle que compone un interesante caso ocurrido hace años, cuyo cierre bien puede asemejarse al de multitud ocurridos en la realidad, que apuntaban a personas influyentes y que jamás sabremos a ciencia cierta si solo eran eso, indicios, o hay detrás algo mas. Sus personajes están perfectamente desarrollados y los flashbacks están utilizados con inteligencia. Si tuviera que ponerle algún pero, este sería el poco desarrollo de las vidas personales de los dos detectives del departamento, algo que en esta entrega se ha quedado bastante parado y que seguro enriquecería la saga.

Una de las señas de identidad de esta película es el malsano clima que en ella se respira constantemente, algo en lo que tiene mucho que ver la fotografía de Eric Kress (Blinkende lygter, Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres, V3nganza), que repite con el director tras la primera entrega, manteniendo el destacable trabajo que hiciera en ella. En el montaje repite Morten Egholm, acompañado en esta ocasión por Frederik Strunk, que sustituye a Martin Schade. En la banda sonora también repiten Patrik Andrén, Uno Helmersson y Johan Söderqvist, que siguen la linea iniciada en Misericordia.

Si dirigimos la mirada hacia su reparto, el protagonismo sigue siendo para los integrantes del departamento, Nikolaj Lie Kaas que da vida a Carl Mørck, el atormentado detective que basa su existencia en su trabajo, y Fares Fares en el papel de Assad, su inseparable compañero, que posee un carácter mucho mas extrovertido y actúa de colchón en muchas ocasiones entre Carl y el resto de la humanidad. En esta ocasión se les suma la actriz Johanne Louise Schmidt en el papel de Rose, la nueva secretaria que trabajará junto a ellos y que, sin tener un papel estelar en el film, si que ostenta momentos de relativa importancia por los que se adivina que en próximas entregas, si es que las hay, su papel irá ganando importancia. En el resto de los personajes sobresale el personaje de Kimmie, interpretado en la actualidad por Danica Curcic y hace 20 años por Sarah-Sofie Boussnina. Ambas realizan un buen trabajo, aunque la segunda brilla algo mas.

Conclusión: Profanación continúa con la senda iniciada por Misericordia, entregándonos en esta ocasión una historia algo mas oscura y enrevesada que hará las delicias de los aficionados al género y a los amantes del neo-noir nórdico. En ella encontramos pocos signos de esperanza, retratando un mundo salvaje desde un punto de vista bastante pesimista, aunque es algo a lo que los que gustamos de este tipo de productos, estamos mas que acostumbrados. Sus principales virtudes son su magnífica ambientación, sus excelentes interpretaciones y la capacidad de su historia para mantener al espectador pegado a la pantalla, evitando además mostrarnos detectives superdotados y si a personas como vosotros o yo, con sus virtudes y sus defectos, que encajan mucho mejor en lo que es la realidad. Si te gustó la primera, esta no te defraudará, aunque me gustaría, eso si, que profundizasen algo mas en la vida de sus protagonistas, algo que espero ocurra en la siguiente ocasión. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Vimeo

Truman - Cesc Gay (2015) España

Guión - Cesc Gay
Música - Nico Cota, Toti Soler
Fotografía - Andreu Rebés
Reparto - Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi, Àlex Brendemühl, Javier Gutiérrez, Eduard Fernández, Elvira Mínguez, Silvia Abascal, Nathalie Poza, José Luis Gómez, Pedro Casablanc, Francesc Orella, Oriol Pla, Ana Gracia, Susi Sánchez, Àgata Roca
Productora - Coproducción España-Argentina; Imposible Films / BD Cine
Género - Drama. Comedia | Amistad. Enfermedad. Comedia dramática

Sinopsis - Dos amigos de la infancia ahora ya en la mediana edad, Julián y Tomás, se reúnen después de muchos años y pasan unos días inolvidables juntos, principalmente debido a que su reunión es también, seguramente, su último adiós.

La verdad - James Vanderbilt (2015) Estados Unidos

Guión - James Vanderbilt (Memorias: Mary Mapes)
Música - Brian Tyler
Fotografía - Mandy Walker
Reparto - Cate Blanchett, Robert Redford, Topher Grace, Elisabeth Moss, Dennis Quaid, Bruce Greenwood, John Benjamin Hickey, Martin Sacks, Nicholas Hope, Aaron Glenane, Steve Bastoni, Lewis Fitz-Gerald, Christopher Stollery, Elizabeth Saunders, Andrew Fritz
Productora - Sony Pictures / RatPac Entertainment / Echo Lake Entertainment / Mythology Entertainment
Género - Drama | Basado en hechos reales. Periodismo. Televisión

Sinopsis - Víspera de las elecciones estadounidenses de 2004. El país se encuentra inmerso en la guerra contra Iraq y Afganistán, y todo apunta a que George W. Bush va a ser reelegido presidente de los Estados Unidos. La productora de noticias de la CBS Mary Mapes (Cate Blanchett) y su socio, el presentador Dan Rather (Robert Redford), descubren una historia que podría cambiar el curso de las elecciones: Bush había utilizado todo tipo de influencias para evitar ir a la guerra de Vietnam. La emisión de un programa especial con la información desata una tormenta informativa que llevará a Mapes y Rather a pelear para demostrar la veracidad de su noticia y defender los valores de la verdad por encima de los intereses políticos y económicos que se esconden detrás de los medios de comunicación.

El becario - Nancy Meyers (2015) Estados Unidos

Guión - Nancy Meyers
Música - Theodore Shapiro
Fotografía - Stephen Goldblatt
Reparto - Robert De Niro, Anne Hathaway, Rene Russo, Nat Wolff, Drena De Niro, Adam DeVine, Wallis Currie-Wood, Anders Holm, Liz Celeste, Andrew Rannells, Zack Pearlman, Christine Evangelista, Elliot Villar, Linda Lavin, Peter Vack
Productora - Waverly Films
Género - Comedia | Moda. Trabajo/empleo

Sinopsis - La joven dueña de un exitoso negocio online dedicado a la moda no se toma demasiado bien el hecho de que la compañía contrate como becario a un hombre de 70 años, pero eso irá cambiando progresivamente, ya que poco a poco el hombre comienza a convertirse en alguien indispensable.

El último cazador de brujas - Breck Eisner (2015) Estados Unidos

Guión - Melisa Wallack, Cory Goodman
Música - Steve Jablonsky
Fotografía - Dean Semler
Reparto - Vin Diesel, Rose Leslie, Elijah Wood, Michael Caine, Ólafur Darri Ólafsson, Joseph Gilgun, Julie Engelbrecht, Rena Owen, Lotte Verbeek, Inbar Lavi, Allegra Carpenter
Productora - Summit Entertainment / One Race Films / Goldmann Pictures
Género - Fantástico. Terror | Brujería

Sinopsis - Narra la historia de una casta de cazadores de brujas, centrándose en el último de ellos, que mantiene la población de brujas y hechiceros a raya en la ciudad de Nueva York.

Los últimos cinco años - Richard LaGravenese (2014) Estados Unidos

Guión - Richard LaGravenese (Musical: Jason Robert Brown)
Música - Jason Robert Brown
Fotografía - Steven Meizler
Reparto - Anna Kendrick, Jeremy Jordan, Natalie Knepp, Nic Novicki, Meg Hudson, Sherie Rene Scott, Alan Simpson, Ashley Spencer, Stephanie Corbett, Gina Sarno, Laura Harrier, Randy Redd, Betsy Wolfe, Allison Macri, Cat Lynch
Productora - Icon / Lucky Monkey Pictures / Sh-K-Boom Records / Grand Peaks Entertainment
Género - Musical. Romance | Drama romántico
Web oficial - http://lastfiveyears.com/

Sinopsis - Basada en una obra musical de Broadway ganadora del premio Tony. La historia se centra en la relación que mantienen Cathy (Anna Kendrick), una joven aspirante a actriz, y Jamie (Jeremy Jordan), un novelista en alza.

Little Boy - Alejandro Monteverde (2015) México

Guión - Alejandro Monteverde, Pepe Portillo
Música - Stephan Altman, Mark Foster
Fotografía - Andrew Cadelago
Reparto - Jakob Salvati, Emily Watson, Kevin James, Tom Wilkinson, Cary-Hiroyuki Tagawa, Eduardo Verástegui, Ben Chaplin, David Henrie, Michael Rapaport, Ted Levine, Abraham Benrubi, Ali Landry, Candice Azzara, Toby Huss, Kelly Greyson, Matthew Scott Miller, Mary Stein, Matthew J Cates
Productora - Coproducció México-EEUU; Santa Fé Films / Metanoia Films
Género - Drama. Bélico | Infancia. Años 40. II Guerra Mundial
Web oficial - http://littleboymovie.com/

Sinopsis - Años 40. En un pequeño pueblo de EEUU vive un niño de 7 años que padece problemas de desarrollo. Cuando su padre, casi su único amigo, se marcha al frente a combatir en la Segunda Guerra Mundial, el chico tendrá que enfrentarse no sólo a la crueldad de sus compañeros de clase, sino también a la de sus vecinos.

Los cinco y el secreto de la pirámide - Mike Marzuk (2015) Alemania

Guión - Simon Hauschild, Peer Klehmet, Sebastian Wehlings
Música - Wolfram de Marco
Reparto - Pasquale Aleardi, Valeria Eisenbart, Samuel Finzi, Özgür Karadeniz, Mehmet Kurtulus, Adnan Maral, Neele-Marie Nickel, Quirin Oettl, Justus Schlingensiepen, Ramin Yazdani
Productora - SamFilm Produktion
Género - Aventuras. Infantil. Intriga. Thriller

Sinopsis - Bernard, el padre de Julian, Dick y Anne, organiza una exposición en Egipto. Los amigos viajan a El Cairo junto a Elena, una colega de su padre. Éste caerá en una trampa y será acusado de robo, permaneciendo en prisión hasta que se celebre el juicio. Los Cinco intentarán probar la inocencia de Bernard ayudados por Auni, un joven carterista

El cadáver de Anna Fritz - Hèctor Hernández Vicens (2015) España

Guión - Hèctor Hernández Vicens, Isaac P. Creus
Música - Tolo Prats
Fotografía - Ricard Canyellas
Reparto - Alba Ribas, Cristian Valencia, Bernat Saumell, Albert Carbó
Productora - A Contraluz Films / Benecé Produccions, S.L. / Corte y Confección de Películas / Playtime Movies / Silendum Films, S.L.
Género - Thriller. Drama

Sinopsis - Anna Fritz, una famosa y joven actriz de cine, es encontrada muerta en la suite de un hotel. Pau trabaja como celador en el hospital donde han llevado el cadáver de Anna. Es un chico tímido e introvertido, y cada vez que entra en el depósito el cuerpo de chica atractiva que acaba de morir, no puede evitar mirarla desnuda. Hace una foto a Anna Fritz y la envía a sus amigos Iván y Javi. Estos van al hospital para ver de cerca el cuerpo de la actriz. Entran en la morgue y quedan admirados por su gran belleza. Tienen a Anna Fritz desnuda. Podrían poseerla y nadie lo sabría. Víctimas de sus instintos más primitivos, no saben que van a bajar a un infierno del que les va a ser muy difícil salir.

3 corazones - Benoît Jacquot (2014) Francia

Guión - Benoît Jacquot, Julien Boivent
Música - Bruno Coulais
Fotografía - Julien Hirsch
Reparto - Benoît Poelvoorde, Charlotte Gainsbourg, Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve
Productora - Pandora Filmproduktion / Rectangle Productions
Género - Drama | Melodrama

Sinopsis - Marc pierde su tren para volver a París y conoce a Sylvie. Vagan hasta la noche, hablando de todo, excepto de ellos mismos, en completa armonía. Cuando Marc se va, acuerdan encontrarse unos días más tarde. Sylvie acude a la cita pero Marc no. Mientras, Marc conoce a otra mujer, Sophie, sin saber que es la hermana de Sylvie. Marc y Sylvie volverán a verse, recuperando su conexión, aunque será demasiado tarde.

Las aventuras de Moriana - David Perea y Luis Soravilla (2015) España

Guión - David Perea
Música - José A. Herrera "El Belga"
Fotografía - Daniel Acosta Steiner
Reparto - Terele Pávez, Enrique Villén, Carolo Ruiz, Antonio Hidalgo, Geli Albadalejo, Magdalena S. Blesa
Productora - Moriana Films S.L.
Género - Comedia | Cine dentro del cine

Sinopsis - Magdalena es desahuciada con sus tres hijos. Les lanza un mensaje: siempre mirar hacia delante ante la adversidad. Decide montar un restaurante trayendo a suegros, madre y hermanos para que formen parte del proyecto. No funciona. Una vuelta más de tuerca, Magda tiene otra idea: hacer una película.

Educación siberiana - Gabriele Salvatores (2013) Italia

Guión - Stefano Rulli, Sandro Petraglia, Gabriele Salvatores (Libro: Nicolai Lillin)
Música - Mauro Pagani
Fotografía - Italo Petriccione
Reparto - John Malkovich, Peter Stormare, Eleanor Tomlinson, Andrius Paulavicius, Giedrius Nagys, Arnas Fedaravicius
Productora - Cattleya
Género - Drama | Años 80

Sinopsis - Rodada en inglés y basada en un libro de Nicolai Lilin, narra su adolescencia y formación dentro de la comunidad de los Urka, irreductibles criminales siberianos, que fueron deportados a Transnitria (entre Moldavia y Ucrania) por Stalin en los años 30. La historia se desarrolla poco antes de la caída de la Unión Soviética.

El gran museo - Johannes Holzhausen (2014) Austria

Guión - Johannes Holzhausen, Constantin Wulff
Fotografía - Attila Boa, Joerg Burger
Reparto - Documentary
Productora - Navigator Film / ORF Film/Fernseh-Abkommen
Género - Documental | Pintura

Sinopsis - El gran museo es un documental que muestra de una forma diferente el trabajo que se esconde tras las exposiciones del Museo de Historia del Arte en Viena. El director Johannes Holzhausen ha rodado, como si de una película de ficción se tratase, un documental que no incluye entrevistas, voz en off o música de fondo. En él se puede observar de cerca el trayecto que se produce para crear el decorado perfecto que envuelva el arte, desde el trabajo del director hasta el del servicio de limpieza del museo. La película se compone de la rutina diaria de estos empleados pero centrándose en los pequeños dramas que desatan problemas durante la realización de las exposiciones, así como trata de reflexionar y responder preguntas tan importantes como ¿qué papel juega el arte en la representación de la identidad de una nación dentro de la política y el turismo?.

The Propaganda Game - Álvaro Longoria (2014) España

Guión - Álvaro Longoria
Fotografía - Diego Dussuel
Reparto - Documentary
Productora - Morena Films / Elemag Pictures
Género - Documental | Propaganda

Sinopsis - Documental en el que se analizan las diversas técnicas y estrategias de la propaganda, centrándose en el sorprendente y siempre llamativo caso de Corea del Norte. La película ha sido rodada aprovechando el acceso privilegiado a filmar en Corea del Norte de la mano de Alejandro Cao de Benós, el único extranjero que trabaja para el gobierno comunista. El film analiza las estrategias utilizadas por los diferentes "jugadores" para manipular la "verdad" y sus intereses. Noticias falsas, medias verdades y polémicas surrealistas sirven para que el espectador llegue a sus propias conclusiones y reflexione sobre lo difícil que es saber la verdad.

Bendita calamidad - Gaizka Urresti (2015) España

Guión - Novela: Miguel Mena
Música - Miguel Ángel Remiro
Fotografía - Pepe Añón, Javier Bilbao
Reparto - Jorge Asín, Nacho Rubio, Luis Varela, Carlos Sobera, Juan Muñoz, Gorka Aguinagalde, Enrique Villén, Carmen Barrantes
Productora - IMVAL Producciones / Rec Films / Urresti Producciones
Género - Comedia | Secuestros / Desapariciones

Sinopsis - Gira en torno a dos hermanos en graves apuros económicos que, espoleados por un abogado sin escrúpulos, intentan el secuestro exprés de un rico constructor durante la fiesta del Cipotegato de Tarazona (Zaragoza), pero por un error acaban llevándose al obispo de esa diócesis, con el que huirán por el Moncayo.

El gran vuelo - Carolina Astudillo Muñoz (2014) España

Guión - Carolina Astudillo Muñoz
Música - Diego Mune, Charlie Braesch, Charlie Sid, Claudia Cervenca, Karsten Hochapfel, Fanny Menegoz, Miguel Arcos
Reparto - Documentary
Productora - Carolina Astudillo Muñoz
Género - Documental

Sinopsis - En los primeros años de la dictadura franquista, Clara Pueyo Jornet, militante del Partido Comunista, escapa de la prisión de Les Corts de Barcelona por la puerta principal. En ese momento su huella se pierde para siempre. Había vivido en constante fuga y pretendía huir también de la rigidez de su propio partido. Su historia es también la historia de las mujeres de su época y de su lucha por la libertad en una sociedad que intentó reprimirlas.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Cell 213
Año - 2011
Duración - 109 min.
País - Canadá
Director - Stephen Kay
Guión - Maninder Chana
Música - Jonathan Goldsmith
Fotografía - Luc Montpellier
Montaje - Tad Seaborn
Producción - Hassain Zaidi
Productora - Access Motion Pictures
Género - Terror
Reparto - Eric Balfour, Deborah Valente, Michael Rooker, Bruce Greenwood, Conrad Coates, Marie-Josée Colburn, Darlene Cooke, Murray Furrow, Tamara Gorski, Rothaford Gray, Darren Hynes, Viv Leacock

Celda 213 es el último trabajo que el director Stephen Kay ha dirigido para la gran pantalla hasta la fecha. Con un guión de Maninder Chana, la fotografía de Luc Montpellier y el protagonismo de Eric Balfour, Deborah Valente, Michael Rooker y Bruce Greenwood, asistimos a un trabajo un tanto irregular como película de terror, pero muy capaz de mantener la atención del espectador durante todo su metraje, gracias a el interés de su historia y el buen hacer de varios de sus protagonistas. Lástima que se pierda en los pequeños detalles, algo que por desgracia suele acompañar al director a lo largo de su carrera.

Sinopsis: Michael Gray (Eric Balfour) es un joven abogado con una meteórica carrera por la que está a punto de ser nombrado socio de su bufete, una oportunidad que no está dispuesto a dejar pasar. Inmerso en el juicio de un importante cliente, que se antoja fundamental para lograr su objetivo, acude a la penitenciaría a visitar a un acusado de la violación y la muerte de una pequeña, teniendo la mala fortuna de que su defendido se suicida ante el, siendo acusado por el guarda de prisiones Ray Clement (Michael Rooker), que se presenta como único testigo. Condenado por dicho crimen, ingresará en la misma prisión donde todo ocurrió, siendo encerrado en la celda 213, la misma donde pasó sus últimos días su cliente.

El director: Stephen Kay es un actor, director y guionista de cine y televisión, nacido en Nueva Zelanda, en 1963. Su carrera puede calificarse como irregular, siendo esto mas un cumplido que un agravio, créanme. Para la gran pantalla ha dirigido trabajos como La última vez que me suicidé (1997), Get Carter (Asesino implacable) (2000), Boogeyman, la puerta del miedo (2005) o Isolation (2010), no alcanzando siquiera el aprobado en ninguna de ellas (en las principales webs de cine). En televisión ocurre algo parecido, habiendo dirigido varios telefilms como La muerte no miente (El fantasma de Nueva Orleans) (2004), BTK Asesino en serie (2005), Justicia para Natalee (2011), El asesino de Craigslist (2011) o La asesina de ojos azules (2012). Quizás sea en su participación en las series The shield: al margen de la ley, Friday Night Lights y Hijos de la Anarquía donde ha obtenido mejores resultados, aunque su participación no ha sido excesivamente extensa.

La película: Ya son varias las ocasiones en las que he pensado que no se ha aprovechado todo lo que se debería un escenario tan propicio para ello como es una prisión, siempre refiriéndome al cine de terror, claro. No se si será una apreciación solo mía, pero me parece un marco inmejorable para desarrollarlas, sobre todo si se trata de terror psicológico, en el que los espacios reducidos y cerrados suelen dar bastante juego, por lo que cuando un amigo me recomendó ver este trabajo y aún conociendo la discreta trayectoria de su director en el género, la idea no me pareció nada mala. Una vez vista, he de decir que como trabajo de terror no consiguió precisamente su objetivo, que no pasé miedo al verla, diciéndolo mas claro, pero si he de reconocer que en ningún momento tuve la tentación de quitarla, haciéndome pasar un entretenido rato ante la pantalla, mucho mas de lo que esperaba en un principio.

Eso si, he de reconocer que su comienzo sembró en mi ciertas dudas, principalmente por lo enrevesado que resulta lo que nos cuenta, pero es algo que no debe ser motivo suficiente para abandonar de buenas a primeras, ya que conforme avanza el metraje, la cosa mejora bastante dejándolo como una simple anécdota. El guión escrito por Maninder Chana (The Boom, Deadline: A Sequential Zombie, Little Terrors), resulta un tanto irregular en algunos momentos, pero tiene la plausible capacidad de crear en el espectador la necesidad de saber la respuesta a las varias preguntas que plantea, algo que sin duda compensa la carencia de mejores diálogos y de algo mas de desarrollo en algunos de sus personajes.

Su ritmo resulta correcto y su duración, poco mas de 100 minutos, es la justa y necesaria para la historia que nos muestra. Otra de las virtudes que tiene, es la forma en la que está cerrada la historia, aunque creo que Stephen Kay no saca el partido necesario a una historia que daba para mas, sobre todo en un tramo final que podría haber subido bastante la nota final del film. De todos modos, es necesario verla completa para comprender muchas de las escenas que en un principio pueden parecer algo descabelladas, pero que en su resolución cobran algo de sentido.

La fotografía es obra de Luc Montpellier (Un atraco de cinco estrellas, Lejos de ella, Poor Boy's Game), siendo este uno de los aspectos en los que la película mas destaca, contribuyendo de forma muy positiva a la creación de la malsana atmósfera que nos acompaña en casi toda su duración. Del montaje se encargó Tad Seaborn, realizando un trabajo correcto, pero sin excesivos alardes, mientras que la banda sonora fue encargada a Jonathan Goldsmith (Corrupción en el poder, Compulsión, Retornados, El luchador), realizando un trabajo muy apropiado, aunque no excesivamente destacable. Como curiosidad decir que varias de las escenas de la película fueron rodadas en el centro penitenciario de máxima seguridad de Kingston, Ontario (Canadá).

El reparto de la película es una de las cosas que consiguen sostenerla, aunque también en este apartado encontramos ciertos papeles que serían mejorables, pero también hay que decir que su transcendencia en la película tampoco sea excesiva. El protagonismo principal es para Eric Balfour, que da vida al abogado Michael Gris, un altivo y ambicioso personaje que pagará muy cara su falta de ética. Junto a el tenemos a Michael Rooker como el guarda de prisiones Ray Clement, un personaje realmente detestable, Bruce Greenwood como el alcaide de la prisión y Deborah Valente en el papel de Audrey Davis, una funcionaria de inspeccion de centros penitenciarios que se fijará en el caso de Michael. El trabajo de todos ellos puede valorarse como bueno, aunque a excepción de su principal protagonista, tampoco puede ser calificado de excesivamente brillante.

Conclusión: Celda 213 es un trabajo poco destacable en la mayoría de sus apartados, aunque hay que reconocer que en su conjunto es una película que mantiene el interés durante todo su metraje, pudiendo ser considerada sin excesivos problemas como el mejor largometraje realizado para ser proyectado en cines de un irregular Stephen Kay. Su principal problema es la irregularidad de su guión, que en un principio puede echar para atrás a mas de un aficionado, pero si le damos una oportunidad y continuamos viéndola, descubriremos un producto ameno y que no deja muy mal sabor de boca. Eso si, como película de terror es bastante justita, por no decir fallida, ya que no consigue su principal fin, algo que queda compensado por la intriga y el interés de la historia. Por cierto, Stephen Kay ha estrenado este mismo año una miniserie llamada The Lizzie Borden Chronicles, dirigida junto a Howard Deutch, Constantine Makris y Russell Mulcahy y protagonizada por Christina Ricci y Clea DuVall, que tengo ganas de ver. Espero que me sorprenda, aunque esa es ya una historia que queda para otro día. Feliz Halloween.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - Ikiru
Año - 1952
Duración - 143 min.
País - Japón
Director - Akira Kurosawa
Guión - Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni
Música - Fumio Hayasaka
Fotografía - Asakazu Nakai
Montaje - Kôichi Iwashita
Producción - Sojiro Motoki
Productora - Toho Company
Género - Drama
Reparto - Takashi Shimura, Nobuo Kaneko, Kyôko Seki, Makoto Kobori, Kumeko Urabe, Yoshie Minami, Miki Odagiri, Kamatari Fujiwara

Ikiru es el nombre del trabajo que hoy os presento, dirigido por Akira Kurosawa y escrito por el propio Kurosawa, junto a Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni. Una obra exigente con el espectador enmarcada en los trabajos mas realistas del maestro nipón, pero que a cambio nos regala una riqueza inusual, en la que se realiza una reflexión sobre la vida, la muerte y la forma en que los seres humanos las encaramos, las experimentamos y las afrontamos, poniéndonos en la piel del funcionario público Kanji Watanabe, magistralmente interpretado por el inolvidable Takashi Shimura. Cine para ver con atención, algo de paciencia y el alma abierta de par en par, cuyo mensaje mantiene y mantendrá intacta su vigencia para quien esté dispuesto a escucharlo. Exigente, si, pero sin duda imprescindible.

Sinopsis: Kanji Watanabe (Takashi Shimura) es un funcionario público que lleva media vida consumiendo su vida entre las cuatro paredes de las oficinas, que poco a poco ha ido encajando en el entramado engranaje de la administración. Encargado de la sección de los ciudadanos, pasa el día poniendo escusas ante sus problemas y utilizando el sello necesario para que pueda seguir su curso cada documento que cae en sus manos, mientras que las personas que lo rodean solo lo miran con interés, ya sea en su familia, donde solo piensan en la herencia que recibirán, como en el trabajo, donde todos ansían llegar a ocupar su puesto. Un buen día recibirá la noticia de que padece cáncer de estómago, por lo que sus días de "vida" están contados, algo que lo hará dirigir la mirada a lo que ha sido su existencia e intentar buscar la manera de finalizarla haciendo lo que apenas ha hecho hasta ese momento, vivir.

El director: Akira Kurosawa fue un director asiático nacido en Shinagawa, Tokio, Japón, el 23 de marzo de 1910. Considerado por muchos, entre los que me encuentro, como uno de los mejores y mas completos directores de todos los tiempos, nos dejó más de 30 películas en su maravillosa filmografía, de la que resulta difícil elegir cuales recomendar, ya que es disfrutable al completo. Aún así, por poner algunos ejemplos de la misma, nombraremos la siguientes: El ángel borracho (1948), de la que os hablamos en esta reseña, Duelo silencioso (1949), El perro rabioso (1949), Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954), Trono de sangre (1957), La fortaleza escondida (1958), Yojimbo (El mercenario) (1961), Sanjuro (1962), El infierno del odio (1963), Barbarroja (1965), Dersu Uzala (El cazador) (1975), Ran (1985) o Los sueños de Akira Kurosawa (1990), además de la que hoy nos ocupa. Comentar que ninguna de ellas baja del 7 o el 8 en las principales webs de cine, así que no es solo cosa del que aquí escribe, y advertir que me dejo atrás auténticas joyas, pero resulta del todo inevitable hacer una selección.

La película: Creo necesario comenzar aclarando el porqué de mi calificación de exigente de este trabajo, principalmente porque no me gustaría que me acusasen de exceso de celo a la hora de valorarla, ya que el maestro Kurosawa es uno de los directores que mas han marcado mi forma de disfrutar el cine, por lo que puede parecer que soy poco imparcial a la hora de hablar de su obra. Hay que saber que tenemos delante para no llevarnos excesivas sorpresas ni perder nuestro tiempo si no es lo que buscamos o nos apetece. Cuando decía que es exigente, es porque estamos ante un trabajo de casi dos horas y media de duración, cuyo ritmo puede resultar excesivamente lento para algunos aficionados, como suele ocurrir con gran parte del cine asiático que podemos disfrutar. Además se trata de un cine cargado de simbolismo, realizado para activar la capacidad de pensamiento y meditación del espectador, algo que si no llega a conseguir, lo convierte en un trabajo estéril y poco cautivador. Cine que exige paciencia y toda nuestra capacidad de atención para ser disfrutado, ofreciendo a cambio una riqueza indudable.

También me parece fundamental tener claro en que época y dentro de que cultura nos encontramos, aunque en realidad, y como ya he dicho antes, su mensaje sigue y seguirá vigente por siempre. Veo bastante complicado que alguien que lo ha tenido todo en la vida sin excesivos esfuerzos, sea capaz de captar y valorar adecuadamente el contexto en el que esta se desarrolla, perdiendo quizás fuerza en dichos casos, ya que la mayoría de los detalles y situaciones que en ella se describen pueden parecerles incluso ridículos, porque nunca llegaron a valorar esos pequeños detalles que, mientras que para alguien criado en una familia humilde pueden resultar incluso familiares, para alguien que ha vivido sin ningún tipo de carencia, difícilmente habrán llegado nunca a llamar siquiera su atención.

En mi caso en particular, debo mi excelente educación a unos padres ejemplares, ya que perteneciendo a una familia humilde, tuve la suerte, al igual que mis dos hermanos, de disfrutar de los frutos del enorme esfuerzo de estos. Papa trabajaba en una fábrica de algodón y después echaba algunas horas mas liando brochas de pintura, mientras que mama ejercía de padre y madre casi todo el tiempo. Gracias a ello, los tres disfrutamos de una educación en un colegio privado que normalmente estaba vetada a las personas de nuestro estatus social, algo que solo el paso de los años me han hecho valorar como es debido. Les comento esto porque el caso de mi padre es muy parecido al del protagonista de esta historia porque, si trabajas 8 horas en un sitio y después 5 o 6 en otro y le sumas el tiempo que pasas durmiendo, ¿que tiempo te queda para vivir? ¿te garantiza el hecho de hacerlo tener al menos el merecido reconocimiento a tu esfuerzo?

Esa es parte del alma y el mensaje de esta película, uno de los principales problemas a los que nos enfrentamos los seres humanos, que pasamos por nuestra vida maniatados por nuestras costumbres y obligaciones morales sin llegar a darnos cuenta de que hemos también de vivirla, de valorarla y disfrutarla como lo que es, un regalo que no debemos dejar pasar sin dejar una hermosa huella, sea o no correspondida o reconocida. Por todo ello no quiero hoy hablaros de la fotografía de Asakazu Nakai, de la música de Fumio Hayasaka o del montaje de Kôichi Iwashita, trabajos loables todos ellos por igual, sino recomendar el visionado de este tipo de obras a todo el mundo, porque en vez de moralina desprenden sabiduría, algo que últimamente escasea de forma alarmante en un mundo cada vez mas alocado y materialista. Cine que no nos dice que debemos hacer, pero nos muestra otros caminos posibles, para así poder elegir bien el nuestro entre las diferentes opciones.

De lo que no puedo dejar de hablar por mucho que quiera, es de la labor de ese grandioso actor llamado Takashi Shimura, que da vida a Kanji Watanabe, uno de esos actores y actrices que no necesitan abrir siquiera la boca para transmitir lo que cada escena precisa, un don que difícilmente se aprende, aunque por supuesto si que se perfecciona. El maestro Kurosawa sabía bien que una historia como esta necesitaba a uno de los mas grandes para transmitir a la perfección lo que quería, no pudiendo ser la elección mas acertada. El resto de los actores dan la cara como pueden a su alrededor, sabedores que la simple presencia de Shimura revaloriza cada escena en la que participa. Entre los mas destacados tenemos a Nobuo Kaneko como el hijo de Kanji y Mitsuo Watanabe como la esposa de este. Shin'ichi Himori da vida a Kimura, uno de los compañeros y el único que realmente valora a nuestro protagonista y Miki Odagiri como Toyo Odagiri, la joven empleada de la que Kanji envidia su forma de disfrutar la vida.

Conclusión: Vivir (Ikiru) es un trabajo de los que yo recomiendo ver a todo el mundo, aunque lógicamente sea difícil de digerir por el aficionado tipo actual, mas pendiente de las evoluciones técnicas de cada trabajo que de lo que realmente se nos está contando. Cine realizado para agitar conciencias y abrir mentes, que hay que disfrutar con tranquilidad, atención y cierta paciencia, pero que a cambio nos regala auténticas e inteligentes reflexiones sobre la vida, la muerte y como las afrontamos, con una excelente crítica a los absurdos e interminables trámites burocráticos existentes en la práctica totalidad de las naciones de la tierra y de como la forma de vida que llevamos la inmensa mayoría de los mortales, impide a muchos hacer lo que realmente da sentido a esta vida, vivir. Cine de ese que no se olvida nunca, de ese que tanto escasea. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

vuelve a casa, sola de noche, Ana Lily Amirpour

Título original - A Girl Walks Home Alone at Night
Año - 2014
Duración - 100 min.
País - Estados Unidos
Director - Ana Lily Amirpour
Guión - Ana Lily Amirpour
Música - Johnny Jewel
Fotografía - Lyle Vincent
Montaje - Alex O'Flinn
Producción - Ana Lily Amirpour, Justin Begnaud y Sina Sayyah
Productora - Say Ahh Productions / SpectreVision / Logan Pictures / Black Light District
Género - Terror, Romance, Thriller, Cine independiente
Reparto - Sheila Vand, Arash Marandi, Dominic Rains, Marshall Manesh, Mozhan Marnò, Milad Eghbali

El debut de la estadounidense de origen iraní Ana Lily Amirpour puede gustar mas o menos, según el gusto de cada espectador, pero lo que os puedo asegurar es que no dejará a ninguno de ellos indiferente. Estéticamente deslumbrante y mimada hasta en el mas mínimo detalle, nos cuenta una historia de amor perturbadora entre una chica sedienta de sangre y un chico diferente a la mayoría. Una extraña mezcla de géneros donde priman las imágenes en blanco y negro a los escuetos y escasos diálogos, donde mas que contar una historia se nos sugiere y en la que la escasa profundidad de esta y sus evidentes referentes quedan compensados con su innegable capacidad de seducción.

Sinopsis: Arash (Arash Marandi) es un joven trabajador que vive con su padre Hossein (Marshall Manesh), un adicto a la heroína. Tras recibir la visita de un traficante llamado Saeed (Dominic Rains), que se lleva su coche como pago de la enorme cantidad de dinero que su padre le debe, decide hacerle una visita para hacer un trato con el y así poder recuperarlo. Mientras lo espera en la entrada de su casa sin que este conteste a sus llamadas, se cruza por primera vez con una extraña joven que lleva un chador (Sheila Vand), que sale de la misma vivienda, sin saber entonces que entre ellos acaba de nacer una singular relación. El problema es que ella es un depredador que busca a sus víctimas por las oscuras calles de Bad city.

La directora: Ana Lily Amirpour es una directora, guionista, productora y actriz nacida en Inglaterra, nacionalizada estadounidense, donde se mudo con sus padres muy joven, y de una familia de origen iraní. Su familia se estableció en Bakersfield, California, donde asistió a la escuela secundaria. Más tarde asistió a la Universidad Estatal de San Francisco y se graduó de la Escuela de UCLA de Teatro, Cine y Televisión. Lleva realizando películas desde que tenía 12 años de edad. Dirigió varios cortos antes de acometer su ópera prima: Six and a Half y You en 2009, True Love, Ketab y Ana Lily Amirpour Likes This en 2010, Pashmaloo y A Girl Walks Home Alone at Night en 2011 y A Little Suicide en 2012. Actualmente está enfrascada en su segundo largometraje, que con el título de The Bad Batch se encuentra en post-producción y se espera estrenar en 2016.

La película: El subgénero vampírico está experimentando en los últimos años una constante evolución que lleva a los guionistas y realizadores a buscar nuevas formas de mostrar a estas sangrientas criaturas tan utilizadas en el mundo del cine desde prácticamente sus inicios. Trabajos como Byzantium, de la que os hablamos en este artículo, Déjame entrar, que comentamos en este otro, o la mas reciente Solo los amantes sobreviven, de la que os hablamos aquí, son solo algunos ejemplos de como el cine vampírico ha ido evolucionando para, como bien dicen, renovarse antes que morir. En esta ocasión es la realizadora Ana Lily Amirpour la que da una nueva vuelta de tuerca al mito, dirigiendo un trabajo realmente completo, que es además su debut en un largometraje y que invita a seguir con enorme atención sus próximos pasos en la industria cinematográfica.

Además de dirigirla, Ana Lily Amirpour es responsable de su guión, la co-produce junto a Justin Begnaud y Sina Sayyah, e incluso interpreta un pequeño papel en una escena que transcurre en una discoteca. Sus señas de identidad son claras, estando rodada en blanco y negro, en idioma persa (a nuestro país ha llegado en su idioma original subtitulada), algo que no supone ningún problema, ya que sus diálogos son bastante escuetos, primando las imágenes por encima de todo, y su ritmo bastante pausado, algo que en algunos momentos puede llegar a resultar algo desesperante, pero que acaba resultando fundamental para conseguir la tensión contenida que se respira en todo momento y el enorme poder de atracción que derrocha.

En A Girl Walks Home Alone at Night se adivinan aires de Nouvelle Vague, se asiste a escenas surrealistas que recuerdan al cine de David Lynch, formando un oscuro Western vampirizado donde se nos presenta a la criatura protagonista de forma mas humanizada, como un ser que sigue cierto tipo de ética a la hora de seleccionar a sus víctimas, ejerciendo una labor que en cierta forma ayuda a mejorar la calidad humana de un escenario que se nos presenta casi siempre desierto, habitado por seres marginales que deambulan por el intentando sobrevivir. Es además de ese tipo de trabajos que muestra los hechos de forma un tanto ambigua, donde el espectador ha de interpretar las imágenes que van desfilando ante si y formándose su propia idea de lo que está viendo, por lo que consigue mantener la atención de forma casi hipnótica

El manejo de la cámara resulta espectacular, al igual que la elección de la fotografía en blanco y negro obra de Lyle Vincent (Bright Falls, Devoured, Cooties, Chilling Visions: 5 States of Fear). La mezcla entre ambos dan como resultado una fuerza visual que adquiere el protagonismo desde el primer instante, a la que además hay que añadir la magnífica caracterización utilizada para la solitaria justiciera de la noche, una joven que escucha música de los 80 en la soledad de su hogar y se desplaza en monopatín ataviada con un chador musulmán, que realmente pone los pelos de punta cuando se detiene ante ti y te observa sin moverse ni abrir siquiera la boca. La música es otro de los puntos fuertes de este trabajo, siendo su variedad y la excelente forma en la que está utilizada, sus principales características.

El trabajo del magníficamente elegido reparto que da vida a esta curiosa historia es otro de los grandes aciertos de la cinta, comenzando por su perturbadora protagonista, una Sheila Vand que da vida a la extraña criatura que deambula por las calles durante la noche, realizando un trabajo brillante que además agranda la perturbadora mirada que tiene la actriz. Arash Marandi interpreta de forma correcta a Arash, el joven que cuida de su padre a pesar de su adicción, que llamará la atención de la chica de forma muy diferente a la que lo hacen sus presas. Muy meritorias también son las interpretaciones de Marshall Manesh como Hossein, el desdichado padre de Arash, y Mozhan Marnó como Atti, una prostituta que trabaja en el barrio donde se desarrolla la historia.

Conclusión: Una chica vuelve a casa sola de noche gustará a unos mas que a otros, pero lo que no se le puede nunca negar es el loable esfuerzo que la realizadora Ana Lily Amirpour ha realizado para crear un producto diferente a lo que estamos acostumbrados a ver, con evidentes referencias en el, pero mezclando estas de forma que no podamos decir que la hemos visto con anterioridad. Entre sus muchas virtudes destacar su enorme fuerza visual, su magnífica fotografía en blanco y negro, el trabajo de su reparto, su banda sonora y la forma en la que es utilizada y su poder de hipnosis. Entre sus posibles peros está su ritmo, que puede llegar a desesperar a muchos espectadores, y la simplicidad de su historia, que si no consigue llegarte puede resultar un tanto pobre. Habrá que estar atentos a la realizadora, ya que puede darnos muchas alegrías en un futuro cercano. Talento parece no faltarle.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Spectre - Sam Mendes (2015) Reino Unido

Guión - John Logan, Neal Purvis, Robert Wade, Jez Butterworth (Personajes: Ian Fleming)
Música - Thomas Newman
Fotografía - Hoyte van Hoytema
Reparto - Daniel Craig, Christoph Waltz, Monica Bellucci, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Rory Kinnear, Ben Whishaw, Dave Bautista, Andrew Scott, Jesper Christensen, Stephanie Sigman
Productora - MGM / Columbia Pictures / Albert R. Broccoli / Eon Productions
Género - Acción. Aventuras. Thriller | James Bond. Espionaje

Sinopsis - Un críptico mensaje del pasado envía a James Bond a una misión secreta a México D.F. y luego a Roma, donde conoce a Lucía Sciarra, la hermosa viuda de un infame criminal. Bond se infiltra en una reunión secreta y descubre la existencia de una siniestra organización conocida como SPECTRE. Mientras tanto, en Londres, el nuevo director del Centro para la Seguridad Nacional cuestiona las acciones de Bond y pone en duda la importancia del MI6, encabezado por M. De modo encubierto Bond recluta a Moneypenny y Q para que le ayuden a buscar a Madeleine Swann, la hija de su antiguo archienemigo, el Sr. White, que quizá tenga la clave para desentrañar el misterio de SPECTRE. A medida que Bond avanza en su misión, descubre una estremecedora conexión entre él mismo y el enemigo que busca.

Sinister 2 - Ciaran Foy (2015) Estados Unidos

Guión - Scott Derrickson, C. Robert Cargill
Música - tomandandy
Fotografía - Amy Vincent
Reparto - James Ransone, Shannyn Sossamon, Robert Daniel Sloan, Dartanian Sloan, Lea Coco, Tate Ellington, John Beasley, Lucas Jade Zumann, Jaden Klein, Laila Haley, Caden M. Fritz, Olivia Rainey
Productora - Automatik Entertainment / Blumhouse Productions / Entertainment One
Género - Terror

Sinopsis - Después de que Ashley Oswalt descuartizara a su familia y desapareciera con Mr. Boggie, una madre con sus dos hijos gemelos se mudan a la misma casa donde sucedieran los asesinatos cometidos por los niños que fueron poseídos. Mr. Boogie ha vuelto y acecha a uno de ellos. ¿Podrán salvarse de este ser maligno? Secuela de "Sinister" (Scott Derrickson, 2012).

Dragon Ball Z: La Resurrección de F - Tadayoshi Yamamuro (2015) Japón

Guión - Akira Toriyama
Música - Norihito Sumitomo
Fotografía - Yousuke Motoki
Reparto - Animation
Productora - Toei Animation
Género - Animación. Acción. Ciencia ficción. Comedia
Web oficial - http://www.d2015gw.com/

Sinopsis - Después de que Bills, el Dios de la destrucción, decidiera no destruir la Tierra, se vive una gran época de paz. Hasta que Sorbet y Tagoma, antiguos miembros élite de la armada de Freezer, llegan a la Tierra con el objetivo de revivir a su líder por medio de las Bolas de Dragón. Su deseo es concedido y ahora Freezer planea su venganza en contra de los Saiyajin. La historia hace que una gran oleada de hombres bajo el mando de Freezer lo acompañe.

Dheepan - Jacques Audiard (2015) Francia

Guión - Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Noé Debré
Música - Nicolas Jaar
Fotografía - Éponine Momenceau
Reparto - Vincent Rottiers, Marc Zinga, Jesuthasan Antonythasan, Franck Falise, Claudine Vinasithamby
Productora - Why Not Productions / Page 114
Género - Drama | Inmigración. Drama social

Sinopsis - Para huir de la guerra civil en Sri Lanka, Dheepan hace pasar por su esposa a una mujer y por su hijo a una niña con la esperanza de que su engaño le otorgue fácilmente el derecho de asilo en Francia. El “héroe” de la película, tras ser un vendedor callejero, encuentra un trabajo como guardián de un edificio en un barrio problemático de las afueras. Yendo de un lado a otro observando y sin comunicarse verbalmente, en su desconocimiento casi total de la lengua francesa, los dos adultos se adaptarán progresivamente, aprendiendo también a conocerse mejor hasta empezar a amarse, mientras que la pequeña Illayal avanza a mayor velocidad gracias a la escuela. Pero Dheepan verá cómo finalmente las actividades del tráfico de drogas que lo rodean lo obligarán a salir de su reserva y sus sueños de la jungla tomar una dimensión urbana brutal...

La promesa - Patrice Leconte (2013) Francia

Guión - Patrice Leconte, Jérôme Tonnerre (Novela: Stefan Zweig)
Música - Gabriel Yared
Fotografía - Eduardo Serra
Reparto - Rebecca Hall, Alan Rickman, Richard Madden, Maggie Steed, Christelle Cornil, Shannon Tarbet, Toby Murray, Jean-Louis Sbille, Jonathan Sawdon
Productora - Fidélité Films / Scope Pictures
Género - Romance. Drama
Web oficial - http://www.wildbunch.biz/films/a_promise

Sinopsis - Alemania, año 1912, poco antes de la Primera Guerra Mundial. Un joven licenciado de origen humilde se convierte en secretario y persona de confianza de un rico empresario del acero. A medida que su relación laboral se estrecha, el joven deberá acudir frecuentemente al domicilio del empresario, una bella y reservada mujer mucho más joven que su marido. Entre ellos surgirá una relación pasional tan secreta como platónica, puesto que el joven no se atreve a revelar sus sentimientos, temeroso de comprometer su trabajo.

Una pastelería en Tokio - Naomi Kawase (2015) Japón

Guión - Naomi Kawase (Novela: Durian Sukegawa)
Música - David Hadjadj
Fotografía - Shigeki Akiyama
Reparto - Kirin Kiki, Miyoko Asada, Etsuko Ichihara, Miki Mizuno, Masatoshi Nagase, Kyara Uchida
Productora - Coproducción Japón-Francia-Alemania; Comme des Cinemas / Nagoya Broadcasting Network / Twenty Twenty Vision, ZDF/Arte / MAM / An Film Partner
Género - Drama | Cocina

Sinopsis - Sentaro tiene una pequeña pastelería en Tokio en la que sirve dorayakis (pastelitos rellenos de salsa de frijoles rojos dulces llamada "an"). Cuando una simpática anciana, Tokue, se ofrece a ayudarle, él accede de mala gana, pero Tokue demostrará tener un don especial para hacer "an". Gracias a su receta secreta, el pequeño negocio comienza a prosperar. Con el paso del tiempo, Sentaro y Tokue abrirán sus corazones el uno al otro para revelar viejas heridas.

Isla bonita - Fernando Colomo (2015) España

Guión - Fernando Colomo, Olivia Delcán, Miguel Ángel Furones
Música - Fernando Furones
Fotografía - Alfonso Sanz
Reparto - Olivia Delcán, Fernando Colomo, Nuria Román, Miguel Angel Furones, Lilian Caro, Tim Betterman, Lluís Marqués
Productora - Comba Films / La Perifèrica Producciones
Género - Drama. Romance

Sinopsis - Fer (Fernando Colomo), un veterano y enamoradizo realizador publicitario venido a menos, es invitado por su amigo Miguel Ángel (Miguel Ángel Furones) a su retiro dorado en la isla de Menorca. El problema es que la joven esposa de éste (Lilian Caro) también ha invitado a su madre y sobrinos. Miguel Ángel no tiene más remedio que colocar a su amigo en casa de Nuria (Nuria Román), una atractiva escultora antisistema que vive en permanente conflicto con su hija adolescente, Olivia (Olivia Delcán).

Él me llamó Malala - Davis Guggenheim (2015) Emiratos Árabes

Guión - Davis Guggenheim
Música - Thomas Newman
Fotografía - Erich Roland
Reparto - Documentary, Malala Yousafzai, Ziauddin Yousafzai, Toor Pekai Yousafzai, Khushal Yousafzai, Atal Yousafzai
Productora - Image Nation / Participant Media
Género - Documental

Sinopsis - Un retrato íntimo de Malala Yousafzai, la activista paquistaní herida por un talibán que atentó contra su escuela. Ganadora del Premio Nobel de la Paz, la persona más joven que jamás ha recibido tan prestigioso galardón, Malala fue señalada como objetivo por los talibanes y sufrió graves heridas por arma de fuego cuando regresaba a su casa, en el Valle de Swat (Pakistán), en su autobús escolar. La entonces adolescente de 15 años (nació en 1997) fue señalada, junto con su padre, por manifestarse a favor de la educación de las jóvenes. El ataque que sufrió provocó la protesta de quienes la apoyaban en todo el mundo. Sobrevivió milagrosamente y es ahora una destacada defensora de la educación de las jóvenes en todo el mundo, como cofundadora del Fondo Malala. El aclamado realizador de documentales Davis Guggenheim (Una verdad incómoda, Esperando a Supermán) nos muestra cómo Malala, su padre Ziauddin y su familia están comprometidos a luchar a favor de la educación de todas las adolescentes de todo el mundo. La película nos permite echar un vistazo desde dentro de la vida de esta extraordinaria joven, desde su estrecha relación con su padre, que le infundió el amor por la educación, hasta sus apasionados discursos en la ONU, pasando por su vida cotidiana con sus padres y hermanos. “Un niño, un profesor, un libro y un bolígrafo pueden cambiar el mundo". – Malala.

Novatos - Pablo Aragüés (2015) España

Guión - Pablo Aragüés
Música - Álvaro Aragüés
Fotografía - Álex Sierra
Reparto - Nicolás Coronado, Lucía Ramos, Javier Butler, Alejandra Onieva, Jorge Usón, Marta Larralde, Emma Suárez
Productora - Marta Cabrera y Horizonte 6 Quince
Género - Drama
Web oficial - http://www.novatosfilm.com

Sinopsis - Álex, de 18 años, deja su ciudad para irse a estudiar a la universidad en Madrid. Poco puede imaginar que al llegar al Colegio Mayor donde residirá se encontrará con el mundo de las novatadas, una serie de humillaciones y juegos vejatorios que "los veteranos" ejercen sobre "los novatos" con total impunidad. Esta práctica se extiende a todos los Colegios Mayores; por eso, Carla, también las soporta. Los veteranos, capitaneados por Estévez y Gladys, jóvenes mayores que ellos, arrogantes y acostumbrados a tener todo lo que desean, conseguirán tambalear el mundo de Álex y Carla.

Lost Soul: El viaje maldito de Richard Stanley a la isla del Dr. Moreau - David Gregory (2014) Estados Unidos

Música - Mark Raskin
Fotografía - Jim Kunz
Reparto - Documentary
Productora - Severin Films
Género - Documental | Documental sobre cine

Sinopsis - Richard Stanley soñaba con adaptar al cine el clásico de H.G. Wells La isla del Dr. Moreau. Finalmente, a mediados de la década de los noventa logró levantar el proyecto, pero su rodaje se convirtió en una batalla entre el arte y los intereses de la industria, que acabó con el director expulsado del filme. Este documental recoge la historia de un título que pudo haber sido una obra maestra del fantástico, y que acabó en fracaso estrepitoso.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Testamento de juventud, Testament of Youth, James Kent

Título original - Testament of Youth
Año - 2014
Duración - 129 min.
País - Reino Unido
Director - James Kent
Guión - Juliette Towhidi (Autobiografía: Vera Brittain)
Música - Max Richter
Fotografía - Rob Hardy
Montaje - Lucia Zucchetti
Producción - Rosie Alison y David Heyman
Productora - BBC Films / Heyday Films
Género - Bélico, Drama, Romance
Reparto - Alicia Vikander, Kit Harington, Emily Watson, Hayley Atwell, Dominic West, Colin Morgan, Miranda Richardson, Charlotte Hope, Anna Chancellor, Emily Bevan, Jonathan Bailey, Xavier Atkins, Amanda Fairbank-Hynes, Joanna Scanlan, Taron Egerton

El debut en la gran pantalla del realizador James Kent (Marchlands, Inside Men, El cuento número trece), adaptando el guión que Juliette Towhidi escribe sobre la autobiografía de Vera Brittain, confirma el indudable talento de este, del que ya os hemos hablado en varias ocasiones por aquí. Con la excelente fotografía de Rob Hardy, la banda sonora de Max Richter y el protagonismo de Alicia Vikander, estamos ante una dura y magníficamente contada historia, que nos muestra como cambió y marcó la vida de nuestra protagonista la I guerra mundial. Una película con la calidad que la BBC suele imprimir en sus productos, que no deberíais dejar escapar.

Sinopsis: Vera Brittain (Alicia Vikander) es una joven que consigue vencer las restricciones a las mujeres de la época y el inicial rechazo de su padre, para realizar el examen de acceso al Somerville College, en Oxford. Pero tras conseguir su ingreso y comenzar sus estudios, ve como comienza la I guerra mundial y su hermano Edward (Taron Egerton), su prometido Roland Leighton (Kit Harington) y sus amigos Victor Richardson (Colin Morgan) y Geoffrey Thurlow (Jonathan Bailey), con los que ha pasado gran parte de su juventud, son enviados a servir al frente, lo que la hará considerar la posibilidad de ayudar a su país ejerciendo como enfermera y dejando así momentáneamente sus estudios.

El director: James Kent lleva ya bastante tiempo llamando nuestra atención con productos para televisión de una calidad incuestionable, por lo que para mi fue una gratísima sorpresa ver su nombre vinculado a este trabajo. En su carrera nos ha dejado productos como los documentales John Wayne, el americano inquieto (1997) y The Genius of Mozart (2004), los telefilms Margaret (2009), The Secret Diaries of Miss Anne Lister (2010) y El cuento número trece (2013), de la que os hablamos aquí , las miniseries Marchlands (2011) y Inside Men (2012), de la que os hablamos aquí, además de participar en la serie La Reina Blanca (2013). Testamento de juventud es su primer trabajo para la gran pantalla, pero viendo los resultados obtenidos y su trayectoria, seguro que no será el último.

La película: Lo primero que ha de quedar claro es que no estamos ante un film bélico al uso, sino mas bien ante un drama romántico forzosamente ambientado en la I guerra mundial. A pesar de que el film debe ser incluido dentro del género de cine bélico, está contado desde la perspectiva de quien participó en la guerra ayudando como enfermera, tras ver partir al frente a sus seres queridos, así que no esperéis acciones militares deslumbrantes ni cine de acción, ya que en ningún momento es esa la intención de sus creadores. Estamos ante la imagen de dicho conflicto mostrado desde la perspectiva de sus mujeres, y en concreto de la de Vera Brittain, que interpuso su deseo de ayudar a su país antes que el de finalizar los estudios que tanto esfuerzo le había costado comenzar, algo que por suerte pudo hacer con posterioridad.

Al no haber leído la autobiografía de Vera Brittain, me es imposible asegurar el grado de fidelidad del guión que Juliette Towhidi escribió basándose en ella, pero conociendo las formas que habitualmente emplean los británicos en este tipo de productos y datos como que se tuvo el apoyo de Shirley Williams, hija de Brittain, y de Marcos Bostridge, biógrafo, editor de Brittain, y uno de sus albaceas literarios, que al parecer actuaba como asesor en la película, creo que queda fuera de toda duda que, al menos el espíritu y los detalles fundamentales de esta, están dignamente preservados. Y es que tras disfrutarla comprobareis que sería un pecado imperdonable variar la estremecedora historia que nos cuenta, manteniendo así intactas las vivencias de esta formidable mujer, de la que no quiero dar mas detalles para no desvelar nada mas.

Testamento de juventud está filmada de forma soberbia, haciendo gala de la excelente ambientación que los británicos suelen hacer en productos de época, a lo que hay que unir la maestría y la belleza con la que James Kent es capaz de plasmar cada escena. La excelente fotografía de Rob Hardy (Boy A, Blitz, Agente doble, Ex machina) tiene mucho que decir al respecto, dejándonos multitud de imágenes para el recuerdo en las que destacan los hermosos paisajes naturales que se nos muestran en diferentes momentos, que tanto difieren a las imágenes que percibimos de los horrores de la guerra, suficientemente duras para llamar nuestra atención pero sin caer nunca en el exceso o la búsqueda de la lágrima fácil.

El montaje es obra de Lucia Zucchetti, que realiza un trabajo intachable, mientras que la banda sonora recae en Max Richter (Shutter Island, Escobar: Paraíso perdido, Into the Forest, The Leftovers), un productor, pianista y compositor de música clásica y minimalista británico de origen alemán. Su trabajo para este film es realmente brillante, dejándonos un producto de gran belleza perfectamente integrado en la película pero que también merece la pena disfrutar por separado. Al final de este artículo, tras el trailer, podéis escuchar gran parte de ella si os apetece. Decir que está filmada en su mayoría en Londres, Oxford y Yorkshire, incluyendo un gran número de lugares en todo el York Moors Nort. Las escenas de la estación fueros filmadas en la estación de tren de Keighley, utilizando trenes proporcionados por el Keighley y Worth Valley Railway, y las del lago fueron filmadas en Darley Dale (Derbyshire).

Si dirigimos la mirada hacia el reparto, el nivel general ha de ser calificado de muy notable y homogéneo, algo ya habitual en los productos donde participa la BBC. Hay que destacar el protagonismo de Alicia Vikander, que interpreta a la perfección a Vera Brittain, una mujer luchadora capaz de cualquier cosa por conseguir sus sueños, pero incapaz de dar la espalda a la realidad de los suyos y a la de su patria. Su interpretación es comedida, lo que no hace sino hacerla parecer aún mas real. Junto a ella tenemos a un magnífico elenco donde podemos mencionar a Kit Harington como Roland Leighton, su gran amor, Taron Egerton como su hermano Edward, Dominic West y Emily Watson como sus padres, Colin Morgan y Jonathan Bailey como sus amigos Victor y Geoffrey, y así podría seguir hasta mencionar a la práctica totalidad del reparto. La dirección de actores realizada por James Kent resulta también muy destacable.

Conclusión: Testamento de juventud no es mas que la inevitable confirmación del talento del realizador James Kent, que creo nos seguirá dando muchas alegrías. Se trata de una historia muy humana, que entrega el protagonismo a las personas, sus sentimientos y vivencias, utilizando el conflicto bélico como un escenario, en vez de entregarle el protagonismo. Esto puede hacer que a cierto sector del público pueda no llegar a llenarle, buscando un tipo de cine que aquí no encontrarán, pero por suerte tienen multitud de obras que si dan el protagonismo a la guerra y que seguro serán mas de su agrado. Cine realizado con una maestría impropia en un debutante, que no es de extrañar viendo la calidad de su obra en televisión. Sean felices, que no es poco.

Les dejo el trailer y parte de la banda sonora de la película.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Título original - Horns aka
Año - 2013
Duración - 120 min.
País - Estados Unidos
Director - Alexandre Aja
Guión - Keith Bunin, basándose en la novela de Joe Hill
Música - Robin Coudert
Fotografía - Frederick Elmes
Montaje - Baxter
Producción - Alexandre Aja, Riza Aziz, Joey McFarland, Cathy Schulman y Joe Hill
Productora - Coproducción USA-Canadá; Lionsgate / Mandalay Pictures / Red Granite Pictures
Género - Fantástico, Thriller, Romance
Reparto - Daniel Radcliffe, Juno Temple, Max Minghella, Kelli Garner, Joe Anderson, James Remar, Kathleen Quinlan, Heather Graham, David Morse, Michael Adamthwaite, Nels Lennarson, Mitchell Kummen, Dylan Schmid, Sabrina Carpenter, Jared Ager-Foster, Erik McNamee, Laine MacNeil

Alexandre Aja es el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Keith Bunin, basándose en la novela homónima de Joe Hill. Un trabajo basado en una buena idea, que alcanza momentos realmente brillantes, sobre todo cuando utiliza su lado cómico y gamberro, pero que debido a su irregularidad y a un tramo final un tanto exagerado, no alcanza la nota que en un principio debería haber sacado. Aún así es capaz de hacernos pasar un rato de diversión, algo que no todos pueden decir, aunque al final te queda la sensación de ocasión perdida que tanto coraje da, al menos es lo que me ocurrió a mi.

Sinopsis: Merrin Williams (Juno Temple) es una joven que aparece asesinada en un lugar remoto, en medio de un bosque. El principal y único sospechoso es su novio Ignatius 'Ig' Perrish (Daniel Radcliffe), pero no puede ser condenado por falta de pruebas, aunque para muchos de sus vecinos siempre será el culpable. Un año mas tarde del suceso, Ig continúa destrozado mientras que sus conocidos recuerdan a la joven fallecida. Tras una noche donde Ig pierde los papeles por completo, despierta desorientado y resacoso descubriendo que le han salido cuernos que le dan un extraño poder hacia el resto de las personas, haciendo que estas saquen a la luz sus peores instintos, lo que intentará utilizar para descubrir al auténtico responsable de la muerte de su amada.

El director: Alexandre Jouan-Arcady (Alexandre Aja) es un director, guionista y productor francés nacido en París, Francia, el 7 de agosto de 1978. Su carrera siempre ha estado vinculada al cine fantástico y de terror. Tras el corto Over the Rainbow (1997), por el que fue candidato a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, debutó en la gran pantalla con Furia (1999), tras la que llegaron Alta tensión (2003), por la que fue galardonado en el Festival de Cine de Sitges, Las colinas tienen ojos (2006), Reflejos (Mirrors) (2008) y Piraña 3D (2010). Tras Horns, de la que os hablamos hoy, está inmerso en la realización del thriller The 9th Life of Louis Drax, que adapta la novela Las vidas de Louis Drax, de Liz Jensencuyo, y cuyo estreno se espera para este mismo año.

La película: He de confesar que mi idilio con este título es tan irregular como el resultado final del mismo, ya que desde un principio no acababa de convencerme su premisa. Tras revisar los últimos trabajos del director y tragar algo de saliva decidí darle una oportunidad, sorprendiéndome muy gratamente en su tramo inicial, en el que descubrí un trabajo ameno, muy gamberro y divertido. El problema es que en vez de seguir por ese camino, sus responsables aúnan en un producto un cóctel de un sinfín de géneros que acaba por aturdir al espectador, que tras finalizar su visionado no sabe bien que es lo que ha visto realmente y como se ha logrado echar a perder un comienzo tan prometedor. Y a pesar de todo, he de decir que yo la vería otra vez y, de hecho, recomiendo verla, pero me produce una desagradable sensación de impotencia ver lo cerca que han estado de hacer un trabajo realmente bueno.

Sus problemas tienen un origen muy claro, el guión escrito por Keith Bunin, que adapta la novela de Joe Hill. No he leído el texto en cuestión, pero si puedo decir que el libreto es de esos que aspiran a aunar en un producto varios géneros a la vez, pero que lo que consigue es malgastar una buena idea llevando al espectador por una historia mal hilvanada, por un quiero y no puedo que pierde fuerza a la vez que se va alejando del humor negro para adentrarse en el género del terror, algo que tras lo bien que funciona su comienzo, resulta ya imposible. Para colmo, su metraje es claramente exagerado y su final inútilmente alargado y torpemente rematado.

Creo que las intenciones del director son buenas, intentando algo que resulta muy difícil de conseguir, comenzar con un producto en el que el humor es su principal argumento para, poco a poco, ir oscureciéndolo y dándole a la vez seriedad y dramatismo a la cinta, hasta convertirla en un trabajo fantástico que mezcla terror, thriller, cine policíaco e ingredientes de varios géneros mas, pero que en mi caso en concreto, solo ha conseguido convencerme plenamente en su primer tramo, perdiendo bastante fuerza conforme dicha transformación se va haciendo patente. Dicho de otra forma, Horns posee multitud de virtudes y aspectos positivos, pero la forma en que estos ingredientes están mezclados acaba por echarlos a perder, aunque ya saben que es solo mi opinión y que ya depende del gusto de cada espectador, por lo que yo de ustedes le daría una oportunidad.

Dentro de los apartados técnicos hay que destacar la fotografía de Frederick Elmes (Terciopelo azul, Corazón salvaje, Coffee and Cigarettes, Flores rotas), en cuyo trabajo se nota la enorme experiencia que atesora, siendo este uno de los puntos positivos del film. El montaje es obra de Baxter, destacando negativamente la utilización de enormes flashbacks que, para mi gusto, resultan repetitivos y alargados en exceso, aunque también hay que decir que son bastante esclarecedores. La banda sonora corre a cargo de Robin Coudert (Radiostars, Maniac, Populaire, Every Secret Thing), un músico, cantautor, productor y compositor de música de cine, cuya labor en esta ocasión nos deja un trabajo donde destacan temas como Sleeps with the lights de Wanton Bishops, Personal Jesus de Marilyn Manson, Heroes de David Bowie, Where is my mind? de Pixies o el tema que toca la banda de Terry (hermano de Ig) en el bar, The devil down below de The Brass Action. Potente y de una calidad incuestionable, representa uno de los grandes aciertos de la cinta.

Si analizamos el trabajo de su reparto hay que valorar el de Daniel Radcliffe, un actor que tras protagonizar la famosa saga Harry Potter, algo que puede condicionar al mas pintado, ha dado muestras ya en varias ocasiones de que es mucho mas de lo que representa dicho personaje, participando en trabajos tan dispares como La mujer de negro (2012), Amores asesinos (2013), Amigos de más (2013) y la que hoy nos ocupa. No lo habrá hecho muy mal cuando su nombre está ligado a ocho proyectos que verán la luz en lo que queda de año y el que viene, siendo el primero de ellos Victor Frankenstein, una nueva adaptación de la famosa novela de Mary Shelley dirigida por Paul McGuigan. Sorprendentemente, es el que mejor aguanta los cambios de tono de la cinta, adaptando su interpretación en cada momento a lo que se exige y echándose la película a las espaldas. Del resto del reparto destaca la hermosa Juno Temple, que interpreta a Glenna, la novia de siempre de Ig, en edad adulta, mientras que Laine MacNeil la interpreta de niña. El papel de Ig de niño es interpretado por Mitchell Kummen.

Conclusión: Horns es lo suficientemente retorcida como para hacer honor a su título. Un trabajo que posee buenas cualidades y algunos momentos memorables, pero que por problemas en el guión y en la forma de plasmarlo su director, no consigue llegar donde podría haberlo hecho. Aún así hay que reconocer que es un trabajo bastante original, algo que a día de hoy resulta ya muy difícil de encontrar, por lo que yo le daría una oportunidad y crearía mi propia opinión. Solo por escenas como la de la llegada a la consulta del médico o la de el quirófano, ya creo que merece la pena disfrutarla (véanla y me entenderán). Mención especial para su protagonista, creo que nos queda Radcliffe para rato. Por suerte para la humanidad, los cuernos que mas duelen en esta vida no son visibles para la mayoría. ¿Se imaginan si no fuera así?

Os dejo el trailer en castellano y la excelente banda sonora de la película. Sed felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Indb, Wikipedia y Youtube

Son of a Gun - Julius Avery (2014)

El extraño caso del Dr. Jekyll - Victor Fleming (1941)

La ruta natural - Àlex Pastor (2004)

Estrenos de la semana en cines (16/octubre/2015)

Hidden: Terror en Kingsville - Matt Duffer y Ross Duffer (2015)

Canción de cuna para un cadáver - Robert Aldrich (1964)

The Missing - Tom Shankland (2014)

Estrenos de la semana en cines (23/octubre/2015)

Stromboli, tierra de Dios - Roberto Rossellini (1950)

Mientras duermes - Jaume Balagueró (2011)

Mandarinas - Zaza Urushadze (2013)

La ley de Herodes - Luis Estrada (1999)

Profanación (Los casos del Departamento Q) - Mikkel Nørgaard (2014)

Estrenos de la semana en cines (30/octubre/2015)

Celda 213 - Stephen Kay (2011)

Vivir (Ikiru) - Akira Kurosawa (1952)

Una chica vuelve a casa sola de noche - Ana Lily Amirpour (2014)

Estrenos de la semana en cines (6/noviembre/2015)

Testamento de juventud - James Kent (2014)

Horns - Alexandre Aja (2013)