Pinceladas de cine

La visita - M. Night Shyamalan (2015) Estados Unidos

Guión - M. Night Shyamalan
Fotografía - Maryse Alberti
Reparto - Kathryn Hahn, Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Deanna Dunagan, Michelle Rose Domb, Peter McRobbie, Benjamin Kanes, Erica Lynne Arden, Celia Keenan-Bolger, Dave Jia, Shelby Lackman, John Buscemi
Productora - Blumhouse Productions / Blinding Edge Pictures
Género - Thriller. Terror | Familia. Vida rural (Norteamérica). Metraje encontrado. Cine independiente USA

Sinopsis - Una madre deja a sus dos hijos en la remota granja de sus abuelos, en Pensilvania, durante un fin de semana. Los niños descubrirán que la anciana pareja está metida en algo profundamente inquietante. Película de M. Night Shyamalan ('El sexto sentido', 'Señales', 'El bosque') realizada con muy bajo presupuesto.

ma ma - Julio Medem (2015) España

Guión - Julio Medem
Música - Alberto Iglesias
Fotografía - Kiko de la Rica
Reparto - Penélope Cruz, Luis Tosar, Asier Etxeandia, Teo Planell, Silvia Abascal, Mónica Sagrera, Àlex Brendemühl, Ciro Miró, Jon Kortajarena
Productora - Morena Films
Género - Drama | Enfermedad

Sinopsis - Magda es una maestra en paro que tras ser diagnosticada de cáncer de mama reacciona sacando toda la vida que lleva dentro, desde lo imaginable a lo inimaginable. Su lucha valiente y optimista hará posible que ella y su entorno más íntimo vivan insospechadas escenas de humor y delicada felicidad.

American Ultra - Nima Nourizadeh (2015) Estados Unidos

Guión - Max Landis
Música - Marcelo Zarvos
Fotografía - Michael Bonvillain
Reparto - Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Connie Britton, Topher Grace, John Leguizamo, Walton Goggins, Bill Pullman, Tony Hale, Stuart Greer, Monique Ganderton, Lavell Crawford, Michael Papajohn, Nash Edgerton
Productora - Lionsgate / PalmStar Entertainment / Bridge Finance Company / Circle of Confusion / Likely Story / Merced Media Partners / PalmStar Media Capital
Género - Acción. Comedia | Gore

Sinopsis - Mike Howell (Jesse Eisenberg) es un joven que no tiene ninguna motivación y que vive junto a su novia Phoebe (Kristen Stewart) en una pequeña y aburrida ciudad. Un día, su vida da un giro inesperado cuando el pasado de Mike vuelve para perseguirle y se convierte en el blanco de una operación de alto secreto del gobierno.

Una segunda oportunidad - Susanne Bier (2014) Dinamarca

Guión - Anders Thomas Jensen
Música - Johan Söderqvist
Fotografía - Johan Söderqvist
Reparto - Nikolaj Coster-Waldau, Ulrich Thomsen, Maria Bonnevie, Nikolaj Lie Kaas, Lykke May Andersen.
Productora - Zentropa Entertainments
Género - Drama | Policíaco

Sinopsis - Los amigos Andreas y Simon son dos policías que viven de forma muy diferente. Andreas es feliz con su mujer y su hijo; Simon acaba de divorciarse y se emborracha regularmente. Todo cambiará cuando intervienen en la pelea de una joven pareja de yonquis y descubren a un bebé en un armario. Andreas, el hombre estable, obligado a enfrentarse a su impotencia, empieza a perder su idea de lo que la justicia significa. El rebelde Simon deberá restaurar el equilibrio entre el bien y el mal.

Reina y patria - John Boorman (2014) Reino Unido

Guión - John Boorman
Música - Stephen McKeon
Fotografía - Seamus Deasy
Reparto - Callum Turner, Caleb Landry Jones, David Thewlis, Richard E. Grant, Tamsin Egerton, Vanessa Kirby, Sinéad Cusack, David Hayman, Brían F. O'Byrne, Gerran Howell
Productora - Merlin Films
Género - Drama | Guerra de Corea. Secuela
Web oficial - http://www.le-pacte.com/international/upcoming-films/single/queen-and-country/

Sinopsis - Un inglés que creció en Londres durante la II Guerra Mundial, se hace militar para combatir en la Guerra de Corea.

Capitán Diente de Sable y el tesoro de Lama Rama - John Andreas Andersen, Lisa Marie Gamlem (2014) Noruega

Guión - Terje Formoe, Lars Gudmestad
Música - Patrik Andrén, Johan Söderqvist
Fotografía - John Andreas Andersen
Reparto - Tuva Novotny, Fridtjov Såheim, Anders Baasmo Christiansen, Nils Jørgen Kaalstad, Kyrre Haugen Sydness, Jon Øigarden, Pia Tjelta, Robert Skjærstad, Janne Formoe, Odd Magnus Williamson, Vinjar Pettersen, Andreas Cappelen
Productora - Norwegian Pirates / Storm Films / Storm Productions
Género - Aventuras. Acción. Comedia. Drama | Aventuras marinas. Piratas

Sinopsis - Capitán diente de sable es una película infantil de aventuras cuyo personaje protagonista es muy famoso entre los niños en Noruega. Navegando y adentrándose en el mar, junto al capitán está Pinky, un huérfano con el que vive cientos de aventuras en busca de un ansiado tesoro. La aventura les lleva hasta el reino de Lama Rama donde Pinky podrá saber quién es su verdadero padre.

Una semana en Córcega - Jean-François Richet (2015) Francia

Guión - Lisa Azuelos, Claude Berri, Jean-François Richet
Fotografía - Robert Gantz, Pascal Marti
Reparto - Vincent Cassel, François Cluzet, Alice Isaaz, Lola Le Lann, Philippe Nahon
Productora - Entre Chien et Loup / La Petite Reine
Género - Comedia. Romance | Remake

Sinopsis - Remake de la película homónima de 1977. Dos amigos llevan a sus hijas a unas vacaciones en la playa y se tendrán que enfrentar a una situación muy incómoda: uno de los dos comienza una relación con la hija del otro.

Los héroes del mal - Zoe Berriatúa (2015) España

Guión - Zoe Berriatúa
Reparto - Jorge Clemente, Beatriz Medina, Emilio Palacios
Productora - Pokeepsie Films
Género - Drama | Adolescencia. Acoso escolar. Venganza

Sinopsis - Tres adolescentes que sufren el maltrato y la humillación de sus compañeros en clase deciden unirse para vengarse. Sin embargo, lo que comienza como un acto de libertad en legítima defensa se convierte en una espiral de violencia de la cual no podrán escapar. ¿Qué se puede hacer contra un criminal menor de edad?

Los exiliados románticos - Jonás Trueba (2015) España

Guión - Jonás Trueba
Música - Tulsa
Fotografía - Santiago Racaj
Reparto - Vito Sanz, Renata Antonante, Francesco Carril, Isabelle Stoffel, Luis E. Parés
Productora - Los Ilusos Films
Género - Romance. Drama | Amistad. Road Movie. Drama romántico

Sinopsis - Tres amigos deciden emprender un viaje en furgoneta desde Madrid hasta París, sin motivo aparente, tan sólo buscando el encuentro de amores idílicos y a la vez efímeros, con la única misión de sorprenderse a sí mismos y seguir sintiéndose vivos.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Ensayo de un crimen
Año - 1955
Duración - 91 min.
País - México
Director - Luis Buñuel
Guión - Luis Buñuel, Eduardo Ugarte (Novela: Rodolfo Usigli)
Música - Jorge Pérez
Fotografía - Agustín Jiménez
Montaje - Jorge Bustos y Pablo Gómez
Producción - Alfonso Patiño Gómez
Productora - Alianza Cinematográfica
Género - Drama, Comedia
Reparto - Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma

Luis Buñuel escribió el guión junto a Eduardo Ugarte, basándose en la novela homónima de Rodolfo Usigli, y dirigió este trabajo difícilmente clasificable, donde drama y comedia negra parecen ir de la mano para contarnos la historia de un curioso personaje, el señor Archibaldo de la Cruz, al que da vida el actor Ernesto Alonso, realizando un trabajo magnífico. Está considerada como una de sus películas mas personales, caracterizándose por esconder tras su sencilla narrativa, toda una crítica a la sociedad burguesa, la justicia y a tocar multitud de temas mas que el maestro quiso reflejar en ella con sutileza. La obra de un adelantado a su tiempo y uno de los mejores realizadores que ha dado este país.

Sinopsis: Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) vive estigmatizado desde niño por la muerte de su institutriz (Leonor Llausás), de la que se cree culpable al haberla deseado mientras jugaba con una peculiar caja de música que le regaló su madre. Desde entonces vive luchando constantemente con el deseo de asesinar a todas las mujeres que pasan por su vida, aunque aún sin llegar a cometer ninguno de ellos, se cree culpable de sus muertes, ya que tras desearlo todas acaban falleciendo. Desesperado por la situación, decide confesar sus delitos ante un juez (Armando Velasco), al que contará su angustiosa vida desde la muerte de su institutriz, para así poner fin a su interminable agonía.

La película: Ensayo de un crimen supuso la última película de las 14 que el realizador Luis Buñuel realizó en México de forma consecutiva, entre 1947, año en que que rodó Gran casino, hasta 1955, en el que presentó la que hoy nos ocupa. Mas tarde volvería a rodar en cuatro ocasiones mas allí, pero ya intercaladas entre su trabajo en España, y sobre todo, en Francia. No voy a entrar a valorar el porqué de tal exilio, pero lo que si queda claro es que sus ideas políticas y las dificultades que la censura franquista ponían para filmar en nuestro país, mucho mas si tenemos en cuenta el tipo de cine que le gustaba hacer al realizador, fueron motivos mas que suficientes para ello, aunque no se si serían los únicos.

Estamos ante el trabajo con el que normalmente aconsejo empezar a ver el cine de Buñuel, no porque sea representativo del resto de su obra, ya que resulta bastante atípica y personal, sino porque me parece un film muy ameno de ver, con un ritmo que no da tregua al espectador y un sentido del humor que deja algo descolocado a quien no lo espera. Comienzas a verla y te preguntas que tendrá de especial esta obra, ya que te parece estar viendo cualquier película común de la época, pero en cuanto un lamentable accidente priva a nuestro protagonista de la compañía de su institutriz, y compruebas la forma en la que el director lo plasma en la pantalla, descubrimos que estamos ante algo muy diferente a lo que imaginábamos, consiguiendo engatusarte irremediablemente hasta su ¿extraño? final.

El guión, obra del propio Buñuel y Eduardo Ugarte, resulta realmente brillante, tanto en su acertado ritmo, como en la descripción de personajes, la forma en la que nos lleva de un género a otro en un instante o la enorme riqueza que esconde tras su sencilla narrativa. Es de esos libretos que entrega el protagonismo a un solo personaje, siendo este digno de estudio: un elegante y educado caballero que siempre hace gala de una amplia sonrisa y que en su soledad se corroe lentamente luchando contra los mas básicos instintos que regresan a el cada vez que recuerda la muerte de la que fue su institutriz.

Lamentablemente, dicho libreto le trajo mas de un problema al inolvidable realizador, ya que desde el primer momento, el autor de la novela en que se basa (Rodolfo Usigli) se opuso a la adaptación que el director pretendía realizar, llegando incluso a denunciarlo ante el sindicato de guionistas. Los motivos son claros, ya que lo que en principio era una novela negra, fue convertida por el maestro en una mezcla entre el drama y la comedia negra. Por suerte para los que la hemos disfrutado desde entonces, la cosa no llegó a mayores. Para colmo, antes del estreno de la película se suicidó la actriz Miroslava Stern, que interpretaba a Lavinia, uno de los objetos de deseo de nuestro protagonista, lo que hizo que no solo se hablara de cine al referirse a la película. Cuando vean la escena del maniquí que Archibaldo compra lo entenderán mejor.

En los apartados técnicos hay que mencionar que se nota el hecho de que las obras realizada por Buñuel en México solían tener menos medios económicos que el resto de su filmografía, aunque esto no hace que estas sean menos representativas o brillantes. De la fotografía se encargó Agustín Jiménez (El Bruto, Abismos de pasión, Pecado Mortal, Un hombre llamado Noon), mientras que el montaje estuvo a cargo de Jorge Bustos y Pablo Gómez, aunque la mano del realizador se nota en ambos apartados.

Como ya hemos destacado anteriormente, el protagonismo recae en todo momento en el personaje de Archibaldo de la Cruz, al que da vida de forma mas que brillante el actor Ernesto Alonso. La forma en la que es capaz de transformarse en un instante de caballero a depredador es digna de elogio, dando con su actuación gran parte del encanto que posee la obra. El espectador acaba por cogerle cariño sin remedio, algo que si no ocurre, resta bastante interés a la película. Entre sus compañeros de reparto destacan la mencionada Miroslava Stern, que da vida a la hermosa Lavinia, Ariadna Welter como Carlota Cervantes, a la que Archi pide matrimonio y Andrea Palma como la madre de esta última.

Conclusión: Que Ensayo de un crimen no sea la obra ideal para hacernos una idea del cine que realizó Buñuel, es una verdad innegable, pero no quita que estemos ante un trabajo con una identidad propia tan marcada que sería un absurdo no verla por ello. La mano del director se nota en cada uno de sus detalles, siendo además amena, inquietante, desconcertante en algunos momentos y muy, muy original. Merece la pena disfrutar de la historia de Don Archibaldo de la Cruz, un personaje difícil de olvidar tras pasar junto a el hora y media, algo que no pueden decir algunos que tienen hasta trilogías. Como curiosidad decir que algunas imágenes de este trabajo han salido en dos películas españolas, Carne trémula de Pedro Almodóvar y Crimen ferpecto de Álex de la Iglesia.

Como no he encontrado un trailer de la película les dejo los primeros minutos, para que se hagan una idea si quieren. Existe varias versiones completas subidas a Youtube, unas con mas calidad que otras. Les dejo el enlace a una de ellas http://bit.ly/1QnOOWJ. Les aconsejo no juzgarla en solo 3 minutos, concédanle al menos al menos 15 o 20 antes de decidir. Creo que se arrepentirán.

Fuentes consultadas: Filmaffinitty, Wikipedia y Youtube

Título original - Katyn
Año - 2007
Duración - 115 min.
País - Polonia
Director - Andrzej Wajda
Guión - Andrzej Wajda, Andrzej Mularczyk
Música - Krzysztof Penderecki
Fotografía - Pawel Edelman
Montaje - Milenia Fiedler y Rafał Listopad
Producción - Michał Kwieciński
Productora - Akson Studio
Género - Drama
Reparto - Andrzej Chyra, Magdalena Cielecka, Artur Zmijewski, Danuta Stenka, Maja Komorowska, Wladyslaw Kowalski, Pawel Malaszynski, Stanislawa Celinska, Marek Kondrat, Krzysztof Kolberger, Krzysztof Globisz
Web oficial - http://karmafilms.es/katyn/

Andrzej Wajda, hijo de una de las víctimas de una atrocidad desconocida por muchos, escribió el guión junto a Andrzej Mularczyk y dirigió este durísimo homenaje a las victimas de otro vergonzoso episodio de la historia ocurrido tras la invasión de Polonia en 1939 por parte del Ejercito rojo y el alemán. Lógicamente, estamos ante un drama focalizado en el padecimiento de las víctimas y sus familias, por lo que si estas buscando cine bélico, te recomiendo que mires en otra dirección. La historia hay que conocerla para intentar evitar que vuelva a repetirse, algo que se me antoja difícil, ya que somos criaturas que tropiezan en la misma piedra una y otra vez...

Sinopsis: La película nos cuenta la historia de varias familias durante la invasión que en 1939 realizaron tropas nazis y del Ejercito rojo en Polonia, que mas tarde dio lugar a la masacre de Katyń, también conocida como la masacre del bosque de Katyn, que consistió en el asesinato en masa de oficiales del ejército, policías, intelectuales y otros civiles polacos llevada a cabo por el Comisariado del Pueblo para Asuntos Internos (NKVD), nombre de la policía secreta soviética dirigida por Lavrenti Beria, entre abril y mayo de 1940. La Unión Soviética negó siempre las acusaciones, señalando como responsables al ejercito alemán, hasta que en 1990 el gobierno de Borís Yeltsin reconoció que el NKVD fue el autor de la matanza y su encubrimiento, entregando además los documentos desclasificados.

La película: Desde 1955 en que debutara con Generación, el director de cine polaco Andrzej Wajda nos ha dejado cerca de 40 trabajos, de los que yo me quedo con algunos títulos que hay que ver, como Kanal (1957), Cenizas y diamantes (1958), Los brujos inocentes (1960), Cenizas (1965), El bosque de abedules (1970), La tierra de la gran promesa (1975), El director de orquesta (1980) y Crónica de los accidentes amorosos (1986), aunque he de decir que me quedan bastantes por disfrutar, que lógicamente no puedo valorar aún. El realizador tiene la cualidad de dibujar la historia de su país de forma que el espectador se conmueva, a la vez que se informe, por lo que ha logrado convertirse en una eminencia en su patria, además de un director de referencia en el mundo entero.

En el caso que hoy nos ocupa, el director muestra la eliminación sistemática que el gobierno soviético realizó con todo aquel que creía peligroso para sus intereses, casi todos ellos perteneciente a las mas altas esferas de cada campo, entre las que por supuesto están incluidos los oficiales de su ejercito. Pero el realizador no solo da a conocer dichos hechos, sino que también intenta mostrar la forma en que los soviéticos se aprovecharon de las actividades alemanas contra el pueblo judío, para intentar mostrarlos como los culpables de la matanza, ya que mientras ellos entraron en Polonia por el Este, los nazis lo hicieron por el Oeste.

No estamos ante un trabajo fácil de ver, mucho menos de asimilar, ya que el realizador utiliza imágenes de archivo para mostrar en toda su crudeza las evidencias del genocidio, por lo que estamos ante un trabajo enormemente dramático, muy alejado de muchos de los que nos muestran actos cometidos en la segunda guerra mundial. Y como es lógico, mas aún sabiendo que el propio director es hijo de una de las victimas, en la película no se muestra una sola escena bélica, centrándose sola y exclusivamente en las consecuencias del conflicto y no en como este se desarrolló. Esto hace que el tono general de la cinta sea bastante crudo, dejando al espectador con un nudo en la garganta y una sensación de desasosiego difícil de eliminar.

El guión está escrito por el propio Andrzej Wajda y Andrzej Mularczyk. En el hay que destacar su magnífico comienzo, que nos induce a creer que vamos a ver un trabajo bastante diferente, y por supuesto, su desgarrador final, capaz de hacer revolverse hasta a los mas acostumbrados a ver todo tipo de horrores. El principal problema está en su desarrollo, bastante lento y con demasiadas pequeñas tramas, no siempre bien identificadas ni desarrolladas, por lo que en mi opinión algo menos de metraje no le hubiera venido mal. Los saltos temporales de la película también pueden motivar cierta confusión si no se está muy atentos, algo que conforme avanza la película se vuelve mas y mas difícil. Pero no quiero que se confundan, el valor de la historia es indudable, pero con un guión mas acertado, esta hubiese alcanzado cotas mucho mas altas.

Y al igual que reconozco que me hubiera gustado que Wajda hubiera escrito y dirigido este trabajo 20 años antes, hay que reconocer que en todos los apartados técnicos se nota la enorme experiencia del veterano director, algo que sabe transmitir en la excelente fotografía de Pawel Edelman (El pianista, Ray, Oliver Twist, Un dios salvaje), capaz de mantener en todo momento una atmósfera que se puede cortar con un cuchillo, o la banda sonora de Milenia Fiedler y Rafał Listopad, que sin ser excesivamente destacable, tampoco desentona en ningún momento. Lo que deja mas de desear es el montaje de Milenia Fiedler y Rafał Listopad, que para mi gusto es bastante mejorable.

En cuanto al reparto, hay que valorar sobre todo a su compacto conjunto, siendo difícil encontrar otro trabajo en el que el nivel sea tan parejo en la inmensa mayoría de sus componentes. Entre los militares destacan Andrzej Chyra, que interpreta al Teniente Primero Jerzy, y Artur Żmijewski, que hace lo propio con el Capitán Andrzej. Maja Ostaszewska como Anna y Wiktoria Gąsiewska como Weronika, interpretan a la esposa y a la hija de Andrzej, mientras que Władysław Kowalski y Maja Komorowska interpretan a su padre y su madre. Todos realizan una labor eficaz y muy creíble, al igual que ocurre con el resto del extenso reparto, aunque los que he nombrado tienen algo mas de peso en la historia que el resto.

Conclusión: Katyn se revela como un documento de un indudable valor, que muestra una de las muchas atrocidades que nuestra especie es capaz de cometer con sus semejantes. Lástima que su guión no consiga transmitir algo mas de fuerza, que hubiera convertido una buena película en un trabajo magistral, algo que creo que hubiese ocurrido si Andrzej Wajda la hubiera filmado un par de décadas antes, donde a pesar de tener algo menos de experiencia, hubiera dotado de una mayor energía a sus personajes. De todas formas creo que merece la pena verla, aunque tan solo sea por el hecho de conocer algo mas de la historia de nuestra vieja Europa, o como un sentido homenaje a todos aquellos que perdieron su vida o a parte de su familia en este y en tantos conflictos absurdos que constantemente se producen en el planeta. Seguimos sin aprender señoras y señores, debe de ser algo innato en nosotros. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia y Youtube

Título original - The Deer Hunter
Año - 1978
Duración - 183 min.
País - Estados Unidos
Director - Michael Cimino
Guión - Deric Washburn, basándose en la historia del propio Deric Washburne y Michael Cimino
Música - Stanley Myers
Fotografía - Vilmos Zsigmond
Montaje - Peter Zinner
Producción - Michael Cimino, Michael Deeley, John Peverall y Barry Spikings
Productora - EMI Films
Género - Drama, Bélico
Reparto - Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep, John Savage, John Cazale, George Dzundza, Chuck Aspegren, Amy Wright, Joe Grifasi, Rutanya Alda

Michael Cimino fue el encargado en 1978 de llevar a la gran pantalla el guión de Deric Washburn, inspirado en la novela Three Comrades de José María Remarque. Tres horas que constituyen una de las primeras películas filmadas sobre la guerra de Vietnam en la que sus responsables no toman partido por ninguno de los bandos, mostrándonos la vida de un grupo de amigos antes, durante y después de su participación en el conflicto. Un extraordinario alegato anti-belicista en el que destaca la destreza de su director, la banda sonora de Stanley Myers y el trabajo de su excelente reparto, encabezado por un Robert De Niro colosal. Simplemente imprescindible.

Sinopsis: Michael (Robert De Niro), Nick (Christopher Walken) y Steven (John Savage) son tres obreros de una planta siderúrgica que han de alterar su ritmo de vida tras ser llamados a filas durante la guerra de Vietnam. La película nos muestra sus vivencias durante los días anteriores de la partida, en los que vivirán al límite sin saber cual será allí su suerte, su participación en el conflicto, en la que llegarán a ser capturados por el Vietcong, que mantienen a los presos en condiciones infrahumanas, utilizándolos a su antojo por el simple hecho de entretenerse, y las consecuencias físicas, y sobre todo psicológicas, con las que deberán aprender a convivir tras sobrevivir a tal infierno.

La película: Michael Cimino es un director que, desgraciadamente para el, ha pasado a la historia de este arte por dos hechos totalmente contrapuestos: la realización de la película que hoy nos ocupa, una de las mejores y mas completas obras que un servidor ha tenido la oportunidad de disfrutar, y por la consecuencias de sus excentricidades en el rodaje de La puerta del cielo (1980), trabajo en el que se sobrepasó sobradamente el presupuesto asignado, llevando casi a la quiebra a la United Artists, que le había dado carta blanca para el proyecto y que acabó siendo vendida posteriormente. Su escueta filmografía solo consta de seis títulos debido a ello, siendo los tres posteriores a los mencionados financiados de forma independiente.

The Deer Hunter posee todo lo que un buen aficionado al cine sueña con ver en una película, resultando realmente difícil encontrar un apartado en el que poder achacarle algún detalle que desentone en exceso, algún fallo que invite a no verla. De hecho, tan solo su extenso metraje puede suponer un hándicap a la hora de visualizarla, aunque yo después de haberla visto ya en tres ocasiones, no le cortaría un solo plano. Merece la pena dejarse llevar por la forma en la que el realizador da a conocer a los personajes, desarrollándolos sobradamente para que en el momento en que estos se encuentren en dificultades, el espectador sea participe de su sufrimiento de forma muy real, ya que conoce sobradamente como es cada uno de ellos.

Su guión fue escrito por Deric Washburn, que adapta una historia barruntada por el mismo junto all realizador, Quinn K. Redeker y Louis Garfinkle, inspirada a su vez en la novela Three Comrades (José María Remarque, 1937). Entre sus principales características hay que destacar su correcto ritmo, el desarrollo de los personajes, su total neutralidad a la hora de mostrar el conflicto, a pesar de la forma en la que enseña como son tratados los prisioneros por parte del Vietcong, y la enorme cantidad de escenas memorables que, junto a la maestría que demuestra Cimino a la hora de filmarlas, dan como resultado un trabajo de esos que resulta casi imposible olvidar.

Si estuviéramos hablando de una obra de teatro, diríamos que estaría dividida en tres actos, el primero que dibuja a sus protagonistas en sus últimos días antes de partir hacia Vietnam, un segundo que nos muestra las penalidades que pasan allí, algo mas reducido que el primero, y un tercer acto en el que vemos como cada uno de sus protagonistas afronta las evidentes secuelas que la guerra ha dejado en ellos. Y los tres tienen una característica inconfundible en común, el protagonismo de los personajes y sus sentimientos por encima de cualquier otra cosa, ya sea en su lugar de origen o durante la guerra, intentando mostrar sus experiencias y sus consecuencias, dejando todo lo demás como algo secundario. Por ello, a pesar de ser considerado como cine bélico, el conflicto solo es tratado como el punto de inflexión en el que cambian sus vidas y poco mas.

La fotografía es obra de Vilmos Zsigmond (Los vividores, Encuentros en la tercera fase, Creadores de sombras, La hoguera de las vanidades), realizando un trabajo con una indiscutible fuerza pero que en ningún momento intenta ser el protagonista del film, sino mas bien el instrumento con el que el realizador potencia el relato. Del montaje se encarga el estadounidense de origen austriaco Peter Zinner, nominado al Óscar en tres ocasiones por El padrino (1972), El cazador (1978) y Oficial y caballero (1982), llevándose el galardón únicamente en la que hoy nos ocupa. Su trabajo aquí tiene enorme importancia, dando a la película la estructura tan característica que mencionamos con anterioridad.

La banda sonora es de Stanley Myers, un compositor que no se ha prodigado en exceso en el cine, consistiendo la mayoría de sus participaciones en bandas sonoras en contribuciones de un solo tema, muchos de ellos incluso sin acreditar. En The Deer Hunter utiliza el tema Cavatina, que escribió en 1970 para la película El precio de amar, y que mas tarde sería utilizado en Jarhead - El infierno espera. En el resto de la banda sonora hay temas tradicionales rusos (Troika, Katyusha), música clásica (Praise The Name of the Lord, Sarabande), el tema patriótico God Bless America, etc. Pero yo me quedo con la escena en la que suena Can't Take My Eyes Off You de Gloria Gaynor, que nuestros protagonistas no dudan en entonar mientras pasan un buen rato en el bar.

Al frente de su magnífico reparto tenemos a un Robert De Niro en el apogeo de su carrera, que interpreta a Michael, el líder indiscutible del grupo. Junto a el está Christopher Walken, que da vida a Nick, su mejor amigo dentro del grupo. El trío llamado a filas lo completa John Savage, que da vida a Steven. Meryl Streep interpreta a Linda, la novia de Nick, realizando una de esas actuaciones a las que nos tiene acostumbrados. Entre los integrantes del grupo que no van a Vietnam tenemos a John Cazale, que interpreta a Stan y a George Dzundza en el papel de John. El nivel general es simplemente excepcional, formando un reparto que costaría bastante mejorar, lo mires por donde lo mires.

Conclusión: El cazador es uno de esos trabajos que hay que ver si o si. Tras su imagen pública de cine bélico se esconde un alegato a la vida, a la amistad, al absurdo que es cualquier conflicto militar y a la enorme cantidad de vidas que, sin tener nada que ver con ellos, cambian para siempre por "defender a tu patria, a sus ideales o a sus intereses". Lástima que la carrera de Michael Cimino se viera frenada de forma brusca tras el fracaso de La puerta del cielo, porque resulta difícil entender como un realizador capaz de hacer esta maravilla, no haya podido nunca llegar a acercarse ni de lejos a su obra cumbre. Cine para ver sin prisas y preferiblemente en un medio que podamos parar un par de veces, algo que ayudará y mucho a que sus tres horas no se hagan excesivamente largas. Todo un clásico.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - Brute Force
Año - 1947
Duración - 98 min.
País - Estados Unidos
Director - Jules Dassin
Guión - Richard Brooks, basado en la historia original de Robert Patterson
Música - Miklós Rózsa
Fotografía - William H. Daniels
Montaje - Edward Curtiss
Producción - Mark Hellinger
Productora - Universal International Pictures
Género - Drama | Drama carcelario
Reparto - Burt Lancaster, Hume Cronyn, Charles Bickford, Sam Levene, Howard Duff, Yvonne De Carlo, Art Smith, Jeff Corey, Ella Raines, Anita Colby, John Hoyt, Jack Overman, Ann Blyth, Roman Bohnen, Vince Barnett, Richard Gaines, Frank Puglia

Jules Dassin comenzó a demostrar su valía real con este drama carcelario en el que Richard Brooks adapta una historia de Robert Patterson. Un trabajo en el que destaca la opresiva fotografía de William H. Daniels, el buen hacer del realizador y el magnífico trabajo de casi todo su reparto, encabezado por un Burt Lancaster que comenzaba a brillar tras su magnífico estreno en Forajidos (Robert Siodmak,1946). Un film que denuncia el abuso de poder y las deficiencias del sistema penitenciario, que serviría mas tarde de espejo a otros muchos similares.

Sinopsis: El alcaide A. J. Barden (Roman Bohnen) lleva años dirigiendo la penitenciaría de Westgate, aunque su carácter, debilitado por los años, solo le permite permanecer en su despacho ajeno a la realidad de los reclusos, que viven oprimidos brutalmente. Gran parte de culpa la tiene el capitán Munsey (Hume Cronyn), un hombre sin escrúpulos que es quien realmente dirige la prisión a su antojo, no dudando en utilizar los métodos mas crueles para conseguir sus propósitos. Pero tras varios incidentes ocurridos en la prisión, y ante la amenaza de la supresión de los escasos privilegios que tienen los presos, un grupo de ellos encabezados por Joe Collins (Burt Lancaster), comienza a trazar un plan para fugarse.

La película: El enorme talento del realizador Jules Dassin nos dejó durante su carrera un puñado de excelentes películas entre las que destacan, además de la que hoy nos ocupa, La ciudad desnuda (1948) y Mercado de ladrones (1949), momento en el que, debido a la caza de brujas, fue obligado a trasladarse a Europa, donde nos dejó algunos de sus mejores títulos, como Noche en la ciudad (1950), Rififi (1955), de la que os hablamos en este artículo, El que debe morir (1957), Nunca en domingo (1960) o Fedra (1962), entre otros. Tras varios trabajos a principio de los 40, entre los que podemos destacar Reunión en Francia (1942) y El fantasma de Canterville (1944), en 1947 estrenó Fuerza bruta, su primer trabajo de alto nivel.

Para disfrutar la película plenamente, hemos de intentar entender lo que el realizador quiere mostrarnos en ella, además de no compararla injustamente con otras realizadas mucho después, que si bien pueden parecernos mas realistas en varios sentidos, sobre todo en como retrata a los reclusos, no tendrían ya el estrecho corsé que la censura utilizaba en esta época, algo con lo que el realizador no tuvo mas remedio que lidiar en gran parte de su carrera. Por ello, hay que valorar la valentía de realizar un trabajo de este tipo en su época, algo para lo que estoy seguro encontraría todo tipo de trabas, ya que en el los presos son retratados como las víctimas, tanto del sistema penitenciario, que los mantiene hacinados en celdas minúsculas, como por los encargados de hacer cumplir la ley en la prisión, retratados en la figura del capitán Munsey, al que da vida el actor Hume Cronyn.

Y es que Brute Force nos muestra el espíritu indomable del ser humano, su necesidad de libertad, sea o no culpable, sea o no posible alcanzarla, y la forma en la que la adversidad actúa de catalizador para que florezca la unión entre personas que, en condiciones normales, pasarían inadvertidas entre si. Su guión, escrito por Richard Brooks plasmando un argumento de Robert Patterson, posee una fuerza y un interés indiscutibles, aunque lamentablemente también flojea en algunos aspectos, como el insuficiente desarrollo de alguno de sus personajes o la falta de complejidad en ciertos momentos durante el transcurso de su trama principal. Aún así, resulta sumamente interesante y adictivo.

En el destaca su ritmo, con un tranquilo pero constante in crescendo, que es el principal motor que impulsa la película, sustituyendo así a excesivas complicaciones en su trama que aquí brillan por su ausencia. El desarrollo de varios de los personajes principales si que sería claramente mejorable, ya que la única información que nos llega de ellos fuera de las cuatro paredes en las que no tienen mas remedio que convivir, se limita a unos escuetos flashbacks que insinúan mas que muestran. Pero el fuerte de Jules Dassin era convertir panfletos de una calidad moderada en auténticas obras de arte, ya que consigue crear una atmósfera capaz por si sola de mantener a flote cualquier historia.

En ello tiene mucho que decir la fotografía del legendario William H. Daniels (Ninotchka, El invisible Harvey, La gata sobre el tejado de zinc, La conquista del Oeste), un director de fotografía que ejerció durante medio siglo y con el que la inolvidable Greta Garbo realizó sus mejores películas. El maestro de la fotografía en blanco y negro fue el complemento perfecto para que Dassin consiguiera los excelentes resultados que su minuciosidad con los detalles necesitaban. El tercer ingrediente de este suculento cóctel es la banda sonora de Miklós Rózsa (Ben-Hur, El Cid, El loco del pelo rojo, Rey de reyes), profundamente emotiva, pero a la vez perturbadora y amenazante, ideal como complemento para el clima que se respira en el film.

Si dirigimos la mirada hacia su reparto, hay que comenzar valorando la magnífica dirección de actores que realiza el realizador. Al frente de el se encuentra Burt Lancaster, que interpreta al preso Joe Collins, en uno de los primeros trabajos en los que brilla con luz propia en el papel de protagonista. Junto a el tenemos un amplio elenco de profesionales digno de elogio, entre los que voy a destacar a dos personajes totalmente contrapuestos que protagonizan una de sus mejores escenas: Hume Cronyn como el capitán Munsey, que realiza un trabajo brillante como la encarnación de la maldad y Art Smith como el Dr. Walters, un médico veterano asqueado por lo que tiene que ver y soportar a diario, mucho mas cercano a los presos que a los dirigentes de la prisión. Los papeles femeninos, interpretados por Yvonne De Carlo, Ann Blyth, Ella Raines y Anita Colby, son puramente testimoniales.

Conclusión: Fuerza bruta es una excelente opción para ver uno de los primeros éxitos tanto del director Jules Dassin como del actor Burt Lancaster, una excelente combinación que da como resultado uno de los dramas carcelarios que mas influiría en multitud de trabajos de temática similar posteriormente, en el que su excelente ambientación, las brillantes interpretaciones de todo su reparto y el buen hacer de William H. Daniels y Miklós Rózsa, encargados de la fotografía y la banda sonora, aseguran un excelente rato de cine con tintes de thriller y noir. Compararla con otras similares muy posteriores sería muy injusto, aunque aún así, gana a muchas de ellas en varios apartados. Con solo disfrutar del trabajo de un artesano tras las cámaras, como es el señor Dassin, ya merece la pena verla.

A falta de un trailer en condiciones, os dejo una de las mejores escenas de la película, que consigue retratar bastante bien a los personajes sin desvelar nada de su trama.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Everest - Baltasar Kormákur (2015) Estados Unidos

Guión - Lem Dobbs, Justin Isbell, William Nicholson
Música - Dario Marianelli
Fotografía - Salvatore Totino
Reparto - Jason Clarke, Josh Brolin, Jake Gyllenhaal, Elizabeth Debicki, Keira Knightley, Sam Worthington, Robin Wright, Emily Watson, John Hawkes, Clive Standen, Michael Kelly, Martin Henderson, Vanessa Kirby, Thomas Goodman-Hill, Mia Goth
Productora - Cross Creek Pictures / Universal Pictures / Walden Media
Género - Aventuras. Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Alpinismo. Supervivencia. Años 90. 3-D
Web oficial - http://www.everest-lapelicula.es/

Sinopsis - Inspirada en los acontecimientos que tuvieron lugar durante un intento por alcanzar el pico más alto del mundo, narra el recorrido de dos expediciones que se enfrentan a una de las peores tormentas de nieve que el hombre ha conocido jamás. El temple de los alpinistas es puesto a prueba cuando deben luchar contra la furia desatada de los elementos y superar obstáculos imposibles en un desesperado esfuerzo por sobrevivir.

El corredor del laberinto: Las pruebas - Wes Ball (2015) Estados Unidos

Guión - T.S. Nowlin (Novela: James Dashner)
Música - John Paesano
Fotografía - Gyula Pados
Reparto - Dylan O'Brien, Thomas Brodie-Sangster, Kaya Scodelario, Ki Hong Lee, Giancarlo Esposito, Aidan Gillen, Patricia Clarkson, Rosa Salazar, Nathalie Emmanuel, Jacob Lofland, Dexter Darden, Cazi Greene, Alexander Flores, Gary Hood, Lili Taylor
Productora - 20th Century Fox / Gotham Group / TSG Entertainment / Temple Hill Entertainment
Género - Acción. Ciencia ficción | Secuela. Futuro postapocalíptico. Supervivencia. Distopía

Sinopsis - Thomas (Dylan O'Brien) y el resto de clarianos tendrán que enfrentarse a su mayor desafío hasta el momento: buscar pistas sobre la misteriosa y poderosa organización conocida como CRUEL. Este viaje les llevará a “La Quemadura”, un apocalíptico lugar repleto de inimaginables obstáculos. Formando equipo con miembros de la resistencia, los clarianos deberán desenmascarar a las fuerzas superiores de CRUEL y averiguar qué planes tienen para todos.

El caso Heineken - Daniel Alfredson (2015) Bélgica

Guión - William Brookfield, Peter R. de Vries
Música - Clay Duncan, Lucas Vidal
Fotografía - Fredrik Bäckar
Reparto - Anthony Hopkins, Jim Sturgess, Sam Worthington, Ryan Kwanten, Jemima West, Yolanthe Cabau, Patrick Kearns, David Dencik, Eric Godon, Chelsea Bruland, Gus Rhodes, Rob Fuller
Productora - European Film Company / Informant Europe SPRL / Umedia
Género - Drama. Thriller. Acción | Crimen. Secuestros / Desapariciones. Remake

Sinopsis - Narra la historia del "secuestro más famoso del siglo": en 1983, el magnate de la cerveza Alfred Henry Heineken es secuestrado, junto con su chófer, por una banda que exige 50 millones de dólares por su libertad.

Eden - Mia Hansen-Løve (2014) Francia

Guión - Mia Hansen-Løve, Sven Hansen-Løve
Fotografía - Denis Lenoir
Reparto - Félix De Givry, Pauline Etienne, Laura Smet, Vincent Lacoste, Vincent Macaigne, Greta Gerwig, Golshifteh Farahani, Brady Corbet, Hugo Conzelman, Roman Kolinka
Productora - CG Cinéma
Género - Drama | Música. Años 80. Años 90. Adolescencia

Sinopsis - En la década de los 90, la música electrónica se desarrolla a gran velocidad. En la excitante vida nocturna parisina, el joven Paul da sus primeros pasos como DJ.

Francisco (El Padre Jorge) - Beda Docampo Feijóo (2015) Argentina

Guión - Beda Docampo Feijóo, César Gómez Copello (Libro: Elisabetta Pique)
Música - Federico Jusid
Fotografía - Kiko de la Rica
Reparto - Darío Grandinetti, Leticia Brédice, Carlos Hipólito, Silvia Abascal, Alejandro Awada, Jorge Marrale, Emilio Gavira, Blanca Jara, Alan Ferraro, Leonor Manso, Naia Guz Sanchez
Productora - Coproducción Argentina-España: Benteveo Producciones / Gloriamundi Producciones / Pampa Films / Pentagrama Films
Género - Drama | Biográfico. Religión

Sinopsis - ¿Cómo llega un adolescente que descubrió su vocación religiosa un día de la primavera a ser el Papa Francisco (Darío Gandinetti)? Ese largo, duro y emocionante viaje de un jesuita que llega a ser arzobispo de Buenos Aires durante muchos años es lo que investiga una joven periodista española (Silvia Abascal), después de conocer en el cónclave de 2005 a Jorge Mario Bergoglio. La reportera está escribiendo un libro sobre el Papa Francisco, que recorre la vida del padre Jorge en su permanente lucha contra la pobreza, la prostitución, la explotación laboral, la droga y la corrupción.

B - David Ilundain (2015) España

Guión - Jordi Casanovas, David Ilundain
Fotografía - Ángel Amorós
Reparto - Pedro Casablanc, Manolo Solo
Productora - Inicia Films
Género - Drama | Drama judicial. Basado en hechos reales

Sinopsis - El 15 de Julio de 2013, el extesorero del Partido Popular, Luis Bárcenas, es trasladado desde la prisión para declarar en la Audiencia Nacional. Hasta este día, había negado toda relación con los llamados "papeles de Bárcenas", pero después de 18 días en prisión ha decidido cambiar su declaración. Esta película retrata lo que pasó en esa sala aquel día.

El virus del miedo - Ventura Pons (2015) España

Guión - Josep Maria Miró, Ventura Pons
Fotografía - Andalu Vila-San-Juan
Reparto - Roser Batalla, Rubèn de Eguia, Albert Ausellé, Santi Ricart, Diana Gómez, Xavier Pujolràs, Anna Azcona
Productora - Els Films de la Rambla S.A. / Televisió de Catalunya (TV3)
Género - Drama

Sinopsis - Cuando los niños de un grupo infantil de natación de la piscina de un polideportivo municipal comienza a nadar sin cinturón, acusan al monitor de dar un beso a uno de los niños, algo que hace que los padres se preocupen y se inquieten. Anna, la directora del club de natación, se enfrenta a un difícil dilema y pide explicaciones a Jordi, el monitor. Las versiones sobre el beso no coinciden. ¿Se trata de un gesto de afecto para calmar a un niño asustado o detrás se oculta alguna otra cosa? La sospecha alimenta el miedo, y esta genera violencia. Hèctor, el otro monitor de la piscina, se desentiende de Jordi y se embarca en una batalla de dudas y temores. No se mete, no se pronuncia. Su silencio es el de la conformidad, el de las mayorías sumisas.

La cabeza alta - Emmanuelle Bercot (2015) Francia

Guión - Emmanuelle Bercot, Marcia Romano
Fotografía - Guillaume Schiffman
Reparto - Rod Paradot, Catherine Deneuve, Sara Forestier, Benoît Magimel, Aurore Broutin, Ludovic Berthillot
Productora - France 2 Cinéma / Les Films du Kiosque / Wild Bunch
Género - Drama | Adolescencia

Sinopsis - Tras ser abandonado por su madre, el joven Malony lleva desde que tenía 6 años entrando y saliendo del juzgado de menores. El matrimonio formado por Florence, instructora de menores a punto de jubilarse, y Yann, maestro que también tuvo una infancia difícil, adoptará al chico, de 15 años, para reformar su comportamiento. Por ello, Malony es enviado a un estricto centro educativo, donde conoce a Tess, una chica muy especial que le ofrcerá razones para cambiar.

Heimat – La otra tierra - Edgar Reitz (2013) Alemania

Guión - Edgar Reitz, Gert Heidenreich
Música - Michael Riessler
Fotografía - Gernot Roll
Reparto - Jan Dieter Schneider, Antonia Bill, Maximilian Scheidt, Marita Breuer, Rüdiger Kriese, Philine Lembeck, Mélanie Fouché, Eva Zeidler, Reinhard Paulus, Barbara Philipp, Christoph Luser, Rainer Kühn, Andreas Külzer
Productora - Edgar Reitz Filmproduktion GmbH
Género - Drama | Siglo XIX. Precuela

Sinopsis - Precuela de la trilogía Heimat que Edgar Reitz realizo para televisión en 1984, 1993 y 2004 en donde sigue la historia de Alemania en el siglo XX a través de un ficticio pueblo alemán. Esta película está ambientada en mediados del siglo 19 y sigue a la familia Hunsrück que busca escapar de la pobreza y el hambre empezando una nueva vida en Brasil. Dividida en dos partes: Home From Home (107 minutos) y Chronicle of a Vision (128 minutos)

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - The Body Snatcher
Año - 1945
Duración - 79 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Wise
Guión - Philip MacDonald y Val Lewton, basándose en el cuento de Robert Louis Stevenson
Música - Roy Webb
Fotografía - Robert De Grasse
Montaje - J.R. Whittredge
Producción - Jack J. Gross y Val Lewton
Productora - RKO. Productor: Val Lewton
Género - Terror, Thriller, Película de culto
Reparto - Boris Karloff, Bela Lugosi, Henry Daniell, Edith Atwater, Russell Wade, Rita Corday, Sharyn Moffett, Donna Lee

Robert Wise sería el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Philip MacDonald y Val Lewton realizaron, adaptando el cuento homónimo de Robert Louis Stevenson. Un trabajo que, a pesar de su bajo presupuesto, os mantendrá casi hora y media con los ojos clavados en la pantalla y que sería la última oportunidad de ver juntos a Boris Karloff y Bela Lugosi, de las ocho ocasiones en que compartieron cartel. No es de extrañar que haya alcanzado el estatus de película de culto, ya que no se puede dar mas por menos. Ineludible.

Sinopsis: Donald Fettes (Russell Wade) es uno de los estudiantes que asisten a la escuela de medicina del afamado doctor MacFarlane (Henry Daniell), aunque teme que tendrá que abandonar sus estudios ante su delicada situación económica. Al enterarse de ello su mentor, le ofrece trabajo como su ayudante, que incluye un pequeño sueldo y hospedaje en su propia casa, pero lo que en principio es un alivio para Donald, se convertirá en preocupación tras conocer a John Gray (Boris Karloff), un siniestro cochero que realiza negocios con MacFarlane, proporcionándole a cambio de cierto dinero cadáveres de personas recientemente fallecidas, procedentes de las tumbas del cementerio de Edimburgo, que después son utilizados por el profesor y sus alumnos para sus clases.

El director:Robert Wise fue un montador, productor y director de cine estadounidense cuya carrera se extendió durante 57 años, en los que pudo abordar todo tipo de géneros. Para que os hagáis una idea de la importancia de este inolvidable realizador, señalar que fue responsable del montaje de Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941), por el que fue candidato al Oscar, participando al año siguiente en el montaje de 'El cuarto mandamiento' (1942), del mismo director. Como director realizó mas de 40 películas, dejándonos títulos como Born to Kill (Nacido para matar) (1947), Nadie puede vencerme (1949), La casa de la colina (1951), Ultimátum a la Tierra (1951), La ciudad cautiva (1952), Marcado por el odio (1956), Torpedo (1958), ¡Quiero vivir! (1958), West Side Story (1961), Sonrisas y lágrimas (1965), El Yangtsé en llamas (1966), La amenaza de Andrómeda (1971) o Star Trek, la película (1979). ¿A ver quien da mas?

La película: El ladrón de cadáveres supuso la cuarta película del realizador como director, que había debutado tan solo un año antes con el drama bélico Mademoiselle Fifi. He de confesar que no tenía conocimiento de la existencia de este título hasta hace relativamente poco tiempo, por lo que cuando llegó a mis manos una copia de la misma, no albergaba excesivas expectativas sobre ella, ya que siendo un admirador del cine clásico de terror desde que tengo uso de razón y veo cine, creía haber visto casi todas las mas memorables. Craso error, ya que tras disfrutarla puedo asegurar que es una de las obras mas completas que recuerdo dentro del género, algo que alcanza aún mayor dimensión si tenemos en cuenta que estamos hablando de un trabajo de serie B, cuyo presupuesto fue bastante ridículo.

La experiencia nos dice que las adaptaciones de grandes o afamados títulos literarios, suelen venir de la mano de las críticas negativas de gran parte de los que las ven tras haber disfrutado del libro en cuestión. En el caso que hoy nos ocupa, el guión es obra de Philip MacDonald y Val Lewton, aunque hay que decir que en vez de adaptar el cuento homónimo del brillante Robert Louis Stevenson, tan solo se basan en el, que no es lo mismo, ni mucho menos. Esto, que en principio puede resultar algo arriesgado, aquí se revela como todo un acierto, del que podemos decir sin temor a equivocarnos que le da al magnífico relato un aire dramático que le viene muy bien al resultado final.

Lo cierto y verdad es que los 79 minutos que dura la película te mantienen embobado ante la pantalla y se hacen muy, muy cortos, que creo que es el mejor piropo que se le puede echar a un libreto. Además tiene la innegable virtud de dar naturalidad al relato de Stevenson, ya que hasta su tramo final, nos muestra una historia que pudo ocurrir y podría hacerlo aún en la actualidad, lo que le da un aire aún mas macabro si cabe. En el se tratan además temas como la culpa, el remordimiento, el chantaje y el punto hasta donde es moralmente correcto llegar en favor del avance de la ciencia.

La ambientación del relato es una de sus grandes virtudes, ya que el juego entre sombras y luces constituyen un ingrediente fundamental para la construcción de la insana atmósfera que nos rodea en casi todo momento. La fotografía es obra de Robert De Grasse (La calle 44, Forja de corazones, El hombre leopardo, Algún día volveré), un todo terreno que tras participar durante 30 años como director de fotografía en innumerables títulos, pasó los últimos 17 años de carrera ejerciendo en innumerables series y shows televisivos. Aquí realiza un trabajo espléndido, contribuyendo de forma mas que eficaz a la lúgubre ambientación. El montaje fue obra de J.R. Whittredge, mientras que la banda sonora fue encargada a Roy Webb (La fiera de mi niña, Encadenados, Retorno al pasado, Marty), responsable también del soundtrack de Yo anduve con un zombie, de la que os hablamos en este artículo.

En su reparto brilla con luz propia la interpretación de Boris Karloff, capaz de realizar una de sus mejores interpretaciones cuando no pasaba por el mejor momento de su carrera. Y lo hace en un personaje en el que no destaca uno de esos laboriosos maquillajes con los que trabajó en gran parte de su carrera, sino que es su expresivo rostro el que da gran parte del terror que se respira en el relato, interpretando con maestría al desasogante cochero John Gray, que se dedica a profanar tumbas y comerciar con los cadáveres que encuentra en ellas. El caso opuesto es el de Bela Lugosi, no porque su maestría quede en entredicho, sino porque su papel es tan escueto y secundario que produce un nudo en el estómago, al ver reducido a casi un mero figurante al actor que tantas alegrías ha dado a los fans del género. El resto de las interpretaciones cumplen con su trabajo sin excesivos alardes, aunque hay que destacar a Henry Daniell como el Dr. Wolfe MacFarlane y a Russell Wade como Donald Fettes, maestro y alumno/ayudante de este, parte fundamental ambos de la historia,

Conclusión: El ladrón de cadáveres (The Body Snatcher) es una de las mejores obras que un servidor ha tenido la suerte de disfrutar dentro del género, suponiendo además en mi caso, una grata sorpresa por su tardío descubrimiento. Su excelente ambientación, su absorbente y desasogante historia, el variopinto grupo de personajes que la pueblan y la excelente interpretación que nos regala un Boris Karloff en estado de gracia, son motivos mas que suficientes para disfrutar de un trabajo excelente, que además de proporcionarnos un gran rato de cine, nos deja uno de los personajes mas carismáticos del cine clásico de terror, el de John Gray, el cochero profanador de tumbas. No se la pierdan, seguro que no se arrepienten.

Os dejo el trailer y una copia de la película subida a Youtube, espero que la disfrutéis tanto como yo.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - Mad Max: Fury Road
Año - 2015
Duración - 120 min.
País - Australia
Director - George Miller
Guión - Nick Lathouris, Brendan McCarthy y George Miller
Música - Junkie XL
Fotografía - John Seale
Montaje - Margaret Sixel
Producción - Doug Mitchell, George Miller y P.J. Voeten
Productora - Coproducción Australia-USA; Kennedy Miller Productions / Icon Productions
Género - Ciencia ficción. Acción | Futuro postapocalíptico. Western futurista. 3-D. Secuela
Reparto - Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Angus Sampson, Zoë Kravitz, Rosie Huntington-Whiteley, Nathan Jones, Riley Keough, Abbey Lee, Courtney Eaton, Josh Helman, Megan Gale, Melissa Jaffer, Stephen Dunlevy
Web oficial - http://www.madmaxmovie.com/

Mad Max: Furia en la carretera es el nombre que en España se le ha dado a la resurrección de la memorable saga que en los años 80 dirigió George Miller y protagonizó Mel Gibson. El propio Miller se hace cargo del guión junto a Nick Lathouris y Brendan McCarthy, además de continuar con la dirección, en un trabajo donde Tom Hardy sustituye a Gibson, muy bien acompañado por Charlize Theron. Adrenalina en estado puro en una persecución de dos horas de duración, adaptada hábilmente a lo que el público de hoy día demanda. En los pocos respiros que da al espectador es donde mas se notan sus evidentes carencias.

Sinopsis: Max (Tom Hardy) es un solitario superviviente en un mundo postapocalíptico que es capturado por los War Boys, el ejército de Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne), un tirano que domina la ciudadela donde habita gracias a su control sobre el agua. Allí los días de Max están contados, tras el descubrimiento de su condición de donante de sangre universal, pero todo cambiará cuando Imperator Furiosa (Charlize Theron), una de las integrantes del cruel ejercito, aproveche un viaje rutinario para darse a la fuga a bordo de un potente camión fuertemente blindado, llevando consigo a las cinco esposas de Inmortal Joe, esclavizadas con el único fin de procrear. La inmediata persecución del preciado cargamento dará a Max la oportunidad de poder sobrevivir.

El director: La carrera del productor, director y guionista australiano George Miller combina algunos trabajos que han pasado a formar parte de la historia del cine, como la trilogía Mad Max, Las brujas de Eastwick o El aceite de la vida, con periodos en los que apenas ha trabajado o lo ha hecho como guionista o productor. En los últimos 20 años solo ha ejercido como realizador en trabajos dirigidos al público infantil, realizando Babe, el cerdito valiente, Happy Feet y sus respectivas secuelas. Curiosamente han sido estas las que mayor éxito le han proporcionado, al menos en cuanto a palmarés se refiere, ya que exceptuando su nominación al Oscar como Mejor guion original por El aceite de la vida, las otras tres han sido a mejor guión y película por Babe y su única estatuilla ganada, la de Mejor película de animación por Happy Feet.

La película: Y que mejor forma de volver a la ficción para adultos que revitalizar la trilogía que lo hizo destacar como nunca en su carrera, aprovechando los enormes avances que la tecnología ha dado al cine desde aquel lejano 1979 en que estrenara la original Mad Max, que tan bien le vienen a un trabajo de estas características. El resultado es un espectáculo visual digno de elogio, en el que el espectador goza de pocos momentos de respiro mientras asiste a una persecución como pocas pueden verse en una pantalla de cine, que ha dado y dará mucho que hablar. Pero claro, aunque simplemente eso sea suficiente para hacer que gran parte del público pase un rato en grande, tras acabar su visionado conviene hacerse ciertas preguntas cuyas respuestas puede que nos hagan cambiar algo nuestra opinión.

La primera de esas preguntas que vienen a mi mente es la opinión que tendría de su guión, en el supuesto caso de haberlo leído antes de ver la película, porque la verdad es que dudo y mucho de que pudiera ser positiva. La historia es bastante simple, rozando el absurdo en muchos momentos, pero es algo que tras el derroche de adrenalina puede quedar en un segundo plano, al menos para muchos aficionados. Pero lo que peor sabor de boca me ha dejado del libreto obra de Nick Lathouris, Brendan McCarthy y George Miller, es la falta de alma que desprende en su conjunto, precisamente una de las grandes bazas de su película original y lo que consiguió convertirla en una película de culto.

Sus personajes no causan excesiva empatía con el espectador, algo impropio de un producto donde la supervivencia es el principal objetivo de sus protagonistas. Parte de culpa de ello la tiene su escaso desarrollo, además de una evolución que brilla por su ausencia en la mayoría de los casos. Los únicos que podemos decir que no siguen esa tendencia son el de Nux, al que da vida Nicholas Hoult, además de el de Charlize Theron, la auténtica heroína de la cinta, que dan un poco de vida al conjunto, aunque de forma bastante insuficiente. La dirección de actores también deja mucho que desear, no aprovechando como debería el talento de muchos de sus integrantes, algo que a larga supone un lastre evidente.

Repartida ya toda la leña vayamos con lo mejor de la película, su enorme fuerza visual. La fotografía es obra de John Seale (Único testigo, Hijos de un dios menor, El club de los poetas muertos, El paciente inglés), un profesional con amplia experiencia que nos deja un trabajo excelente en un tipo de cine que no tiene mucho que ver con el que ha realizado en su carrera. También destaca el montaje de Margaret Sixel, mostrándonos multitud de escenas de forma espectacular, que seguro han hecho las delicias de los aficionados a la acción pura y dura. En cuanto a la banda sonora, corre a cargo del DJ y productor discográfico Tom Holkenborg (Junkie XL). Se trata en su mayoría de música instrumental, con un tono épico y un ritmo endiablado, en la que tienen cabida multitud de instrumentos, aunque hay que destacar el sonido de los tambores y la guitarra eléctrica, que acompañan de forma continua a la enorme persecución que en realidad es este film.

El reparto de la película deja bastante que desear en muchos de sus miembros, comenzando por un desconocido Tom Hardy, del que os hemos hablado aquí mucho y bien, pero que aquí realiza una de las peores interpretaciones que yo le recuerdo. Hay que decir que el peso de la película no recae sobre el, algo difícil de entender para los seguidores de la saga, ya que de ver un Mel Gibson indomable, pasamos a ver a un comodín al servicio de una Charlize Theron que parece haberle robado el alma. El trabajo de la sudafricana es de lo poco que destaca en un elenco que no me ha acabado de convencer en casi ninguno de sus miembros. Es difícil realizar una buena actuación cuando se interpreta a un personaje sin carisma, que te deja igual le ocurra lo que le ocurra. Además creo que el feeling entre ambos actores no es precisamente evidente, por no decir que brilla por su ausencia.

Conclusión: El regreso de la saga Mad Max ha supuesto un soplo de aire fresco para los aficionados que tienen en la acción a raudales, la espectacularidad y el derroche de adrenalina, los ingredientes necesarios para salir satisfechos de una sala. Para los demás, deciros que, siempre en mi modesta opinión, estamos ante un envoltorio de lujo que no esconde nada en su interior, similar a lo que supone ver un hermoso conjunto de fuegos artificiales, un estridente espectáculo que finaliza y se olvida en cuanto explota el último cohete. Se les paso crear una buena historia para tal derroche visual, algo que para un rato puede pasar, pero en un trabajo que dura dos horas, acaba por agotar de forma fulminante. Una pena dejar que un vengador como Mad Max, un superviviente con el que tanto hemos pasado, acabe teniendo tan poco carisma. Eso no se hace, leches.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia y Youtube

Título original - Black Sea
Año - 2014
Duración - 115 min.
País - Reino Unido
Director - Kevin Macdonald
Guión - Dennis Kelly
Música - Ilan Eshkeri
Fotografía - Christopher Ross
Montaje - Justine Wright
Producción - Kevin Macdonald y Charles Steel
Productora - Cowboy Films / Etalon Film / Film4
Género - Aventuras, Thriller
Reparto - Jude Law, Scoot McNairy, Ben Mendelsohn, David Threlfall, Konstantin Khabenskiy, Sergey Puskepalis, Michael Smiley, Grigory Dobrygin, Sergey Veksler, Sergey Kolesnikov

Kevin Macdonald es el encargado de llevar a la gran pantalla el guión firmado por Dennis Kelly. Con un convincente reparto encabezado por Jude Law, estamos ante un trabajo un tanto atípico, que a pesar de recoger algunas ideas de otros muchos, es capaz de mantenerte pegado a la pantalla en un producto final con identidad propia. No esperen excesivos alardes visuales ni de efectos especiales, pero a cambio podrán disfrutar de una película con una atmósfera claustrofóbica donde la tensión y la intriga tienen dos de los papeles principales. Mucho mejor de lo que esperaba en un principio, recomendable sin duda alguna.

Sinopsis: El capitán Robinson (Jude Law) no atraviesa por su mejor momento. Recientemente divorciado y sin haber podido disfrutar apenas de su hijo, recibe la noticia de que la empresa para la que trabaja ha decidido despedirlo, dándole una ridícula indemnización. Pero tomando unas copas con sus antiguos compañeros Blackie (Konstantin Khabensky) y Kurston (Daniel Ryan), el último los informa de una forma de conseguir una gran cantidad de dinero de forma rápida, pero muy peligrosa, abordando un antiguo submarino alemán que se hundió frente a las costas de Georgia cargado de oro, por lo que intentaran conseguir la financiación necesaria para adquirir un antiguo submarino ruso y reclutar una tripulación mitad británica, mitad rusa, que le permita intentar acceder al preciado cargamento.

El director: En las dos décadas que dura la carrera del director escocés Kevin Macdonald, este ha intercalado la realización de documentales y ficción. Entre los primeros podemos disfrutar de El Goliat de Chaplin (1996), Howard Hawks, un artísta americano (1997), Un día de septiembre (1999), My Enemy’s Enemy (2007), La vida en un día (2011) o Marley (2012), todos ellos altamente recomendables. Entre sus trabajos de ficción tenemos la maravillosa El último rey de Escocia (2006), interpretada por el excelente Forest Whitaker, la brillante La sombra del poder (2009), con un reparto de lujo donde encontramos a nombres como Russell Crowe, Ben Affleck o Rachel McAdams, además de las mas modestas La legión del águila (2011) y Mi vida ahora (2013).

La película: La formula consistente en contarnos las andanzas de un grupo de hombres a bordo de un submarino, nos ha dejado a lo largo de la historia del cine un buen puñado de títulos que, con una mayor o menor calidad, suelen asegurarnos un buen rato de cine. Entre los nombres que me vienen a la mente están Marea roja (1995), U-571 (2000), Abyss (1989), Das Boot. El submarino (1981), Marea roja (1995), K-19: The Widowmaker (2002) o La caza del Octubre rojo (1990), aunque la lista sería mucho mas amplia. Entre sus principales características suele estar la claustrofóbica atmósfera que se respira en ellas, ya sea un título de aventuras, acción, bélico o un thriller.

En el caso que hoy nos ocupa, he de confesar que no las tenía todas conmigo antes de verla, e incluso he de decir que en su comienzo me daba mala espina, pero ha sido simplemente una ilusión, ya que en cuanto nuestros protagonistas le echan valor y se meten en el maltrecho submarino, la película despega dejando atrás gran parte de mis temores, hasta conseguir envolverte y llevarte en volandas hasta su acertado final. Su guión, obra del guionista y productor Dennis Kelly (Pulling, Spooks, Utopía), un profesional ligado normalmente al medio televisivo que escribe aquí su primer guión para la gran pantalla, con bastante buen resultado, todo hay que decirlo.

Se trata de un guión bien estructurado, con alguna que otra sorpresa, diálogos de bastante calidad y un desenlace mas que correcto. Su único problema es quizás el exiguo desarrollo de alguno de sus personajes, algo que hubiese catapultado a la película a cotas mas altas, pero no es algo que impida disfrutar de esta mezcla de thriller y aventuras submarinas. No hay en el excesivas estridencias, ni las típicas gracias que los estadounidenses suelen introducir en trabajos donde sus protagonistas son un grupo de veteranos reunidos para algún fin, por lo que se nota que es una producción británica en todo momento. Quizás sea el excesivo ajuste a los cánones habituales el que impide que la película que no solo guste y entretenga, sino que además apasione, aunque el trabajo de Kevin Macdonald tenga mucho que ver en ello, siempre efectivo pero no excesivamente arriesgado.

Visualmente hablando, la película no nos ofrece excesivas alegrías, debido principalmente a la evidente escasez de medios, sobre todo si la comparamos con una superproducción estadounidense. La fotografía es responsabilidad de Christopher Ross (London to Brighton, The Cottage, Eden Lake), obteniendo grandes resultados en las escenas que transcurren en el interior del submarino, que como podrán imaginar son la mayoría. En cuanto a las imágenes bajo el agua y las que muestran al submarino dentro de ella, son escasas y dejan bastante que desear, mostrando siempre una imagen turbia que solo muestra lo que tenemos en primer plano. El montaje es de Justine Wright, que realiza un trabajo correcto, pero sin excesivos alardes.

La elección del reparto es uno de los grandes aciertos de la cinta, formando un solido grupo de profesionales homogéneo que en ningún momento muestra un solo resquicio. A la cabeza del elenco tenemos al bueno de Jude Law (Capitán Robinson), al que hacía tiempo que no veía en un papel protagonista. Su actuación es bastante convincente, asumiendo el peso de la película de forma brillante. Entre sus compañeros de reparto tenemos en el lado ruso a Konstantin Khabensky, Grigoriy Dobrygin, Sergei Puskepalis y Sergei Kolesnikov, mientras que en el británico están Michael Smiley, David Threlfall, Ben Mendelsohn y Branwell Donaghey. Bobby Schofield interpreta a Tobin, un joven novato al que recluta el capitán y Scoot McNairy interpreta a Daniels, el hombre de confianza que manda el magnate que financia la expedición.

Conclusión: Black Sea (lo de mar tenebroso no se a que viene) es un trabajo bastante completo, en el que destaca su eficiente guión, la tensión que se respira en casi todo momento y el trabajo de un reparto que raya a un gran nivel. Desgraciadamente, la falta de algo mas de desarrollo en ciertos personajes y tramas, además de su evidente falta de presupuesto, le restan la espectacularidad que podría haber tenido, siendo este segundo un detalle que, aunque para algunos pueda quedar en segundo plano, para muchos de los consumidores que pueblan hoy día las salas de cine, puede resultar algo mas serio, ya que es precisamente este aspecto el primero que miran. Si te dejas llevar en su discreto comienzo, llegará un momento en el que necesites saber como acaba todo, proporcionándote un rato de diversión asegurada. Merece la pena embarcarse.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Irrational Man - Woody Allen (2015) Estados Unidos

Guión - Woody Allen
Música - Ramsey Lewis
Fotografía - Darius Khondji
Reparto - Joaquin Phoenix, Emma Stone, Jamie Blackley, Parker Posey, Ethan Phillips, Julie Ann Dawson, Mark Burzenski, Gary Wilmes, Geoff Schuppert, David Pittu, Steven Howitt, Kaitlyn Bouchard, Ana Marie Proulx, Kate McGonigle, Tamara Hickey
Productora - Sony Pictures Classics / Gravier Productions
Género - Drama. Intriga. Comedia | Colegios & Universidad

Sinopsis - En un campus universitario, un profesor de filosofía en plena crisis existencial, le da un nuevo propósito a su vida cuando se relaciona sentimentalmente con una de sus alumnas.

El desconocido - Dani de la Torre (2015) España

Guión - Alberto Marini
Música - Manuel Riveiro
Fotografía - Josu Inchaustegui
Reparto - Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Goya Toledo, Fernando Cayo, Elvira Mínguez, Luis Zahera, Ricardo de Barreiro, María Mera, Antonio Mourelos
Productora - Atresmedia Cine / La Ferme! Productions / Televisión de Galicia (TVG) / Vaca Films
Género - Thriller. Intriga
Web oficial - http://www.vacafilms.com/el-desconocido/

Sinopsis - Carlos, ejecutivo de banca, comienza su rutinaria mañana llevando a sus hijos al colegio. Cuando arranca el coche, recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. La voz de un desconocido le comunica que tiene apenas unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero; si no lo consigue, su coche volará por los aires.

The D Train - Jarrad Paul, Andrew Mogel (2015) Estados Unidos

Guión - Jarrad Paul, Andrew Mogel
Música - Andrew Dost
Fotografía - Giles Nuttgens
Reparto - Jack Black, James Marsden, Kathryn Hahn, Jeffrey Tambor, Mike White, Kyle Bornheimer, Russell Posner, Henry Zebrowski, Corrina Lyons, Donna Duplantier, Charlotte Gale, Denise Williamson, Han Soto, Danielle Greenup, Dermot Mulroney
Productora - Ealing Studios / Electric Dynamite / Londinium Films
Género - Comedia | Cine independiente USA
Web oficial - http://www.d-trainmovie.com/

Sinopsis - Con su vigésima reunión, Dan no puede desprenderse de sus inseguridades del instituto. Intentando sin éxito demostrar que ha cambiado, Dan reaviva una amistad con el chico popular de su clase y vive una noche salvaje que toma un giro inesperado.

Eva no duerme - Pablo Agüero (2015) Argentina

Guión - Pablo Agüero
Reparto - Pepi Monia, Gael García Bernal, Denis Lavant, Imanol Arias, Daniel Fanego, Nahuel P. Biscayart
Productora - Coproducción Argentina-España-México-Alemania; JBA Productions / Haddock Films / Tornasol Films / Canana / Rohfilm
Género - Drama | Basado en hechos reales. Años 50. Años 70

Sinopsis - Relata la odisea del cadáver embalsamado de Eva Perón en toda Europa a partir de 1952 hasta su entierro en Argentina 25 años después.

Vampyres - Víctor Matellano (2015) España

Guión - Víctor Matellano (Historia: José Ramón Larraz)
Reparto - Caroline Munro, Marta Flich, Almudena León, Christian Stamm, Verónica Polo, Anthony Rotsa, Víctor Vidal, Luis Hacha, Alina Nastise, Remedios Darkin, Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans, Conrado San Martín
Productora - Artistic Films
Género - Terror | Vampiros
Web oficial - https://www.facebook.com/VampyresMovie

Sinopsis - Dos vampiras, que habitan en una oscura mansión, atraen a los hombres para ofrecerles orgías de sexo que desembocan en baños de sangre. Hasta allí llegan unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta y un hombre joven que oculta un oscuro pasado.

Pinocho y su amiga Coco - Anna Justice (2013) Alemania

Guión - Anna Justice
Música - Christoph M. Kaiser
Fotografía - Mathias Neumann
Reparto - Mario Adorf, Moritz Russ, Ulrich Tukur, Benjamin Sadler, Inka Friedrich, Nicolais Borger, Arved Friese
Productora - FFP New Media
Género - Fantástico. Infantil. Drama. Aventuras | Cuentos. Infancia

Sinopsis - Geppetto es un anciano solitario que un día crea una marioneta de madera a la que decide poner el nombre de Pinocho. Sus deseos de que se convierta en un niño de verdad se harán realidad gracias a la ayuda del Hada Azul, aunque Pinocho seguirá manteniendo su cuerpo de madera.
A pesar de contar con Pepito Grillo como guía en su camino, pronto atraerá un montón de problemas por desobedecer a éste. Se verá obligado a escapar de la casa de su padre y vivir aventurar salvajes que le harán crecer como persona.

La camarera Lynn - Ingo Haeb (2014) Alemania

Guión - Ingo Haeb (Novela: Markus Horts)
Música - Jakob Ilja
Fotografía - Sophie Maintigneux
Reparto - Vicky Krieps, Lena Lauzemis, Christian Aumer, Steffen Münster, Christine Schorn
Productora - 58Filme / Sutor Kolonko
Género - Drama

Sinopsis - Ninguna camarera es tan obsesiva como Lynn Zapatek; su mundo transcurre totalmente dedicado a las tareas de limpieza que tiene a su cargo en el hotel Eden. Por aburrimiento, Lynn mantiene una relación sexual con el gerente, pero le interesa sobre todo conocer los secretos de los clientes y, para ello, husmea en la ropa y los objetos que guardan en los armarios o en sus maletas, las cosas y detalles que rodean sus vidas. Y para conocer todo ello se esconde debajo de las camas escuchando lo que sucede a su alrededor. Un día Lynn descubre a Chiara, una dominatrix que trabaja con clientes a los que somete a prácticas sadomasoquistas. Ese descubrimiento cambiará su vida.

De chica en chica - Sonia Sebastián (2015) España

Guión - Sonia Sebastián, Cristina Pons, Ángel Turlan (Idea original: Olga Iglesias y Sonia Sebastián)
Música - David San José
Fotografía - Pilar Sánchez Díaz
Reparto - Celia Freijeiro, Cristina Pons, Sandra Collantes, María Botto, María Ballesteros, Marina San José, Adrián Lastra, Ismael Martínez, Jaime Olias, Eulalia Ramón, Estefanía de los Santos, Sabrina Praga, Paulina Gálvez, Jane Badler, Mar Ayala
Productora - Pocapena Producciones / Versus Entertainment
Género - Comedia | Homosexualidad
Web oficial - http://dechicaenchicalapelicula.com/

Sinopsis - Película basada en la serie online "Chica busca chica" (2008). A Inés (Celia Freijeiro) la vida le sonríe en Miami hasta que su novia Becky descubre que le ha estado poniendo los cuernos con Kirsten (Jane Badler), una editora americana enamorada de Inés y miembro de la Asociación Nacional del Rifle (NRA). Ha llegado la hora de regresar a casa. Y por qué no, de encontrarse de nuevo con Lola (Sandra Collantes), la heterosexual de la que estaba enamorada en España. Pero Inés elige el peor momento para hacerlo. Al presentarse de improviso en casa de Lola, Inés interrumpe la “I Fiesta de la Regla” en honor de Candela, la hija de Verónica (Cristina Pons) y mujer a la que abandonó embarazada el día que iban a casarse. Y no solo eso… También está Sofía por favor, la editora de novela erótica a la que dejó con un pufo laboral importante. Y Javier el ex de Lola, con el que Inés siempre compitió, y su mujer embarazadísima de treinta y siete semanas. Y Fran, el amigo gay con mentalidad de hetero y su novia Linda, una travesti espectacular. Y Marta que por fin ha conseguido a Rai, la neopunk de sus sueños justo el día en el que recibe la inesperada visita de su madre… De Chica en Chica, una fiesta, una hija, muchas chicas y algo más.

Vientos de agosto - Gabriel Mascaro (2014) Brasil

Guión - Rachel Ellis, Gabriel Mascaro
Fotografía - Gabriel Mascaro
Reparto - Dandara De Morais, Geová Manoel Dos Santos, Maria Salvino dos Santos, Antônio José dos Santos, Gabriel Mascaro
Productora - Desvia Filmes
Género - Drama. Intriga | Vida rural

Sinopsis - La llegada a una pequeña población costera de Brasil de un investigador que registra los vientos alisios y un sorprendente descubrimiento arrastran a Shirley y Jeison a un viaje que les obliga a afrontar el duelo entre la vida y la muerte, la memoria y el olvido, el viento y el mar

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Dark Places
Año - 2015
Duración - 113 min.
País - Reino Unido
Director - Gilles Paquet-Brenner
Guión - Gilles Paquet-Brenner (Novela: Gillian Flynn)
Música - Gregory Tripi
Fotografía - Barry Ackroyd
Montaje - Douglas Crise y Billy Fox
Producción - Stéphane Marsil, Prince Azim, Matthew Rhodes, Cathy Schulman y Charlize Theron
Productora - Coproducción Reino Unido-Francia-USA; Exclusive Media Group / Mandalay Vision / Cuatro Plus Films
Género - Thriller, Intriga, Drama
Reparto - Charlize Theron, Nicholas Hoult, Chloë Grace Moretz, Christina Hendricks, Tye Sheridan, Corey Stoll, Drea de Matteo, Azure Parsons, Andrea Roth, Dora Madison Burge, Sterling Jerins, Laura Cayouette, Shannon Kook, Glenn Morshower, Addy Miller
Web oficial - http://darkplacesmovie.com/

Gilles Paquet-Brenner se lo guisa y se lo come, como dicen por aquí, escribiendo el guión y dirigiendo este Thriller de intriga que es el ejemplo perfecto de como una buena idea no sirve de mucho si quien la plasma en el guión y quien la dirigen (en este caso la misma persona) no llegan a hacerlo con un mínimo de coherencia. Un trabajo que se sigue con atención, con un buen reparto, muy poco aprovechado en muchos casos, y que comete uno de los peores pecados que puede cometer una película, no resultar casi nunca creíble. Imposible evitar la comparación con Perdida (Lone girl), otra novela de Gillian Flynn mucho mejor adaptada.

Sinopsis: Libby Day (Charlize Theron) sobrevivió cuando era niña a la matanza de su familia, testificando después en contra de su hermano Ben (Tye Sheridan), al que señaló como responsable de los hechos, por lo que fue encerrado de por vida. Pasados 25 años, y sin que ella haya sido capaz de dejar atrás tan terribles hechos, recibe la visita de Lyle (Nicholas Hoult), el representante de un grupo de personas obsesionados con crímenes y criminales sangrientos, que se reúnen en un peculiar local. Lyle ofrece algo de dinero a Libby para que asista a una de sus reuniones y conteste a las preguntas de los miembros, algo a lo que ella tendrá que acceder, aún sin querer hacerlo, por la grave situación económica que atraviesa. Pero una vez allí descubrirá que la intención del grupo es reabrir el caso de su hermano, al que creen inocente.

El director: El director y guionista francés Gilles Paquet-Brenner ha dirigido dos cortometrajes (13 Minutos en la vida de Josh y Anna y Le Marquis) y siete largometrajes, de los que ha sido también autor de sus guiones. Debutó en 2001 con Las cosas bellas, interpretada por la brillante Marion Cotillard. Tras ella llegaron Gomez y Tavarès (2003), Gomez y Tavarès, la suite (2007), UV (2007) y Walled In (2009), de las que no puedo opinar por no haberlas visto. En 2010 dirigió su último trabajo anterir al que hoy nos ocupa, la excelente La llave de Sarah, un drama sobre el holocausto interpretado por Kristin Scott Thomas, Mélusine Mayance y Niels Arestrup, entre otros, que merece la pena y mucho.

La película: He de comenzar aclarando que no he leído la novela Dark Places, escrita por Gillian Flynn en 2009, por lo que no voy a valorar si la adaptación es buena o no, al igual que tampoco podré valorar si ciertas características del guión y la película son heredadas del libro o no. Lo que si que me ha quedado claro es que hay ciertos aspectos en la película realmente difíciles de creer, aún a sabiendas de que es ficción, siendo un enorme error reproducirlos en esta si estaban en la novela, error que es mucho mayor si no lo estaban y han sido ideados por el guionista. De cualquiera de las formas, he de decir que es una verdadera lástima, porque obviando estos detalles y con un poco mas de atino, estaríamos ante un trabajo que hubiese alcanzado un 7 o un 8 fácilmente.

Y es que hay que decir que estamos ante un trabajo que no me ha aburrido en ningún momento, en el que la intriga está dosificada de forma correcta, al igual que su ritmo, en un constante in crescendo que hace que se disfrute con atención, pero regular comenzada y mucho peor terminada. Por ello, su comienzo te hace albergar esperanzas de que puede tratarse de una buena película, algo de lo que dudas en cuanto asistes a los motivos por los que nuestra protagonista llega a desear revivir todo lo que ocurrió. Una vez se pone a ello, viene la mejor parte de este trabajo, la mas regular y donde la película consigue no suspender, haciendo que casi olvides el delirio inicial y asistas a su desarrollo de forma optima.

Pero tras un par de pequeños traspiés, su tramo final nos vuelve a bajar de la nube mostrándonos varias escenas dignas de estudio, perfectamente utilizables en una clase como ejemplo a lo que nunca hay que hacer para cerrar un film. Puede que su opinión no sea la misma, siendo esta una película muy recomendable si es así, pero la mía es que destroza todo lo construido en 80 minutos de forma acertada con giros y situaciones que rayan el absurdo, como si su autor se hubiese quedado ya sin ideas y lo cierre todo a prisa y corriendo. Una verdadera lástima.

Visualmente hablando, la película está bastante conseguida en casi todos los apartados. La fotografía es obra de Barry Ackroyd (United 93, En tierra hostil, Green Zone: Distrito protegido, Capitán Phillips), que realiza un trabajo sobrio, muy en concordancia con la historia que se nos cuenta. El montaje es obra de Douglas Crise y Billy Fox, siendo este una de las características destacables de la película, ya que en ella se efectúan constantes saltos temporales para contarnos a la vez lo que ocurrió hace 25 años y lo que está ocurriendo en tiempo real. Un buen trabajo, sin lugar a dudas. En cuanto a la banda sonora hay que decir que es obra de Gregory Tripi (Arrástrame al infierno, Drive, The Knick), no siendo esta especialmente destacable por separado, pero que acompaña acertádamente al film. Como curiosidad hay que decir que esta película no se estrenó en los cines en España, siendo las plataformas digitales las que la incluyeron en sus opciones directamente. Según sus responsables, esto es una estrategia de marketing en busca de nuevas formas de llevar el cine al mercado, no siendo esta la primera ni la última vez que lo harán. Juzguen ustedes mismos.

Si dirigimos la mirada hacia su reparto, el peso principal de la película recae sobre Charlize Theron (Libby Day), que realiza un buen trabajo, aunque tampoco es que podamos meterlo entre los mejores de los que ha realizado. Oficio no le falta, pero tampoco le sobra brillantez. Hay que decir que está acreditada como actriz principal y co-productora. Su personaje de joven es interpretado por Sterling Jerins. En el resto del reparto aparecen nombres como Nicholas Hoult, que al igual que Charlize, participó en la reciente entrega de Mad Maxde la que os hablamos aquí, interpretando a Lyle, el encargado de llevarla al exótico club. Su papel es bastante insípido, por lo que no tiene excesivas oportunidades de brillar. Ben Day, el hermano de Libby, es interpretado por Tye Sheridan de adolescente y Corey Stoll en edad adulta, mientras que Diondra Wertzner, su novia en la etapa adolescente, es interpretada por una Chloë Grace Moretz que hace lo que acostumbra, rayar a un excelente nivel. Pero el personaje mas interesante, además de ser el que mejor está interpretado, es el de Patty Day, la madre de Libby y Ben, a la que da vida una Christina Hendricks que realiza una labor increíble.

Conclusión: Yo personalmente les recomiendo que vean Dark Places, ya que en lineas generales es una película que, dejando de lado los detalles que os he comentado anteriormente, podría haber ocupado un buen lugar entre los títulos del año. Me parece una lástima que los fallos puntuales del guionista y director Gilles Paquet-Brenner hayan lastrado un producto un tanto extraño, hasta en la forma que ha sido comercializado. Quizás, lo que para mi sean lastres, para ustedes sean solo pequeños detalles, ya que cada aficionado es un mundo y cada par de ojos ven algo distinto, parte de la grandeza de este arte que tanto nos gusta. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinitty, Imdb y Youtube

Título original - The Little Girl Who Lives Down the Lane
Año - 1976
Duración - 100 min.
País - Canadá
Director - Nicolas Gessner
Guión - Laird Koenig, basado en la novela homónima de Laird Koenig
Música - Christian Gaubert
Fotografía - René Verzier
Montaje - Yves Langlois
Producción - Zev Braun
Productora - Coproducción Canadá-USA-Francia
Género - Intriga, Drama
Reparto - Jodie Foster, Martin Sheen, Alexis Smith, Mort Shuman, Dorothy Davis, Scott Jacoby, Clesson Goodhue, Dorothy Davis

Nicolas Gessner fue el director encargado de llevar a la gran pantalla el guión que Laird Koenig realizó basándose en la novela The Little Girl Who Lives Down the Lane. Una peculiar película, que puede parecer un tanto lastrada en la actualidad por ese aire setentero inconfundible, pero que merece la pena disfrutar por su originalidad, la intriga que nos acompaña en todo momento y la posibilidad de ver uno de los primeros papeles principales de la excelente Jodie Foster. Terror psicológico del que se hacía antes, sin necesidad de excesos de sangre ni escenas estridentes, pero con una fuerza y una capacidad de desasosiego dignas de estudio. Muy interesante.

Sinopsis: Rynn Jacobs (Jodie Foster) es una joven que vive en una casa apartada de la costa, con un padre que apenas sale de su estudio, en el que trabaja escribiendo poesía y al que nadie ve hace mucho tiempo. Es independiente y muy inteligente, por lo que se ha acostumbrado a vivir prácticamente sola. Durante la noche de Halloween, justo el día en el que cumple trece años, recibe inesperadamente la visita de Frank Hallet (Martin Sheen), un joven padre de familia que tiene en el pueblo fama de pervertido, y al poco tiempo la de la señora Hallet (Alexis Smith), madre de Frank y propietaria de la casa donde viven, que se la tiene alquilada por tres años, amenazando así la tranquilidad y la soledad en la que Rynn se ha acostumbrado a vivir...

El director: Nicolas Gessner es un director de cine de origen húngaro, que ha realizado la mayor parte de su carrera en Francia. Desde 1965, cuando debutó con la comedia romántica Mil millones en un billar, hasta 1989 en el que dirigió su último trabajo titulado Noches de Tennessee, es responsable de tan solo siete títulos, entre los que se pueden destacar ¿Cuál de las trece? (1969), con Sharon Tate, Vittorio Gassman, Orson Welles y Vittorio De Sica entre su reparto, y Alguien detrás de la puerta (1971), con Charles Bronson, Anthony Perkins y Jill Ireland, aunque ninguna de las dos son precisamente una maravilla. La muchacha del sendero es, sin lugar a dudas, su mejor trabajo.

La película: Resulta cuanto menos curioso, comprobar lo mal que ha envejecido en general el cine de los años 60 y 70. Los motivos son diversos, pero tiene mucho que ver con el vestuario que se utilizaba, con esos colores apagados que tan mal le vienen a muchos títulos de la época y con el enorme progreso que ha dado nuestra forma de vida y nuestra moralidad, todo hay que decirlo. Este caso no es ninguna excepción, pero a pesar de todos los pesares, sigue manteniendo un encanto indiscutible, además de proporcionar un buen rato de cine a los aficionados de la intriga y la originalidad. Por lo tanto, tras un breve periodo de adaptación del espectador, estamos ante un trabajo que realmente merece la pena ver y que, lógicamente, no deberían dejar pasar por alto.

The Little Girl Who Lives Down the Lane tiene como uno de sus principales virtudes su magnífico guión, escrito por Laird Koenig, que adapta la novela del mismo nombre de Laird Koenig. Su calidad es indiscutible, tanto en su ritmo, intencionadamente tranquilo y sereno, e inevitablemente desconcertante, como en su forma de estar estructurado, agregando poco a poco a personajes interesantes que siempre suman a la historia, hasta llegar a su final, excelentemente escrito y rodado. En el se imponen los diálogos a las imágenes en casi todo momento, resultando este otro de sus puntos fuertes, ya que hay pocos en la cinta que puedan parecer inútiles o de relleno.

Otro de los grandes aciertos de esta y muchas otras cintas de la época, es la forma en que sus responsables prefieren insinuar a mostrar de manera explicita multitud de detalles, algo que contribuye y mucho a la constante sensación de desasosiego que se respira en ella, algo que contrasta con la imagen de inocencia de su principal protagonista. El trabajo del director es realmente destacable, filmando de forma magistral un buen puñado de escenas que quedan para el recuerdo, entre las que se puede destacar su final, tan simple como efectivo, ademas de demostrar un manejo en la dirección de actores espléndido.

Pero como todo no puede ser bueno, es en los apartados técnicos donde la película resulta mas floja, empezando por la fotografía de René Verzier (Rabia, Último Día de Verano, Bullies, Presa del pánico), un tanto pobre, sobre todo en las escenas de interior, que por cierto son la mayoría de ellas. Tampoco es especialmente destacable el montaje, que es responsabilidad de Yves Langlois, aunque tampoco desentona en ningún momento. En cuanto a la banda sonora, esta corre a cargo de Christian Gaubert (Ojos negros, Un hombre y una mujer: 2ª parte, Nestor Burma), de la que inevitablemente he de destacar la de Frédéric Chopin, un regalo para los sentidos.

El reparto es otro de esos motivos por los que disfrutar este trabajo, comenzando por su protagonista absoluta, una Jodie Foster (Rynn Jacobs) que demuestra en todo momento un don especial para la interpretación, en un personaje que combina una indudable dulzura con el repeluz que da ver a una chica de trece años (trece años de la época, ojo) comportarse como alguien mucho mayor. Pero no solo ella brilla en este trabajo, ya que hay que valorar también el trabajo de Martin Sheen (Frank Hallet ) cuyo personaje tiene su aquel, el de Alexis Smith como la señora Hallet, madre del anterior y casera de nuestra protagonista y el de Mort Shuman, como el oficial de policía Miglioriti. El reparto lo completa Scott Jacoby en el papel de Mario, sobrino del agente Miglioriti, que es la persona que mas logrará acercarse a Rynn para ofrecerle su apoyo y amistad.

Conclusión: La muchacha del sendero es uno de esos títulos poco conocidos que uno encuentra por casualidad muy de vez en cuando. Se trata de una película a la que el paso del tiempo no le ha venido bien precisamente, pero que tiene otras cualidades que hacen recomendable su visionado, como su originalidad, el buen hacer de su director, su acertado guión y el trabajo de su reparto, en el que resulta curioso ver a una jovencísima Jodie Foster realizar uno de sus primeros papeles protagonistas, si no es el primero. Otro tipo de cine muy diferente al actual que merece la pena disfrutar. Como curiosidad, y para que veáis a que me refería cuando mencionaba antes el cambio de moralidad de la sociedad, me gustaría ver la reacción del público a día de hoy en un título en el que uno de sus temas es el abuso de menores, que mostrase a una cría desnuda como hace este. Correrían ríos de tinta, o no ¿quien sabe?

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia, Youtube

Título original - Rocco e i suoi fratelli
Año - 1960
Duración - 170 min.
País - Italia
Director - Luchino Visconti
Guión - Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli, basándose en un relato de Giovanni Testori
Música - Nino Rota
Fotografía - Giuseppe Rotunno
Montaje - Mario Serandrei
Producción - Goffredo Lombardo
Productora - Coproducción Italia-Francia
Género - Drama, Neorrealismo
Reparto - Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katina Paxinau, Claudia Cardinale, Spiros Focas, Max Cartier, Rocco Vidolazzi, Roger Hanin, Paolo Stoppa, Suzy Delair

Luchino Visconti firmó con Rocco y sus hermanos su séptima película como realizador, llevando a la gran pantalla un guión que Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli realizaron sobre un relato de Giovanni Testori. 170 minutos que giran en torno a una familia de emigrantes y las duras condiciones que encuentran tras llegar a Milán en busca de una vida mejor, con un excelente trabajo de todo su reparto, la fotografía de Giuseppe Rotunno y la música del inolvidable Nino Rota. Un trabajo imprescindible que deberían haber visto ya, aunque he de confesar que los envidio si aún no lo han hecho y tienen intención de hacerlo.

Sinopsis: Rosaria Parondi (Katina Paxinou) y sus hijos Simone (Renato Salvatori), Rocco (Alain Delon), Ciro (Max Cartier) y Luca (Rocco Vidolazzi) abandonan su tierra natal en busca de una vida mejor, emigrando a una gran ciudad como Milán, donde Vincenzo (Spiros Focás), el mayor de los hermanos, trabaja de albañil y entrena para llegar a ser boxeador profesional. Su llegada y la progresiva adaptación de sus miembros no será sencilla, aunque cada uno intentará buscar un futuro mejor en una tierra muy diferente a la que dejaron atrás, pero a la que no tendrán mas remedio que acabar adaptándose.

El director: Luchino Visconti di Modrone, Conde de Lonate Pozzolo (1906–1976), fue un aristócrata, director de ópera y de cine italiano. Considerado como uno de los exponentes del neorealismo menos idealista y mas cercano a las ideas marxistas, nos dejó durante su carrera un buen puñado de títulos inolvidables, entre los que podemos destacar Obsesión (1943), La tierra tiembla (1948), Bellísima (1951), Nosotras las mujeres (1953), Senso (1954), Noches blancas (1957), Boccaccio '70 (1962), El gatopardo (1963), Sandra (1965), El extranjero (1967), La caída de los dioses (1969), Muerte en Venecia (1971) o El inocente (1976), aunque en realidad cualquiera de sus trabajos merece la pena ser visto.

La película: En la película que hoy nos ocupa, encontramos varias de las constantes de su cine, como la importancia de la familia o las duras condiciones que soportan las clases mas desfavorecidas, por poner algunos ejemplos. En principio puede que su extenso metraje cree ciertas dudas en los mas escépticos, pero puedo asegurarles que una vez conocidos sus personajes e introducidos en su historia, resulta realmente difícil abandonar su visionado, haciéndose mucho mas corta de lo que su duración real transmite. Lógicamente, si no has visto demasiado cine italiano, necesitarás un breve periodo de adaptación a sus característicos diálogos, sobre todo a la rapidez que tienen los mismos en ciertos momentos (la madre es el mejor de los ejemplos), pero es algo que haréis casi sin enteraros y la recompensa tras ello bien merece la pena.

Rocco y sus hermanos encierra dentro de si un excelente drama social en el que se muestra la lucha por una vida mejor de los que poco o nada tienen, un melodrama realmente brillante donde se aprecia la riqueza que el mundo de las artes escénicas sembraron en el director y en el que encontramos ciertas similitudes con algunas tragedias griegas, pero sobre todo encontramos en el un auténtico y genuino alegato en favor de la familia, esa institución a la que muchos y muchas prestan escasa atención, pero que debería de ser uno de los pilares fundamentales de nuestras vidas, el mayor de los motivos para seguir adelante y continuar la lucha.

Por ello, en unos tiempos en los que el materialismo parece ser nuestra razón de ser y en los que cada vez son mas cercanas muchas de las situaciones que en ella nos regalan, principalmente por las duras condiciones económicas que soportan la mayoría de las familias, este trabajo debería ser de obligada visión para después meditar detenidamente lo que hemos visto y, sobre todo, el mensaje que nos deja. La riqueza del guión de Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Enrico Medioli, queda por tanto fuera de toda duda, siendo el vehículo utilizado por Visconti para desplegar todo su arte y mostrarnos la riqueza y las miserias del ser humano. En el destaca por encima de todo la evolución de sus personajes, que veremos mutar poco a poco ante nuestros ojos de forma magistral.

Y si a ello le unimos el excelente grupo de profesionales del que se rodeó el realizador, el resultado es difícilmente mejorable, comenzando por la fotografía de Giuseppe Rotunno (El hombre de La Mancha, Amarcord, El gatopardo, Satiricón), un profesional ligado durante mas de 40 años al cine, acreditado en muchas ocasiones como Giuseppe Rotunno, que aquí realiza un trabajo realmente brillante. El montaje es obra de Mario Serandrei y tiene la peculiaridad de estar dividido en cinco partes, cada una dedicada y titulada como uno de los hermanos de la familia. De la música se encargó Nino Rota (La Strada, Guerra y paz, La dolce vita, El padrino I y II), compositor que ha musicalizado infinidad de excelentes películas y que aquí hace lo propio con una banda sonora que acompaña y envuelve al espectador durante todo su metraje.

El reparto es otro de los grandes aciertos de esta gran película, resultando prácticamente imposible encontrar algún componente que desentone. Se trata de un reparto coral que gana o pierde protagonismo según avanza la cinta, encabezado por un Alain Delon que da vida a Rocco, un joven tímido e inocente que veremos crecer y hacerse un hombre, realizando una de las mejores interpretaciones de su carrera. Entre el resto del fenomenal elenco destacan Renato Salvatori como Simone Parondi, en un papel totalmente antagónico al de Delon. El resto de hermanos son interpretados por Spiros Focás como Vincenzo, Max Cartier como Ciro y Rocco Vidolazzi como Luca. En los papeles femeninos destaca Annie Girardot en el papel de Nadia, una prostituta que se cruzará en el camino de la familia marcándola para siempre, Katina Paxinou que da vida a la sufrida madre, Rosaria Parondi y una casi desconocida por aquellos entonces Claudia Cardinale en el papel de Ginetta, antes de alcanzar fama internacional. Seguro que algunos olvido, pero el nivel general es realmente bueno.

Conclusión: Cualquier película del maestro Luchino Visconti merece ser disfrutada con tranquilidad, pero Rocco y sus hermanos tiene para mi algo especial que la hace imprescindible. Un trabajo muy completo con un excelente guión, la maestría del realizador italiano para plasmarlo y unos magníficos reparto, fotografía, montaje y banda sonora, que a pesar de durar casi tres horas, pasará ante nuestros ojos casi sin enterarnos, a poco que nos enganchemos a la historia y a unos personajes inolvidables. Por cierto, si no habéis visto nada del neorealismo italiano, esta es una gran opción para hacerlo. Creo que no os arrepentiréis, merece la pena realmente.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Regresión - Alejandro Amenábar (2015) España

Guión - Alejandro Amenábar
Música - Roque Baños
Fotografía - Daniel Aranyó
Reparto - Ethan Hawke, Emma Watson, Aaron Ashmore, Devon Bostick, David Thewlis, Dale Dickey, Aaron Abrams, Adam Butcher, David Dencik, Kristian Bruun, Matija Matovic Mondi, Janet Porter, Goran Stjepanovic
Productora - Coproducción España-Canadá; MOD / Himenóptero / First Generation Films / Telecinco Cinema
Género - Intriga. Thriller | Sectas. Años 90

Sinopsis - Minnesota, 1990. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) investiga el caso de la joven Angela (Emma Watson), que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.

Hitman: Agente 47 - Aleksander Bach (2015) Estados Unidos

Guión - Michael Finch, Kyle Ward, Skip Woods
Música - Marco Beltrami
Fotografía - Óttar Guðnason
Reparto - Rupert Friend, Zachary Quinto, Hannah Ware, Ciarán Hinds, Thomas Kretschmann, Emilio Rivera, Dan Bakkedahl, Jerry Hoffmann, David Brückner, Rolf Kanies, Melanie Benna, Joe Toedtling
Productora - Twentieth Century Fox Film Corporation / TSG Entertainment
Género - Acción. Thriller | Espionaje. Videojuego

Sinopsis - "Agente 47" se centra en un asesino de élite que ha sido genéticamente alterado para ser convertido en una máquina de matar perfecta, y que es conocido por los dos últimos dígitos de su código, tatuado en la nuca: "47". Su objetivo es acabar con una megacorporación que planea desvelar los secretos de su organización secreta. Para ello, forma equipo con una joven.

Lejos de los hombres - David Oelhoffen (2014) Francia

Guión - David Oelhoffen
Música - Warren Ellis, Nick Cave
Fotografía - Guillaume Deffontaines
Reparto - Viggo Mortensen, Reda Kateb, Djemel Barek, Vincent Martin, Nicolas Giraud, Jean-Jérôme Esposito, Hatim Sadiki, Yann Goven, Antoine Régent, Sonia Amori, Antoine Laurent, Ángela Molina
Productora - One World Films / Perceval Pictures
Género - Drama | Años 50. Colonialismo. África

Sinopsis - Argelia, 1954. En medio del duro invierno, Daru (Viggo Mortensen), un profesor francés recluido, debe escoltar a Mohamed (Reda Kateb), un local acusado de asesinato. Perseguidos por caballeros que reclaman la ley de la sangre y por colonos revanchistas, los dos hombres se rebelan. Juntos, lucharán para volver a conseguir su libertad.

El apóstata - Federico Veiroj (2015) España

Guión - Federico Veiroj, Álvaro Ogalla, Nicolas Saad, Gonzalo Delgado
Música - Álvaro Ogalla
Fotografía - Arauco Hernández
Reparto - Álvaro Ogalla, Bárbara Lennie, Vicky Peña, Marta Larralde, Kaiet Rodríguez, Juan Calot, Andrés Gertrudix, Joaquín Climent, Jaime Chávarri, Mercedes Hoyos, Álvaro Roig, Leo Fernández
Productora - Coproducción España-Francia-Uruguay; Ferdydurke / Local Films / Cinekdoque
Género - Drama | Comedia dramática. Religión

Sinopsis - Para renunciar al pasado y dar la bienvenida al futuro, para curarse, para emanciparse, Tamayo, un hombre de treinta y pico años, debe apostatar ante jurisdicciones, autoridades, burocracias y otras membresías vitales. Durante un arduo proceso de búsqueda y cuestionamiento se colarán la intermitente relación que mantiene con una prima, algunos pecados de niño cruel, el vínculo con una espiritualidad forastera, sus dificultades para seguir el camino paterno, las promesas y mieles de una madurez nueva.

Jack - Edward Berger (2014) Alemania

Música - Christoph M. Kaiser, Julian Maas
Fotografía - Jens Harant
Reparto - Ivo Pietzcker, Georg Arms, Luise Heyer, Vincent Redetzki, Jacob Matschenz, Nele Mueller-Stöfen
Productora - Port au Prince Film & Kultur Produktion
Género - Drama | Infancia

Sinopsis - Solo tiene diez años, pero Jack sabe más de la vida que muchos adultos. Desde que se levanta hasta que se acuesta se ocupa de su hermano pequeño, Manuel, de seis años, tiene todo siempre organizado para su madre soltera, que les quiere a rabiar pero no parece preocuparse demasiado por nada. Un día Manuel se quema accidentalmente en el baño y Jack carga con las culpas, siendo internado en un centro social. Acosado por un compañero, Jack decide escapar y volver con su madre… Pero mamá ha desaparecido. Empieza entonces una odisea para Jack y Manuel, a través de un mundo hostil de adultos ciegos y sordos al dolor de los niños, que llevará a Jack a tomar su más dura decisión.

El precio de la fama - Xavier Beauvois (2014) Francia

Guión - Etienne Comar
Música - Michel Legrand
Fotografía - Caroline Champetier
Reparto - Benoît Poelvoorde, Roschdy Zem, Séli Gmach, Chiara Mastroianni, Nadine Labaki, Peter Coyote, Xavier Maly, Arthur Beauvois, Jean-Daniel Bigler, Dolores Chaplin, Eugène Chaplin, Roland Noirjean
Productora - Arches Films / Rita Productions / Why Not Productions
Género - Comedia | Años 70. Secuestros / Desapariciones

Sinopsis - Estamos en Vevey, una pequeña ciudad suiza, a finales de los años 70. Eddy Ricaart acaba de salir de prisión y se aloja en casa de su amigo Osman Bricha. Su trato consiste en que Osman acoge a Eddy y, a cambio, este se ocupa de su hija de siete años, Samira, el tiempo que su mujer, Noor, necesite para pasar unas revisiones en el hospital. Sin embargo, la víspera de Navidad, todos notan la falta de dinero. Cuando la televisión anuncia la muerte del riquísimo actor Charlie Chaplin, Eddy tiene súbitamente una idea: sustraer el ataúd del actor y pedir un rescate a su familia.

Oda a mi padre - Youn Jk (2014) Corea del Sur

Guión - Soo-jin Park
Música - Lee Byung-woo
Reparto - Hwang Jeong-min, Kim Yunjin, Oh Dal-su, Jung Jin-young, Jang Young-nam, Ra Mi-ran, Kim Seul-ki, Stella Choe
Productora - JK FILMS
Género - Drama

Sinopsis - En diciembre de 1950, cuando comienza la guerra de Corea, un niño tiene que separarse de su padre, pero en la despedida él le promete cuidar de su familia. Pasan los años, pero nunca olvidará la promesa.

Marco Macaco y los primates del Caribe - Jan Rahbek (2012) Dinamarca

Guión - Thomas Borch Nielsen, Jan Rahbek
Música - Jonas Severin Kristensen
Fotografía - Animation
Reparto - Animation, Toke Lars Bjarke, Mille Lehfeldt, Jess Ingerslev, Rune Tolsgaard, Thomas Borch Nielsen, Tonni Zinck
Productora - Nice Ninja Productions
Género - Animación. Comedia | Simios. 3-D

Sinopsis - Marco Macaco sueña con resolver algún día un gran caso policial, pero mientras tanto no hace nada que no sea ejercer de oficial de playa en una isla tropical. La mayor parte de sus esfuerzos para destacar vienen determinados por Lulú, una amiga que le atrae desde la infancia. Pero un importante contratiempo irrumpe en el paraíso insular quebrando las ilusiones de Marco. Se trata de Carlo, quien llega a la isla con la intención de construir un casino y, acto seguido, se propone conquistar el corazón de Lulú. Marco no se conforma con la nueva situación y no tarda en encontrar indicios sobre los verdaderos planes de Carlo en la zona..

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Fortitude
Año - 2015
Duración - 60 min.
País - Reino Unido
Director - Sam Miller, Hettie Macdonald, Nick Hurran, Richard Laxton
Guión - Stephen Brady, Tom Butterworth, Simon Donald, Chris Hurford, Ben Richards
Música - Ben Frost
Fotografía - John Conroy, David Luther, Christopher Ross, Gary Shaw
Montaje - Stephen O'Connell, Yan Miles, Trevor Waite, Emma E. Hickox y Katie Weiland
Producción - Matthew Bird y Trevor Hopkins
Productora - Fifty Fathoms Productions / Sky Atlantic / Tiger Aspect Productions
Género - Serie de TV, Drama, Intriga
Reparto - Richard Dormer, Stanley Tucci, Michael Gambon, Sofie Gråbøl, Johnny Harris, Luke Treadaway, Christopher Eccleston, Nicholas Pinnock, Jessica Raine, Verónica Echegui, Sienna Guillory, Phoebe Nicholls, Darren Boyd, Björn Hlynur Haraldsson, Darwin Brokenbro, Mia Jexen, Elizabeth Dormer-Phillips, Aaron McCusker, Jessica Gunning, Chipo Chung, Alexandra Moen, Emil Hostina, Charlotte Pyke, Michael Obiora, Jonjo O'Neill, Lee Nicholas Harris
Web oficial - http://www.sky.com/tv/show/fortitude

Simon Donald es el creador de la serie Fortitude para Sky Atlantic. Un trabajo cuyo principal hándicap (para algunos) puede ser su ritmo pausado, pero que a cambio nos regala una excelente historia, grandes dosis de intriga, una ambientación fantástica y el excelente trabajo de todo su elenco, en un producto que se vuelve mas y mas adictivo conforme avanza la historia, vayamos conociendo a sus personajes y resolviendo incógnitas que dan paso a otras mucho mayores. Puede que no guste a todos por igual, pero en mi opinión es una serie realmente completa y enormemente adictiva. Si deciden verla, no la juzguen solo por dos episodios, seguro que con el paso del tiempo no se arrepentirán.

Sinopsis: Fortitude es un pequeño pueblo aislado en el ártico, donde solo unos pocos noruegos y rusos se atreven a vivir. Sus principales características son el duro clima que soporta, la enorme belleza de sus paisajes y la total tranquilidad con la que se vive en el. Hildur Odegard (Sofie Gråbøl), la gobernadora del lugar, planea construir un exótico hotel subterráneo que puede producir enormes beneficios, por lo que encarga un estudio al prestigioso científico Charlie Stoddart (Christopher Eccleston), que tras redactar un informe favorable, encuentra algo bajo la superficie que parecen poder ser los restos de un mamut, por lo que piensa cambiar este informe. Todo se complica tras aparecer el cadáver de Charlie brutalmente mutilado en su propia casa, algo insólito en el lugar que obligará al sheriff Dan Anderssen (Richard Dormer) y a su escueto y poco preparado equipo, a enfrentarse a algo con lo que nunca hubieran imaginado.

El creador: Simon Donald es un actor, guionista director y productor británico de cine y televisión. Como guionista ha participado en Los secretos de la inocencia, Criaturas hermosas y algún episodio de la serie Wallander, entre otras. Como productor ha hecho lo propio en Criaturas hermosas, la miniserie The Deep y la serie Fortitude, que es la que hoy nos ocupa, mientras que como director solo trabajó en la fallida The Life of Stuff, de 1997. Fortitude ha supuesto para el todo un desafío, viendo sus esfuerzos recompensados con la renovación de la serie para una segunda temporada, que les aseguro que no me perderé.

La serie: Si deciden echar un vistazo por la red y leer diversas opiniones sobre el producto del que hoy les hablo, encontrarán bastantes que la calificarán de muy lenta, excesivamente fría y varios calificativos similares. Lo único que se me ocurre tras disfrutar su primera temporada "completa", es que la mayoría de estos comentarios y críticas han sido realizados tras ver, no mas de dos o tres episodios a lo sumo, lo que explicaría la opinión que ha dejado en ellos. Pero ojo, no quiero decir con esto que yo posea la verdad absoluta, sino que me cuesta mucho entender que viendo los doce episodios que componen dicha temporada, la opinión sea la misma que viendo solo los primeros, ya que en Fortitude todo muta con el paso del tiempo, muy poco a poco al principio, no le quepa duda, pero de forma firme e inexorable, hasta convertirse en un producto muy alejado del que en un principio parece.

Les comento esto porque yo mismo, tras leer la opinión de varios aficionados y críticos, era bastante reacio a comenzar a verla y la he tenido en cuarentena un tiempo, e incluso les puedo asegurar que tras ver los dos primeros episodios (el piloto de casi dos horas) en una noche, me planteé la posibilidad de abandonarla, algo que a día de hoy me alegro de no haber hecho, ya que me hubiera perdido uno de los productos mas completos que he disfrutado últimamente. Lo que ocurre es que el desarrollo de los personajes es el gran protagonista de sus inicios, dando una imagen un tanto errónea de su verdadero espíritu, pero una vez nos familiaricemos con ellos y la historia comience a mostrarse tal cual en realidad es, resultará poco menos que imposible abandonarla.

Fortitude posee una riqueza fuera del alcance de muchos productos similares, algo que iremos descubriendo con el paso de los episodios. En ella no existen tramas paralelas absurdas, personajes poco desarrollados o, como yo suelo llamarlos, de relleno, ni fuegos de artificio innecesarios. Comienza como un drama un tanto desesperante, por la aparente falta de sucesos, la lentitud con la que nos llega la información y la falta de conocimiento que tenemos de sus protagonistas, pero poco a poco se revela como una historia llena de intriga, en la que cualquiera de sus personajes puede parecer culpable o inocente, con ciertos toques de thriller y ciencia ficción, capaz de crear la necesidad del espectador de saber el porqué de mil y un detalles que irán despertando nuestra curiosidad.

Su guión, en el que hasta el momento han trabajado Stephen Brady, Tom Butterworth, Simon Donald, Chris Hurford y Ben Richards, puede dar la impresión de ser anodino y bastante tramposo en un principio, pero el paso de los episodios demostrará que esto es solo una ilusión, tejiendo una historia compleja pero nada difícil de seguir. En cuanto a los directores, el que me haya leído sabrá que no soy partidario del constante cambio en una serie, pero la verdad es que Sam Miller, Hettie Macdonald, Nick Hurran y Richard Laxton, que hasta ahora han participado en la serie, han sabido preservar el espíritu y las señas de identidad de esta, por lo que la verdad es que no se nota en exceso.

En la mayoría de los apartados técnicos, la serie brilla de forma indiscutible. En la fotografía han participado John Conroy, David Luther, Christopher Ross y Gary Shaw, dejándonos multitud de imágenes para el recuerdo. Los paisajes son de enorme belleza, siendo plasmados en la serie con maestría, además de utilizar con habilidad esa confusa mezcla de enorme tranquilidad, aparente inocencia y enorme incomunicación que dan los paisajes nevados, en los que el hielo y el blanco impoluto dominan a su antojo. Las localizaciones elegidas no podrían ser mejores, proporcionando a la historia el escenario ideal para su desarrollo. En cuanto a la banda sonora, esta es responsabilidad de Ben Frost (In Her Skin, The deep, Sleeping Beauty, Frost), que fiel al tipo de música que ha utilizado en otras ocasiones, nos entrega una música oscura y amenazante, muy a tono con la serie. Destaca el tema con el que comienza cada capítulo, Peeling Off The Layers del dúo sueco Wildbirds & Peacedrums, que podéis escuchar tras el trailer.

El reparto de la serie es, como en un gran número de apartados, un crisol de diferentes nacionalidades que en su inmensa mayoría realiza un trabajo soberbio. Es un trabajo de esos en los que resulta destacar un protagonista absoluto, por lo que nombraré los mas destacados: Sofie Gråbøl, a la que recordaréis de la brillante Forbrydelsen de la que os hablamos aquí, interpreta a Hildur Odegard, la Gobernadora del lugar cuya mano derecha es el sheriff Dan Anderssen, al que da vida Richard Dormer; Jessica Raine y Nicholas Pinnock interpretan a Jules y Frank, un matrimonio que vive con su hijo; Sienna Guillory y Luke Treadaway dan vida a los científicos Natalie y Vincent, mientras que Stanley Tucci es Eugene Morton, un inspector ex-agente del FBI enviado a la zona y Michael Gambon es Henry Tyson, un fotógrafo de edad avanzada diagnosticado con cáncer de hígado que espera su final. Mención especial para la guapísima y talentosa española Verónica Echegui, que da vida a Elena Ledesma, que regenta el pequeño hotel del lugar.

Conclusión: Fortitude es un trabajo cuyo mayor pecado es crear un piloto muy largo y que puede resultar un tanto anodino y desconcertante, aunque a la larga resulte muy efectivo para tener una buena base y conocer bien a sus personajes. No es el tipo de producto que embelesa desde el primer instante, algo que si consiguen sus hermosos escenarios naturales, pero si tenemos algo de paciencia, seremos ámpliamente recompensados con una serie muy completa y adictiva, excelentemente ambientada e interpretada, que merece la pena disfrutar. Lógicamente, ya es vuestro gusto el que decide, pero yo en vuestro lugar le daría una oportunidad. Sed felices, que no es poco.

Os dejo el trailer en inglés, un teaser en castellano y el tema Peeling Off The Layers, con el que da comienzo cada episodio.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - La historia de siempre
Año - 2009
Duración - 11 min.
País - España
Director - José Luis Montesinos
Guión - José Luis Montesinos
Música - Marc Martin
Fotografía - Marc Zumbach
Montaje - José Luis Montesinos
Producción - Arturo Méndiz
Productora - Bastian Films
Género - Drama, Cortometraje
Reparto - Miguel Ángel Jenner, Ángel de la Guarda, Chus Leiva, Roger Batalla, Alzira Gómez, Graham Roberts
Web oficial: https://lahistoriadesiempre.wordpress.com/

Sinopsis: La conversación telefónica de un hombre tiene en vilo a todos los pasajeros del autobús en el que viajan. Habla con su mujer, la cual le abandonó hace ya un mes. Ella está en su casa. Él va a ayudarla a encontrar algo que se dejó olvidado al hacer la maleta, pero sobre todas las cosas va a intentar tener una segunda oportunidad cambiando la vida de todos los que le rodean.

El director:José Luis Montesinos nace en 1978 en Tarragona, estudia Ingeniería en Imagen y Sonido en la Escuela La Salle Bonanova de la Universidad Ramon Llull. Al mismo tiempo se gradúa en Dirección en Cinematografía en el Centro de Estudios Cinematográficos de Catalunya (CECC). Con experiencia en la dirección de spots publicitarios, ha sido realizador de Televisió de Catalunya en diferentes programas. Actualmente ejerce de guionista en diferentes productoras de varios largometrajes para cine y es realizador de TV. Es responsable de los cortometrajes Final (2003), Fest. A la hora de ganar todo vale (2008), Matagatos (2010) y El corredor (2014), además del que hoy nos ocupa.

El cortometraje: Resulta curioso comprobar como en la mayoría de reseñas y críticas que he leído sobre La historia de siempre, sus autores se encargan de dejar claro que odian el comportamiento de esas personas que viven pendiente de la vida de los que los rodean, algo en lo que me incluyo, sin lugar a dudas, pero realmente hay algo en el ser humano (hablo en general) que lo incita a saber que ocurre a nuestro alrededor, incluso a las personas con las que nos cruzamos, aunque no sepamos absolutamente nada de ellas, aunque sea la primera y la última vez que vayamos a tenerlos al lado. Es algo que va unido a nosotros, a como somos, a nuestra naturaleza, algo que casi nadie reconoce, pero que le ocurre a una gran mayoría. Podéis llamarlo como queráis, pero hay escenas que hacen salir el pequeño voyeur que llevamos dentro, algo que en este trabajo está perfectamente representado y que hace que parezca tan cotidiano y real.

Su premisa es tan sencilla como creíble, un señor que comienza una conversación telefónica en un tono elevado durante un viaje en un autobús urbano, que en principio molesta a la mayoría del pasaje, pero que al revelar su naturaleza, hace que estos necesiten saber como acabará. Una buena historia del propio José Luis Montesinos, unos actores que realizan un trabajo soberbio, sobre todo el del actor de doblaje Miguel Ángel Jenner, hasta ahora la voz de actores como Samuel L. Jackson o Jean Reno, entre otros, que aquí interpreta el papel protagonista de forma magistral y un final inesperado que enriquece el conjunto y lo hace mas completo si cabe, dan como resultado un cortometraje brillante que toca en diez minutos una infinidad de temas de rabiosa actualidad. Para no perdérselo.

Mencionar que está producido por Bastian Films y ha sido galardonado con 130 premios a nivel Nacional e Internacional, entre los que destacan Festivales como Málaga, Medina del Campo, Mieres, Trieste, Hong Kong, Rhode Island, etc.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Vimeo

Título original - Barry Lyndon
Año - 1975
Duración - 183 min.
País - Reino Unido
Director - Stanley Kubrick
Guión - Stanley Kubrick, basándose en una novela de William Thackeray
Música - Leonard Rosenman, Varios
Fotografía - John Alcott
Montaje - Tony Lawson
Producción - Jan Harlan, Stanley Kubrick y Bernard Williams
Productora - Warner Bros / Hawk Films
Género - Drama
Reparto - Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Leon Vitali, Patrick Magee, Mary Kean, Philip Stone, Hardy Krüger, Gay Hamilton, Wolf Kahler, Steven Berkoff, Murray Melvin, André Morell, Diana Loerner, Frank Middlemass, Arthur O'Sullivan, Leonard Rossiter

Cuando en 1975, el inolvidable Stanley Kubrick estrenó Barry Lyndon, esta había sido precedida por la legendaria 2001: Una Odisea del Espacio y la controvertida La naranja mecánica, por lo que no obtuvo resultados tan favorables como las mencionadas, a pesar de lo cual se llevó cuatro Oscar. El enorme cambio de registro no fue recibido bien por parte del público, notándose mucho en sus resultados en taquilla. El inexorable paso del tiempo parece haber ido poniendo a este magnífico cuasi documental sobre la vida en el siglo XVIII en el lugar que le corresponde, ya que como casi todo lo que hizo el maestro, resulta una excelente experiencia donde se cuida cada detalle con mimo.

Sinopsis: El joven Redmond Barry (Ryan O'Neal), un inocente muchacho que vive en la Irlanda de siglo XVIII, se enamora perdidamente de su descarada prima Nora Brady (Gay Hamilton), que juguetea con el hasta que conoce al mucho mejor situado capitán John Quin (Leonard Rossiter). Tras batirse con el en duelo por su amor, Redmond Barry huye para evitar ser apresado y se acaba enrolando en el ejercito inglés. Seguiremos las peripecias de nuestro protagonista por media Europa, asistiendo a su progresivo ascenso en la sociedad y a su inevitable caída, por su extravagante forma de vida y a sus diferentes y costosos vicios.

El director: Resumir la carrera de uno de los directores mas notables de la historia del cine con unas pocas palabras es poco menos que imposible. Obsesionado con los detalles, como buen fotógrafo que era, nos dejó una no muy prolífica pero brillante filmografía en la que tocó varios géneros totalmente opuestos, entre la que yo destaco títulos como Atraco perfecto (1956), Senderos de gloria (1957), Espartaco (1960), Lolita (1962), ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964), 2001: Una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1971), El resplandor (1980) o La chaqueta metálica (1987). Como pueden comprobar, la escasez de títulos en su filmografía es insignificante ante la enorme calidad media de estos.

La película: Resulta curioso ver como un gran profesional como Kubrick fue capaz de elevar un título que, en manos de otros directores, habría pasado sin pena ni gloria a la historia del cine. Su enorme cuidado en cada detalle, su obsesión con encontrar las localizaciones idóneas y con elegir el plano mas adecuado para cada momento, hacen de este un título inigualable, en el que hay que tener en cuenta varias cuestiones para comprender lo que el cineasta buscaba, algo que consiguió sobradamente. Entre sus detractores encontraréis quien se queje del reparto elegido, del uso que se hace de la voz del narrador, del exceso de metraje, del uso y volumen de la música clásica utilizada o de la falta de interés de su historia en muchos momentos, aunque en mi modesta opinión, todo ello tiene el fin de mostrar el cuadro que el cineasta quería.

Digo esto porque muchos espectadores se disponen a ver este trabajo como lo que no es, aunque en muchos momentos lo parezca. En Barry Lyndon encontramos drama, comedia, alguna que otra aventura y poco mas, pero el espíritu de la película no es otro que realizar un retrato de la Europa de la época, de la forma de vida de sus diferentes clases sociales y las enormes desigualdades entre ellas, de sus eternos conflictos entre naciones. Hay que tener en cuenta que en muchos momentos parece un documental, por lo que si no te atrae mucho la vida de la época, un tanto aburrida principalmente en las clases sociales mejor situadas, ni la música clásica, creo que esta no es la mejor película que ver.

Otra cosa a tener en cuenta es la obsesión del director por mostrar los detalles de la vida en el siglo XVIII, algo que lo lleva, por ejemplo, a no elegir un personaje principal ni un actor en el que abunden las virtudes, muy alejado del típico héroe utilizado en muchos trabajos que pueden parecer similares, que no atrae toda la atención para si. Stanley Kubrick siempre tuvo la intención de rodar una película sobre la vida de Napoleón, idea que tuvo que dejar de lado por el alto coste necesario para realizarla tal como el quería. Gran parte del trabajo que había realizado de pre-producción fue dirigido hacia Barry Lyndon, una película en el que se realizó un trabajo enorme en todos y cada uno de sus apartados.

La fotografía fue encargada a John Alcott (Greystoke, la leyenda de Tarzán, el rey de los monos, La jauría del vicio, Distrito Apache), cuyo trabajo junto al director le dio los mejores resultados de su carrera en películas como El resplandor o La naranja mecánica. En ella destacan detalles como la utilización de solo la luz natural que dan las velas en las escenas de interior, para lo que utilizó unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (apertura máxima de f/0,7) que fueron inicialmente realizados para la NASA. El vestuario (Ulla-Britt Sôderlund y Milena Canonero) fue confeccionado siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente y contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses. La banda sonora fue realizada con todo lo que el director recopiló sobre la época, añadiéndole composiciones de Leonard Rosenman (Grandes horizontes, El señor de los anillos de 1978, Argo). Como veréis, todos ellos vienen a dejar a las claras el enorme esfuerzo realizado en todas y cada unas de las facetas, algo que no todos los espectadores valorarán por igual.

El reparto de la película es uno de los puntos en los que algunos aficionados y críticos coinciden en señalar como no ser el mas idóneo. Lo cierto es que la elección de Ryan O'Neal para interpretar a nuestro protagonista puede no gustar a algunos, principalmente por la escasa expresividad del actor, pero como os he comentado con anterioridad, creo que el realizador buscaba un actor no excesivamente carismático que pasara bien por lo que el personaje es, un vividor con escasas virtudes morales. Del resto del reparto destaca el trabajo de Marisa Berenson, que da vida a Lady Honoria Lyndon, la condesa a la que Barry seduce y de la que obtiene su noble apellido. El resto realiza una buena labor, aunque tampoco calificable como excesivamente brillante.

Conclusión: Barry Lyndon es un trabajo en el que las imágenes, la música y la ambientación son los verdaderos protagonistas, siendo su historia un elemento utilizado para dar un recorrido por la Europa del siglo XVIII. La mejor muestra de ello es que los cuatro Oscars que consiguió (Fotografía, dirección artística, banda sonora adaptada, vestuario), así lo reconocen, no consiguiendo ni el de Mejor película, director ni guión adaptado. Un trabajo muy distinto a obras como 2001: Una odisea del espacio, La naranja mecánica, El resplandor o La chaqueta metálica, en el que hay que saber valorar sus múltiples virtudes y perdonar sus escasos defectos, que merece la pena disfrutar como representante de un cine que ya no se realiza, un cine en el que cada detalle estaba calculado al milímetro. El cine del maestro Stanley Kubrick.

Os dejo el trailer de la película y su excelente banda sonora, ineludible si os gusta la música clásica.

Fuentes consultadas: Filmaffinitty, Imdb, Wikipedia y Youtube

Título original - Scoop
Año - 2006
Duración - 91 min.
País - Reino Unido
Director - Woody Allen
Guión - Woody Allen
Música - Varios
Fotografía - Remi Adefarasin
Montaje - Alisa Lepselter
Producción - Letty Aronson y Gareth Wiley
Productora - Coproducción GB-USA; BBC Films / Focus Features / Ingenious Film Partners
Género - Comedia, Romance
Reparto - Woody Allen, Scarlett Johansson, Hugh Jackman, James Nesbitt, Ian McShane, Romola Garai, Kevin McNally
Web oficial - http://www.scoopmovie.net/

Scoop es el segundo trabajo de Woody Allen y Scarlett Johansson juntos, tras la maravillosa Match Point (2005). En esta ocasión, el veterano director escribe, dirige y actúa en una comedia romántica cuyo reparto principal lo completa el todo terreno Hugh Jackman. Un trabajo ameno y divertido que no exige prácticamente ningún esfuerzo al espectador, que solo ha de poner hora y media de su valioso tiempo, recibiendo a cambio un rato de diversión como hacía tiempo que el prolífico director no nos regalaba. Ideal para la época en la que se estrenó, un caluroso verano en el que raramente encontramos excesivos productos de calidad en las salas.

Sinopsis: Sondra Pransky (Scarlett Johansson) es una estudiante de periodismo estadounidense que durante unas vacaciones en Londres trata de entrevistar a un famoso director. Un día asiste al espectáculo de un mago de tercera que se hace llamar "Splendini" (Woody Allen) que la hace subir al escenario como colaboradora. Esperando a que el mago realice su truco, se le aparece el espíritu de un famoso periodista recién fallecido Joe Strombel (Ian McShane), con la intención de darle una gran exclusiva, la identidad del asesino del tarot, que tiene desconcertada a la policía. Este no es otro que el hijo de un Lord inglés llamado Peter Lyman (Hugh Jackman), por lo que Sondra intentará que el mago la ayude a desenmascararlo, para así conseguir su primera gran exclusiva.

El director: Woody Allen es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense, ganador del Óscar en cuatro ocasiones. Considerado como uno de los mas influyentes y prolíficos de la era moderna, ha producido desde 1969 un total de 45 películas, regalándonos desde entonces un trabajo anual. Sus grandes influencias cinematográficas están en directores europeos como Ingmar Bergman o Federico Fellini, y también en comediantes como Groucho Marx o Bob Hope. Señalar sus mejores trabajos es una cuestión de enorme dificultad, ya que según el gusto del espectador estos varían considerablemente, pero si tuviera que recomendar varios títulos imprescindibles serían: Annie Hall (1977), Manhattan (1979), La rosa púrpura del Cairo (1985), Hannah y sus hermanas (1986), Delitos y faltas (1989), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway (1994), Desmontando a Harry (1997), Match Point (2005), Midnight in Paris (2011) y Blue Jasmine (2013), aunque seguro que olvido alguna.

La película: Scoop es un trabajo que ha dejado en mi sensaciones encontradas, aunque no quiero que crean que con esto quiero decir que no merezca la pena disfrutarla, algo de lo que no deben tener ninguna duda. Por una parte resulta un tanto simple en comparación con algunas de sus mejores obras, algo que para algunos puede ser incluso una virtud, echando de menos al Allen mas rebuscado y extravagante. Por otro lado, me ha hecho pasar uno de los mejores ratos que una comedia ha conseguido últimamente, sobre todo en las partes donde el interviene como actor, repletas de momentos realmente conseguidos y muy, muy divertidos, aunque ya saben como es esto del humor, lo que a unos les hace gracia a otros los deja indiferentes. Lo cierto y verdad es que viendo como está el panorama cinematográfico en el género, creo que esta es una excelente opción, de las mejores diría yo.

Lo que mi atrofiada mente no alcanza a comprender es como se compara este trabajo con otros muchos mas serios como Match Point. Es como si dan por hecho que viendo una película dirigida por este señor, ya las has visto todas, cuando en realidad ha realizado cine muy diferente durante su carrera, con su toque particular y característico, claro está, pero ni mucho menos igual, como muchos quieren hacernos creer. Si tengo que comparar esta película con alguna anterior o nombrar alguna que tenga puntos en común con la que hoy nos ocupa, esta sería Misterioso asesinato en Manhattan, en la que se realiza una mezcla de géneros similar. El humor y la intriga van de la mano en todo momento, aderezados con ligeros toques románticos, para mostrarnos una historia sencilla, muy divertida y con la duración justa.

Pero no se yo por que razón, hace tiempo que parte de la crítica quiere enterrar a este prolífico realizador que, como poco, nos entrega una película entretenida una vez al año, dándonos además de vez en cuando una grata sorpresa, realizando algún que otro trabajo que sobresale de la media. Su guión usa la sencillez como un atributo positivo, contándonos una historia bien hilvanada, con excelentes y divertidos diálogos al estilo del realizador e incluso cerrado con eficacia y brillantez. No hay aquí eternos dilemas morales, luchas existenciales, ni nada que se le parezca, sino una comedia ligera muy efectiva y fácil de digerir. Lo que si hay son pequeños guiños al cine de Bergman, al de Hitchcock y al que el propio realizador ha ido regalándonos durante todos estos años, que no voy a revelar aquí uno por uno.

La fotografía es obra de Remi Adefarasin (La mansión encantada, Amazing Grace, Elizabeth: La edad de oro, The Pacific), que repite junto a Allen tras Match Point (2005). Nos muestra una ciudad de Londres con tonos generalmente claros y muy luminosos, mostrando además la enorme belleza de su campiña, muy alejados de la imagen que normalmente se le da a la hermosa ciudad. El montaje es obra de Alisa Lepselter, que no ha faltado en una obra del realizador desde que, a punto de comenzar el nuevo milenio, debutó junto a el en Acordes y desacuerdos (1999), trabajando ya ambos de memoria. En cuanto a la banda sonora, en ella encontramos una gran variedad de temas y géneros, destacando los mas clásicos de Tchaikovsky, Johan Strauss Jr. o Khachaturian, además de temas de samba, tango, rumba, bossanova, etc.

Lo bueno que debe tener ser Woody Allen, es que casi todos los actores y actrices trabajarían con el con los ojos cerrados, o al menos una inmensa mayoría. En esta ocasión ha vuelto a rodearse muy bien, repitiendo con una Scarlett Johansson que interpreta a Sondra Pransky, una ingenua y enamoradiza estudiante de periodismo que muestra de vez en cuando sus encantos tras su inocente apariencia. Su química con Allen es indiscutible, aunque a diferencia de en otras ocasiones, la relación entre la guapetona y el maduro es en esta ocasión paternal. Con quien esa relación es mas romántica es con un Hugh Jackman que da vida a Peter Lyman, un ricachón de buena familia señalado como el asesino que busca la policía por el espíritu del periodista Joe Strombel, al que interpreta el bueno de Ian McShane. Woody Allen se vuelve a interpretar a si mismo, devolviéndonos a su versión mas simpática y humorística.

Conclusión:Scoop es una comedia ligera ideal para pasar un buen rato sin excesivos esfuerzos. Su sencillez nos devuelve al Woody Allen mas cómico, por lo que si no te gusta el tipo de humor que realiza, mas vale que busques algo en otra dirección. Por mi parte, me ha hecho reírme como hacía ya tiempo que no lo hacía, por lo que no puedo mas que recomendar su visionado, aunque he de advertirles que no esperen encontrar al Allen de otros trabajos como Blue Jasmine o Match Point, ya que hacerlo sería llevarse una decepción de lo mas absurda. Entretenimiento puro al estilo de Misterioso asesinato en Manhattan, siempre salvando las distancias y con Scarlett Johansson en vez de Diane Keaton como compañera de aventuras. Ideal para un rato de diversión y un buen bol de palomitas. Dios (o lo que haya ahí arriba) nos cuide a Woody Allen por muchos años, porque el día en que nos deje, lo echaremos de menos y mucho. Por cierto, mas quisieran la mitad de las comedias actuales hacerme reír solo la mitad de lo que consigue este "Allen menor", como fue llamado por este trabajo por parte de la crítica.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Pan (Viaje a Nunca Jamás) - Joe Wright (2015) Estados Unidos

Guión - Jason Fuchs (Personajes: J.M. Barrie)
Música - John Powell
Fotografía - John Mathieson, Seamus McGarvey
Reparto - Levi Miller, Garrett Hedlund, Hugh Jackman, Rooney Mara, Amanda Seyfried, Adeel Akhtar, Nonso Anozie, Cara Delevingne, Kathy Burke, Jack Lowden, Jimmy Vee, Phill Martin, Ami Metcalf, Jack Charles
Productora - Berlanti Productions / Dune Entertainment; Distribuida por Warner Bros.
Género - Fantástico. Acción. Aventuras | Cuentos. 3-D. Precuela

Sinopsis - Peter, un chico rebelde de 12 años, ha pasado toda su vida en un sombrío orfanato de Londres. Durante una noche delirante, se ve transportado desde el orfanato a un mundo fantástico de piratas, guerreros y hadas llamado Nunca Jamás. Mientras vive extraordinarias aventuras, intenta descubrir por qué su madre lo abandonó en el orfanato después de nacer. En compañía de la guerrera Tigrilla y de su nuevo amigo el Capitán Garfio, Peter debe derrotar al implacable pirata Barbanegra para salvar el país de Nunca Jamás y descubrir su auténtico destino: convertirse en el héroe que será conocido para siempre con el nombre de Peter Pan.

Yo, él y Raquel - Alfonso Gomez-Rejon (2015) Estados Unidos

Guión - Jesse Andrews
Música - Brian Eno, Nico Muhly
Fotografía - Chung-hoon Chung
Reparto - Thomas Mann, Olivia Cooke, RJ Cyler, Nick Offerman, Connie Britton, Molly Shannon, Jon Bernthal, Katherine C. Hughes, Matt Bennett, Masam Holden, Bobb'e J. Thompson, Chelsea T. Zhang, Gavin Dietz, Edward DeBruce III
Productora - Fox Searchlight Pictures / Indian Paintbrush
Género - Drama. Comedia | Comedia dramática. Adolescencia. Enfermedad. Amistad. Cine independiente USA

Sinopsis - Greg está pasando el último año del instituto de la forma más anónima posible, evitando las interacciones sociales, mientras secretamente hace extrañas películas con Earl, su único amigo. Pero todo comenzará a cambiar cuando su madre le obliga a hacerse amigo de una compañera de clase con leucemia.

Golpe de Estado - John Erick Dowdle (2015) Estados Unidos

Guión - Drew Dowdle, John Erick Dowdle
Música - Marco Beltrami, Buck Sanders
Fotografía - Dana Gonzales, Léo Hinstin
Reparto - Pierce Brosnan, Owen Wilson, Lake Bell, Sterling Jerins, Spencer Garrett, Claire Geare, Byron Gibson, Russell Geoffrey Banks, Jim Lau, Sahajak Boonthanakit, Karen Gemma Dodgson, Bonnie Zellerbach
Productora - Bold Films / Brothers Dowdle Productions / Living Films
Género - Thriller

Sinopsis - En su casa en un país del Sudeste Asiático, una familia estadounidense se encuentra atrapada en medio de un violento golpe de Estado. Desesperadamente intentarán escapar de un ambiente en el que los extranjeros, como ellos, son inmediatamente ejecutados.

El Club - Pablo Larraín (2015) Chile

Guión - Guillermo Calderón, Daniel Villalobos
Fotografía - Sergio Armstrong
Reparto - Roberto Farias, Antonia Zegers, Alfredo Castro, Alejandro Goic, Alejandro Sieveking, Jaime Vadell, Marcelo Alonso
Productora - Fabula
Género - Drama | Religión. Abusos sexuales

Sinopsis - Cuatro hombres conviven en una retirada casa de un pueblo costero, bajo la mirada de una cuidadora. Los cuatro hombres son curas y están ahí para purgar sus pecados. La rutina y tranquilidad del lugar se rompe cuando llega un atormentado quinto sacerdote y los huéspedes reviven el pasado que creían haber dejado atrás.

La playa de los ahogados - Gerardo Herrero (2015) España

Guión - Domingo Villar, Felipe Vega (Novela: Domingo Villar)
Música - Lucio Godoy
Fotografía - Alfredo Mayo
Reparto - Carmelo Gómez, Antonio Garrido, Tamar Novas, Celso Bugallo, Celia Freijeiro, Marta Larralde, Luis Zahera, Carlos Blanco, Pedro Alonso, Fernando Morán
Productora - Tornasol Film / Foresta Films / Milou Films
Género - Intriga. Cine negro. Thriller

Sinopsis - Una mañana, el cadáver de un marinero es arrastrado por la marea hasta la orilla. Si no tuviese las manos atadas, Justo Castelo sería otro de los hijos del mar que encontró su tumba entre las aguas mientras faenaba. Pero el océano nunca ha necesitado amarras para matar. Sin testigos ni rastro de la embarcación del fallecido, el inspector Leo Caldas se sumergirá en el ambiente marinero del pueblo, tratando de esclarecer el crimen entre hombres y mujeres que se resisten a desvelar sus sospechas y que, cuando se decidan a hablar, apuntarán en una dirección inesperada.

El coro - François Girard (2014) Estados Unidos

Guión - Ben Ripley
Música - Brian Byrne
Fotografía - David Franco
Reparto - Garrett Wareing, Dustin Hoffman, Kathy Bates, Eddie Izzard, Kevin McHale, Josh Lucas, Debra Winger, River Alexander, Erica Piccininni, Grant Venable, Mackenzie Wareing, Jordan Fargo
Productora - Informant Films / Informant Media
Género - Drama | Música

Sinopsis - Un niño de once años de edad, en una prestigiosa escuela de música de la Costa Este, choca con el exigente maestro del coro de la escuela (Dustin Hoffman).

Taxi Teherán - Jafar Panahi (2015) Irán

Guión - Jafar Panahi
Reparto - Documentary, Jafar Panahi
Productora - Jafar Panahi Film Productions
Género - Documental. Drama | Road Movie. Drama social. Falso documental

Sinopsis - Un taxi recorre las vibrantes y coloridas calles de Teherán. Pasajeros muy diversos entran en el taxi y expresan abiertamente su opinión mientras son entrevistados por el conductor que no es otro que el director del film, Jafar Panahi. Su cámara, colocada en el salpicadero del vehículo, captura el espíritu de la sociedad iraní a través de este viaje.

Segundo origen - Carles Porta (2015) España

Guión - Marcel Barrena, Carmen Chaves, Bigas Luna, Carles Porta, David Victori (Novela: Manuel de Pedrolo)
Fotografía - Albert Pascual
Reparto - Rachel Hurd-Wood, Andrés Batista, Sergi López, Ibrahim Mané
Productora - Antartida Produccions / ICIC
Género - Ciencia ficción. Terror. Aventuras | Futuro postapocalíptico. Supervivencia

Sinopsis - Alba, una chica blanca de 14 años, y Dídac, un niño negro de 9 son los únicos supervivientes de un holocausto de origen extraterrestre que ha asolado todo el planeta. Mientras se recuperan de la catástrofe, además de tener que adaptarse a un mundo devastado y plagado de cadáveres, se proponen como objetivo la misión de preservar la cultura humana, lo cual implica procrear.

Life Feels Good - Maciej Pieprzyca (2013) Polonia

Guión - Maciej Pieprzyca
Música - Bartosz Chajdecki
Reparto - Dawid Ogrodnik, Kami Tkacz, Dorota Kolak, Arkadiusz Jakubik, Katarzyna Zawadzka, Anna Nehrebecka
Productora - Tramway Film Studio
Género - Drama | Discapacidad

Sinopsis - Mateusz sufre de parálisis cerebral. Tiene 30 años y lleva una vida normal dentro de sus limitaciones. La película narra lo que ha sido su vida, tanto en lo bueno como en lo malo, y el presente, donde, interno en una institución mental, será examinado para determinar su nivel de discapacidad.

Fuentes consultadas: Filaffinity y Youtube

Título original - Cube
Año - 1997
Duración - 92 min.
País - Canadá
Director - Vincenzo Natali
Guión - Vincenzo Natali, Andre Bijelic y Graeme Manson
Música - Mark Korren
Fotografía - Derek Rogers
Montaje - John Sanders
Producción - Colin Brunton, Mehra Meh y Betty Orr
Productora - Cube Libre / The Feature Film Project / The Harold Greenberg Fund / Odeon Films / Ontario Film Development Corporation / Téléfilm Canada / Viacom Canada
Género - Fantástico, Terror, Thriller
Reparto - Maurice Dean Wint, Nicole de Boer, Nicky Guadagni, David Hewlett, Andrew Miller, Wayne Robson, Julian Richings

Nunca olvidare la primera vez que vi esta película. Acababa de cenar con mi pareja y nos disponíamos a hacer zapping para ver que ponían por televisión (que tiempos aquellos en los que se podía ver cine en televisión sin sufrir continuos y eternos cortes publicitarios). Al cambiar de canal vimos como comenzaba una película de la que no sabíamos ni el nombre y muchísimo menos de que trataba, pero como desde el primer instante fue capaz de absorber toda nuestra atención y alimentar nuestra curiosidad, ya nos volvimos a tocar el mando. El resultado fue realmente impactante, ya que nos tuvo pegados a la pantalla hora y media casi sin pestañear. Tras finalizar me entere de que era Cube, esta maravilla hecha con cuatro perras que hoy recordamos para quien no la haya disfrutado aún.

Sinopsis: La película comienza con un grupo de personas que despierta cada una en una habitación diferente con forma de cubo, sin saber ninguna de ellas cuando, como o porque motivo están allí. Se trata de un grupo de personas muy diferentes entre si, que poseen ciertos conocimientos o habilidades propias que no poseen el resto. Tras el lógico aturdimiento inicial, comienzan a investigar y descubren que cada habitación tiene seis salidas, una por cada cara del cubo. También observan una secuencia numérica en cada una de ellas que parece podría ser la clave para poder salir de allí, ya que existen diferentes trampas en ciertas habitaciones que deberán eludir si desean sobrevivir.

El director: Vincenzo Natali es un director de cine y guionista canadiense nacido el 6 de enero de 1969. Tras el éxito que consiguió con Cube en 1997, no volvió a dar señales de vida hasta Cypher (2002), un excelente trabajo de ciencia ficción con Jeremy Northam y Lucy Liu entre su reparto. Tras la comedia fantástica Nothing (2003) y el documental Getting Gilliam (2005), escribió y dirigió un segmento de la brillante Paris, je t'aime (2006). En el resto de su filmografía tenemos Splice: Experimento mortal (2009), Haunter (2013), el corto Darknet (2013) y la participación en las series Hemlock Grove (2013), Hannibal (2013), recientemente cancelada y Darknet (2014), de la que es el creador. También ha participado en The ABCs of Death 2 (2014), escribiendo y dirigiendo uno de los cortos que la forman.

La película:Cube es uno de esos trabajos que sirven como perfecto ejemplo de que lo único que hace falta para que una película funcione es un grupo de profesionales con ganas de trabajar y un buen guión basado en una idea brillante. Tras ella han llegado multitud de trabajos basados en ideas similares y muchos que han utilizado a esta como inspiración o espejo donde mirarse, pero la originalidad no puede ni debe ser compartida, además de que a pesar de que muchas de ellas han tenido y tendrán presupuestos mucho mayores, difícilmente consiguen los resultados que consiguió esta pequeña maravilla.

Y es que resulta realmente complicado hablar de este trabajo sin llegar a meter la pata, ya que se antoja fundamental disfrutarlo sabiendo lo mínimo posible de el. Por mi parte podéis estar tranquilos porque, no solo es que sea una de mis prioridades no chafar la experiencia de ver un trabajo por leer un artículo, algo que quien me haya leído con anterioridad sabe que nunca hago, sino que lo que mas odio a la hora de comentar una película es desvelar detalles haciéndolo, hecho por el que cada vez leo menos críticas antes de ver un film, algo que si suelo hacer a veces después de hacerlo.

Cube no es mas que la escenificación de una idea magistral, bien plasmada en un excelente y completo guión, algo que resulta sencillo mencionar, pero bastante difícil de conseguir, aún teniendo a su disposición presupuestos que invitarían a ello. Esto es algo que por desgracia escasea en los géneros en los que se mueve este trabajo, sobre todo en el fantástico y el terror, que parecen instalados en la mediocridad del grito fácil, la súbita subida de volumen y la total falta de imaginación, algo que si en el terror es importante, en el género fantástico es poco menos que su seña de identidad. Vincenzo Natali, Andre Bijelic y Graeme Manson fueron capaces de plasmar esa gran idea en un libreto que capta nuestra atención al instante, manteniendo en vilo al espectador en todo momento de principio a fin.

Su ritmo es siempre el adecuado, su duración la justa, su desarrollo increíblemente hábil y, para colmo, está brillantemente cerrado, al menos en mi modesta opinión. Pero además de todo ello hay que resaltar la forma en la que el guionista y director retrata al ser humano y a su naturaleza, perfectamente reflejada en un conjunto de personajes muy diferentes entre si, de los que poco o nada sabemos, pero a los que iremos identificando por sus actos, algo que contribuye de forma directa a aumentar a la ya de por si agobiante atmósfera que se respira en cada escueto escenario. La fotografía fue encargada a Derek Rogers (Cypher, Nothing, Resident Evil 2: Apocalipsis), que realiza un buen trabajo, aunque sin excesivas filigranas destacables, al igual que ocurre con el de John Sanders, encargado del montaje del film.

En cuanto al reparto de la película, su nivel general es aceptable, aunque hay que dejar claro que se nota en ciertos momentos que no hablamos de actores y actrices de primer nivel, algo que no creo tampoco una escusa para no disfrutarlo. Se podría decir sin temor a equivocarnos que los actores son meros conductores de una trama, que es la protagonista real del largometraje. Tenemos a Wayne Robson que interpreta a Rennes, el fugitivo; Nicky Guadagni como Helen Holloway, la médico; Maurice Dean Wint como Quentin, el policía; David Hewlett como David Worth, el arquitecto; Andrew Miller como Kazan, el autista y Nicole de Boer, que da vida a Leaven, la estudiante de matemáticas. El reparto lo completa Julian Richings como Alderson, del que no sabremos siquiera a que se dedica en el exterior, por razones que entenderéis cuando veáis la película.

Conclusión: Para que tengáis una idea de si merece la pena o no ver este trabajo, deciros que era tan exiguo el presupuesto con el que contó Vincenzo Natali que la película está filmada en un solo cubo de 14 pies de largo, ancho y alto, en el que se fueron cambiando los colores de los paneles del mismo. Se pretendía utilizar seis colores para ello, pero el presupuesto solo dio para cinco. Solo se construyó otro cubo parcial para las escenas en las que los actores se asomaban a el y no fue filmada de forma secuencial, sino por colores, rodando todas las escenas que se desarrollaban dentro de un cubo de cada color antes de cambiarlo y rodar las siguientes. El resultado no puede ser mejor, la verdad. Buena prueba de ello son los premios que recibió, entre los que destacan el de mejor director (Vincenzo Natali) en el Festival de Toronto, mejor película y mejor guion (Vincenzo Natali, Andre Bijelic, Graeme Manson) en el Festival de Sitges y mejor película en el Festival de cine fantástico de Oporto (Fantasporto). La imaginación y la astucia al servicio del cine, algo que parece escasear últimamente. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia y Youtube

Estrenos de la semana en cines (11/septiembre/2015)

Ensayo de un crimen - Luis Buñuel (1955)

Katyn - Andrzej Wajda (2007)

El cazador (The Deer Hunter) - Michael Cimino (1978)

Fuerza bruta - Jules Dassin (1947)

Estrenos de la semana en cines (18/septiembre/2015)

El ladrón de cadáveres - Robert Wise (1945)

Mad Max: Furia en la carretera - George Miller (2015)

Black Sea (Mar tenebroso) - Kevin Macdonald (2014)

Estrenos de la semana en cines (25/septiembre/2015)

Dark Places (Lugares oscuros) - Gilles Paquet-Brenner (2015)

La muchacha del sendero - Nicolas Gessner (1976)

Rocco y sus hermanos - Luchino Visconti (1960)

Estrenos de la semana en cines (2/octubre/2015)

Fortitude - Simon Donald (2015)

La historia de siempre - José Luis Montesinos (2009)

Barry Lyndon - Stanley Kubrick (1975)

Scoop - Woody Allen (2006)

Estrenos de la semana en cines (9/octubre/2015)

Cube - Vincenzo Natali (1997)