Pinceladas de cine

diabólicas, H.G. Clouzot, Les diaboliques

Título original - Les diaboliques
Año - 1955
Duración - 114 min.
País - Francia
Director - H.G. Clouzot
Guión - H.G. Clouzot, Jérome Géronimi, René Masson y Frédéric Grendel, basado en la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejec
Música - Georges Van Parys
Fotografía - Armand Thirard
Montaje - Carol Littleton
Producción - H.G. Clouzot y Marvin Worth
Productora - Vera Films
Género - Intriga, Thriller
Reparto - Simone Signoret, Véra Clouzot, Paul Meurisse, Charles Vanel, Jean Brochard, Thérèse Dorny, Georges Chamarat, Michel Serrault

Henri Georges Clouzot (en adelante H.G. Clouzot) fue el realizador encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por el mismo junto a Jérome Géronimi, René Masson y Frédéric Grendel, en el que adapta la novela Celle qui n'était plus de Pierre Boileau y Thomas Narcejec. Un excelente thriller psicológico filmado con pulso firme, en el que destaca la magnífica fotografía de Armand Thirard y la actuación de su trío protagonista: Paul Meurisse y sobre todo Simone Signoret y Véra Clouzot. Ocupa un lugar de privilegio en mi lista de las mejores películas francesas de todos los tiempos.

Sinopsis: Michel Delassalle (Paul Meurisse) es el director de un modesto internado en el que convive con Christina (Véra Clouzot), su sufrida esposa y dueña legítima del centro y Nicole Horner (Simone Signoret), una maestra con la que mantiene una relación a los ojos de su esposa. Entre ambas mujeres, antaño rivales por el amor de Michel, ha nacido una relación de amistad que, ante la insoportable situación, las hace decidir que han de hacer algo para no seguir aguantando los constantes maltratos y faltas de respeto que ambas sufren del arrogante y violento sujeto.

El director: H.G. Clouzot fue un director, guionista y productor de cine francés nacido en Niort, el 20 de noviembre de 1907. Con un cine a camino entre el cine clásico francés y la Nouvelle Vague, no fue un revolucionario del lenguaje cinematográfico, pero sí creó atmósferas opresivas y sórdidas en las que se movían sus personajes, habitualmente de instintos primarios y dudosa moral. Entre su filmografía podemos destacar varios títulos: El asesino vive en la 21 (1942), El Cuervo (1943), En legítima defensa (1947), Manon (1949), El salario del miedo (1953), de la que os hablamos en este artículo, Las Diabólicas (1955), El Misterio Picasso (1956), Los Espías (1957) o La Vérité (1960).

La película: El cine francés sigue siendo un gran desconocido para muchos aficionados al cine, que tras alguna que otra mala experiencia (como te toque una mala película échate a temblar) suelen ser muy reáceos a repetir por temor a la enfermedad del sueño, pero en su rica historia podemos encontrar trabajos de una calidad difícilmente mejorable, trabajos como por ejemplo este al que hoy nos dedicamos. Se cuenta que el maestro Hichcock le tenía echado el ojo a la excelente novela de de Pierre Boileau y Thomas Narcejec, autores entre otras de la que dio lugar a la magistral Vértigo, pero el realizador H.G. Clouzot se le adelantó, comprando sus derechos, antes incluso de haber concluido el rodaje de El salario del miedo (1953). La verdad es que no me extraña, porque la historia le venía que ni pintada al bueno de Alfred y su maravillosa forma de ver el cine, pero me atrevería a afirmar sin temor a equivocarme, que el trabajo realizado por Clouzot hubiera sido firmado con gusto por el propio Hichcock, que ya es decir.

Lo cierto es que estamos ante una película que debería visionar detenidamente cualquier realizador actual que tuviese la intención de rodar un thriller, género muy utilizado en la actualidad, pero que en muchas ocasiones es realizado sin tener en cuenta las cualidades principales que ha de tener un trabajo del género: captar y mantener la atención del espectador, grandes dosis de suspense, la utilización de algunos giros en el guión capaces de sorprender, pero a la vez ser resultar creíbles y crear la atmósfera adecuada para ambientar correctamente la historia que se nos muestra. H.G. Clouzot lo consigue aquí con nota, firmando un trabajo realmente completo y muy brillante, que pasa ante nuestros ojos tan rápido como un tren de alta velocidad, señal de que nos ha enganchado desde un primer momento y no nos ha dejado ni un segundo de respiro.

Gran parte de tal brillantez se la debe al magnífico guión que el mismo escribió junto a Jérome Géronimi, René Masson y Frédéric Grendel, que si bien se basa en una excelente novela, es capaz de conservar toda la fuerza y el alma de esta, algo nada sencillo de conseguir, todo sea dicho. Su ritmo es inmejorable, sin que un servidor sea capaz de recordar ni un solo momento en el que este desfallezca o pase por un periodo de estancamiento, su descripción de personajes muy acertada, sus diálogos inteligentes dentro de la sencillez y su final muy acertado, al menos en mi modesta opinión. Además hay que destacar también la maestría con la que H.G. Clouzot lo lleva a la gran pantalla, dejándonos un buen puñado de escenas para el recuerdo y mil y un detalles que son mas sencillos de observar en un segundo visionado, ya que el realizador francés es de esos a los que les gusta ir dejando ciertas pistas o detalles que sirven de leve aviso de lo que nos espera, detalles que en algunas ocasiones pasan inadvertidos para el espectador.

Técnicamente hablando, la película alcanza unos niveles extraordinarios. Destaca la fotografía de Armand Thirard (En legítima defensa, Manon, El enemigo público número 1, Y Dios creó la mujer), que ya había colaborado con el director en El salario del miedo y que aquí realiza una labor que raya la excelencia en todos los aspectos. La atmósfera que consigue crear adoptando detalles del mejor cine negro y el expresionismo alemán, es parte fundamental de los excelentes resultados que se consiguen. El montaje es obra de Carol Littleton, que realiza un trabajo igualmente meritorio, mientras que la banda sonora fue encargada a Georges Van Parys (Delirio de grandeza, Mujeres soñadas, French Cancan), que firma una partitura muy apropiada y correctamente utilizada para la ocasión.

En el reparto de la película destacan sus dos protagonistas femeninas: Véra Clouzot en el papel de Christina Delassalle, una esposa cansada de ser engañada y humillada constantemente y sobre todo Simone Signoret como Nicole Horner, una profesora del internado que, tras ser testigo directo de la actitud de su esposo, ha llegado a forjar una buena amistad con ella. El tercer vértice de este triangulo está ocupado por Paul Meurisse que da vida a Michel Delassalle, esposo de Christina y director del internado, que dirige con mano firme y pocas contemplaciones, arrogante, mujeriego y habituado a maltratar física y psicologicamente a su mujer. Del resto del reparto podemos descargar a Charles Vanel, que interpreta al ex-comisario Alfred Fichet, un personaje que parece metido de una forma un tanto forzada, siendo el único pequeño pero que le encuentro al conjunto de los personajes.

Conclusión: Las diabólicas es una película ideal para los amantes del cine de suspense, que ha llegado a ser todo un clásico en el que se han apoyado multitud de realizadores posteriormente y que sentó las bases de lo que debe ser un buen thriller. Destaca en ella el excelente trabajo de H.G. Clouzot como guionista y director, la excelente fotografía de Armand Thirard y la labor de todo su reparto, principalmente el de su trío protagonista. Un trabajo que con gusto hubiera firmado el propio Alfred Hitchcock, filmado con un ritmo y un temple dignos de admiración, que poco o nada tiene que ver con el remake que realizó Jeremiah S. Chechik en 1996, con Sharon Stone, Isabelle Adjani, Chazz Palminteri y Kathy Bates en los principales papeles y que, aunque es prácticamente calcado excepto en su final, no consigue ni de lejos el excelente ritmo y la magnífica atmósfera de el original nos ofrece. Para no perdérsela, no lo duden.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Título original - The Salvation
Año - 2014
Duración - 92 min.
País - Dinamarca
Director - Kristian Levring
Guión - Anders Thomas Jensen, Kristian Levring
Música - Kasper Winding
Fotografía - Jens Schlosser
Montaje - Pernille Bech Christensen
Producción - Sisse Graum Jørgensen
Productora - Zentropa Productions
Género - Western, Drama
Reparto - Mads Mikkelsen, Eva Green, Jeffrey Dean Morgan, Michael Raymond-James, Sivan Raphaely, Douglas Henshall, Mikael Persbrandt, Jonathan Pryce, Eric Cantona, Alexander Arnold, Nanna Øland
Fabricius, Toke Lars Bjarke

Kristian Levring escribe el guión junto a Anders Thomas Jensen y dirige este nuevo acercamiento a un género que no da muchas alegrías a sus aficionados últimamente, el Western. Con un excelente ritmo, la fotografía de Jens Schlosser y la participación de Eva Green, Mads Mikkelsen y Jeffrey Dean Morgan en sus papeles principales, estamos ante un producto un tanto atípico, pero que alcanza muy buenos resultados. Una muy buena opción para los incondicionales del género y el público en general.

Sinopsis: Jon (Mads Mikkelsen) y su hermano Peter (Mikael Persbrandt) son dos antiguos soldados daneses que emigraron al continente americano tras participar en la guerra contra Alemania, buscando un futuro mejor. Tras siete largos años en los que han conseguido establecerse y vivir honradamente, Joe espera ansioso la llegada de su mujer Marie (Nanna Øland Fabricius) y a su hijo Kresten (Toke Lars Bjarke), para poder continuar con su vida donde tuvo que dejarla. El problema es que el pueblo mas cercano a las tierras donde viven está dominado por el asesino Henry Delarue (Jeffrey Dean Morgan) y sus hombres, algo que les traerá problemas y pondrá a prueba la capacidad de supervivencia de Jon.

El director: Kristian Levring es un director danés nacido el 9 de mayo de 1957. Se trata del cuarto miembro que firmó el Manifiesto Dogma 95 junto a Lars von Trier, Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen. En el 2001 dirigió junto a Lars von Trier y Søren Kragh-Jacobsen el thriller para televisión D-dag - Den færdige film, además de rodar en solitario el drama The King Is Alive (El rey está vivo). Su siguiente trabajo fue el thriller dramático The Intended (2002). Tras un parón de seis años, en cuanto a ficción se refiere, dirigió No me temas (Sin miedo) (2008), un nuevo thriller dramático que supuso su último trabajo anterior a The Salvation, la que hoy nos ocupa.

La película: Basta con echar un rápido vistazo a la corta filmografía de Kristian Levring para darse cuenta que estamos ante un trabajo en el que el realizador cambia drásticamente de registro, algo que me hizo encarar su visionado con ciertos reparos, a lo que acabó ganando el hecho de encontrar en su reparto a Eva Green y Mads Mikkelsen, dos de los actores actuales de los que procuro no perderme nada de lo que hacen, ya que suele significar que tienen un mínimo de calidad bastante alto. El resultado ha sido bastante satisfactorio, ya que aunque queda bastante claro que Levring es un gran aficionado al género y bebe de varias fuentes para realizarla, a la vez consigue darle a su trabajo un estilo propio que no solo me ha convencido, sino que además me ha hecho pasar un buen rato frente a la pantalla, por lo que se me ha hecho incluso corta.

Y es que si me dicen hace una década que uno de los que firmaron el Manifiesto Dogma 95 iba a co-escribir y dirigir un Western, se hubieran oído las carcajadas desde el Vaticano, llegando a atreverme incluso a apostar fuerte en su contra. Por suerte el cine es en muchos aspectos como la vida misma, evoluciona a la vez que lo hacen los que se encargan de realizarlo, algo sin lo que esto resultaría sumamente aburrido y monótono. Yo mismo he de reconocer que, aunque he visto bastantes Westerns en mi vida, muchos de ellos los disfruté cuando aún no tenía edad para juzgarlos como puedo hacerlo ahora, por lo que no es precisamente este el género en el que mejor me desenvuelvo. Solo les comentaré en este aspecto que se notan en este trabajo algunas influencias del gran Sergio Leone, al igual que recuerda en algunas ocasiones al trabajo del maestro Clint Eastwood, aunque como ya les he comentado antes, Levring consigue dar a su producto cierta originalidad y un estilo propio.

El guión, escrito por el propio realizador junto a Anders Thomas Jensen, destaca por su excelente ritmo, que no tarda en engatusar al espectador y mantenerlo pegado a la pantalla, pero sobre todo hay que mencionar la capacidad de este para crear una sensación de desasosiego que le da al largometraje gran parte de su razón de ser, una de sus señas de identidad mas identificativas. Los personajes están bien descritos, aunque no es en su desarrollo donde este mas destaque, algo que tampoco altera la experiencia de forma definitiva. También hay que mencionar que en ningún momento busca originalidad con drásticos cambios de ritmo o grandes giros en el argumento, siendo en la forma en la que nos cuenta su dura historia donde centran sus energías. También me ha agradado la forma en la que se cierra la historia, evitando las exageraciones innecesarias que tanto gustan a algunos y tanta rabia producen en un servidor.

En los aspectos técnicos destaca la fotografía de Jens Schlosser (The King Is Alive, Hearts of Gold, Varg Veum), pilar fundamental para la creación de la atmósfera que nos envuelve en todo momento. Hay que señalar que es bastante mas oscura de lo que solemos ver en el género, algo que le da un toque personal fácilmente reconocible. Del montaje se ha encargado Pernille Bech Christensen, realizando un trabajo sin excesivos alardes pero muy efectivo. La banda sonora ha sido encargada a Kasper Winding (The Riot Club, Den store badedag, Simon and Malou), que aunque sin llegar a la excelencia de algunas de las maravillas que este género nos ha dejado para el recuerdo, si que aprueba con nota, resultando bastante apropiada y bien utilizada en el film.

En su excelente reparto hay que mencionar que el nivel general es bastante aceptable, tanto en lo que se refiere a sus protagonistas principales como a los secundarios. Tenemos a Mads Mikkelsen en el papel de Jon Jensen y Mikael Persbrandt como su hermano Peter. La cantoautora y actriz Nanna Øland Fabricius interpreta a Marie y Toke Lars Bjarke a Kresten, esposa e hijo de Jon respectivamente. Jeffrey Dean Morgan da vida a Henry Delarue, Michael Raymond-James a su hermano Paul y Eva Green a Madelaine, esposa de este último. Eric Cantona interpreta al corso, la mano derecha de Henry. Entre los habitantes del pueblo podemos destacar a Douglas Henshall como el Sheriff Mallick, Jonathan Pryce como el alcalde Nathan Keane y Alexander Arnold como el joven Voichek Borowski, que regenta una pequeña tienda en el pueblo.

Conclusión: The Salvation ha supuesto una agradable sorpresa dentro de un género que no da demasiadas en los últimos tiempos. Los mas incondicionales quizás sigan echando de menos a los clásicos de siempre, intentando compararla con ellos, pero ni Kristian Levring es Leone, Ford o Eastwood ni creo que lo intente siquiera. Personalmente he encontrado un producto muy completo que me ha hecho pasar una agradable rato ante la pantalla, con un ritmo excelente y que no desfallece en ningún momento. Mads Mikkelsen y Eva Green destacan al frente a un reparto bastante competente, que no desentona en exceso en ninguno de sus miembros y la fotografía de Jens Schlosser, junto a la banda sonora de Kasper Winding hacen el resto. Muy recomendable para regresar a un género algo carente de títulos actuales de referencia, con el que se demuestra que aún puede darnos muchas alegrías. Del encorsamiento del movimiento Dogma 95 a darle frescura a un género de los de siempre. Si me lo dicen antes no me lo creo.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

Título original - Murder by Death
Año - 1976
Duración - 94 min.
País - Estados Unidos
Director - Robert Moore
Guión - Neil Simon, a partir de su propia obra de teatro
Música - Dave Grusin
Fotografía - David M. Walsh
Montaje - John F. Burnett
Producción - Ray Stark
Productora - Columbia Pictures
Género - Comedia
Reparto - Alec Guinness, David Niven, Peter Sellers, Peter Falk, Eileen Brennan, Maggie Smith, Truman Capote, James Coco, Elsa Lanchester, Nancy Walker, Estelle Winwood, James Cromwell

Neil Simon adaptó su propia obra de teatro para que Robert Moore dirigiese esta magnífica parodia del género detectivesco y policíaco de toda la vida, a la que llamaron Murder by Death (Un cadáver a los postres en España). La fotografía de David M. Walsh, la banda sonora de Dave Grusin, el vestuario de Anne Roth y un excelente reparto totalmente implicado, hacen de este título una película de culto y una excelente opción para pasar un divertido rato ante la pantalla, de la que podrían tomar nota los realizadores que se dedican a parodiar en la actualidad. Ideal para esos momentos en los que te sientes con el ánimo un tanto apagado, para disfrutar en familia o con amigos. Una delicia, no se la pierdan.

Sinopsis: El excéntrico multimillonario llamado Lionel Twain (Truman Capote) invita a cenar a su castillo a los cinco detectives más importantes de la historia: el chino Sidney Wang (Peter Sellers), el neoyorquino Dick Charleston (Peter Sellers), la inglesa Jessica Marbles (Elsa Lanchester), el belga Milo Perrier (James Coco) y el norteamericano Sam Diamond (Peter Falk). Después de ser recibidos por el mayordomo ciego (Alec Guiness), que los conduce a sus aposentos, Twain les explica durante la cena el motivo de la reunión: a medianoche se producirá un asesinato; el que sea capaz de resolverlo ganará un millón de dólares.

El director: Robert Moore fue un director de cine, teatro y televisión estadounidense nacido en Detroit, Michigan, el 1 de febrero de 1927. Ganador de cinco premios Tony por sus producciones en Broadway, actuó como actor en varias películas, casi todas para televisión. Como director dirigió varios telefilms entre los que podemos destacar La gata sobre el tejado de zinc (1976), The Sunshine Boys (1977) o Annie Flynn (1978). Participó en las series The Bob Newhart Show (1974), Paul Sand in Friends and Lovers (1974) y Rhoda (1974 y 1975). Su trabajo como director en cine abarca solo tres títulos: Un cadáver a los postres (1976), Un detective barato (1978) y Capítulo Dos (1979), aunque la que hoy nos ocupa es para mi la mejor de ellas.

La película: Dentro de la comedia, existe un subgénero que vive de parodiar personajes y situaciones fácilmente reconocibles por la mayoría del gran público. En los últimos tiempos no es precisamente de los mas lucidos, al menos en mi modesta opinión, aunque de vez en cuando nos sorprenden con algún trabajo con cada vez menos imaginación. Creo que lo último que vi medianamente bueno fue una de las primeras de la saga Scary Movie. Pero si echamos la mirada atrás en el tiempo nos ha dejado un buen puñado de títulos en la historia del cine, unos mejor que otros, de los que recuerdo con buen sabor de boca algunos como Top Secret! (1984), Agárralo como puedas (1988), Hot Shots! (1991), La loca historia de las galaxias (1987) o Aterriza como puedas (1980). Pero para encontrar algunas de las que ocupan mi lista de honor hay que retroceder un poco mas hasta llegar a títulos como Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1975), El jovencito Frankenstein (1974) o El baile de los vampiros (1967). Un cadáver a los postres se encuentra en este selecto grupo, por lo que su visionado es para mi mas que recomendable.

En esta ocasión se utiliza uno de esos escenarios mil veces visto ya en el cine: una mansión apartada, un grupo de personas invitadas a pasar una noche o un fin de semana en ella, una enorme sensación de aislamiento y al menos un asesinato cometido por alguno de sus invitados o el misterioso anfitrión. Por todo ello, lo primero que me vino a la mente en cuanto comencé a verla fue la novela policíaca Diez negritos de la escritora británica Agatha Christie, que fue llevada al cine con el mismo título por René Clair en 1945, aunque aquí sus creadores dan una vuelta de tuerca mas y colocan como sus invitados a varios de los mas famosos detectives de la historia, a los que se les ofrece una atractiva suma de dinero por resolver un asesinato que se cometerá allí mismo.

Y es que el excelente guión escrito por Neil Simon, que adapta la novela escrita por ella misma, es capaz de mantener la atención con facilidad y a la vez bombardearnos con un sinfín de escenas y momentos al cual mas divertido, no ya solo por las situaciones que plantea, que también, sino por sus brillantes diálogos que rara vez tienen desperdicio. En el predominan, como no podía ser de otra forma por el tema que parodia, los constantes giros y las continuas vueltas de tuerca cada vez mas rebuscadas. Sus personajes, que como he dicho antes parodian a famosos detectives , a los que cambia el nombre y poco mas, no solo están perfectamente definidos, sino que además guardan mas de una sorpresa que la trama irá desvelando.

Gracias a un buen presupuesto, se encargó la fotografía a David M. Walsh (El dormilón, Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar, La recluta Benjamín) y el montaje a John F. Burnett. Del cuidado vestuario de encargó Anne Roth (Señales, El paciente inglés, El lector, Closer), mientras que Dave Grusin (Good Times, El graduado, Maude Maude, Siempre queda el amor) hizo lo propio con la banda sonora. Todos los apartados fueron meticulosamente mimados, comenzando por los créditos iniciales de la película, realizados por Charles Addams, creador de La familia Addams. Como curiosidad decir que aunque es una película de Columbia Pictures, esta se rodó en los estudios de Warner Bros de Burbank, California.

Como en todos los aspectos de este trabajo, se tuvo especial atención en la elección del magnífico reparto, algo que si es siempre importante, en un título de este tipo se antoja fundamental. Está compuesto por trece actores y actrices: El inspector Sidney Wang (Peter Sellers) es una adaptación del detective Charlie Chan y está acompañado por Willie Wang (Richard Narita), su hijo adoptivo japonés; Dick y Dora Charleston (Peter Sellers y Maggie Smith), inspirados por los detectives Nick y Nora Charles; Milo Perrier (James Coco) inspirado en el célebre detective Hércules Poirot. Es acompañado por su chófer y secretario Marcel Cassette (James Cromwell), en el que es su debut cinematográfico; Sam Diamond (Peter Falk) que parodia al detective Dashiell Hammett Sam Spade, que apareció por primera vez en la novela El halcón maltés. Está acompañado por su secretaria y amante Tess Skeffington (Eileen Brennan); Jessica Marbles (Elsa Lanchester), inspirada en Miss Marple, que viene acompañada por su anciana enfermera, la señorita Withers (Estelle Winwood). El reparto se completa con Lionel Twain (Truman Capote), el anfitrión de la reunión, JamesSeñor BensonSeñora (Alec Guinness), su mayordomo ciego y Yetta (Nancy Walker), la cocinera sordomuda contratada para la ocasión.

Conclusión: Murder by Death (Un cadáver a los postres en España) es uno de esos trabajos que invitan a preparar un buen bol de palomitas y disfrutar como si no existiese mañana. Cine muy recomendable para alejar por un buen rato los problemas que casi todos tenemos en los tiempos que vivimos, que aunque ha notado el paso de los años, no ha perdido gran parte de la chispa que sus creadores fueron capaces de crear con el. Realizado con enorme esmero y cuidando cada detalle, por pequeño que sea, bien merece ser tenido en cuenta en un subgénero que últimamente ha perdido gran parte de la fuerza que tuvo antaño, principalmente porque a día de hoy suelen basarse mas en sus situaciones cómicas que en los diálogos que en ellos se utilizan. Tan solo con poder disfrutar del trabajo de Peter Sellers ya merece la pena.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

La habitación - Lenny Abrahamson (2015) Irlanda

Guión - Emma Donoghue (Novela: Emma Donoghue)
Música - Stephen Rennicks
Fotografía - Danny Cohen
Reparto - Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Megan Park, Amanda Brugel, Sean Bridgers, Joe Pingue, Chantelle Chung, Randal Edwards, Jack Fulton, Kate Drummond
Productora - Film4 / Irish Film Board / Element Pictures
Género - Drama
Nuestra crítica - http://goo.gl/qqDkPI

Sinopsis - Para Jack, un niño de cinco años, la habitación es el mundo entero, el lugar donde nació, donde come, juega y aprende con su madre. Por la noche, mamá lo pone a dormir en el armario, por si viene el viejo Nick. La habitación es el hogar de Jack, mientras que para su madre es el cubículo donde lleva siete años encerrada, secuestrada desde los diecinueve años. Con gran tesón e ingenio, la joven ha creado en ese reducido espacio una vida para su hijo, y su amor por él es lo único que le permite soportar lo insoportable. Sin embargo, la curiosidad de Jack va en aumento, a la par que la desesperación de su madre, que sabe que la habitación no podrá contener ambas cosas por mucho más tiempo.

Brooklyn - John Crowley (2015) Irlanda

Guión - Nick Hornby, basado en la novela de Colm Toibin
Música - Michael Brook
Fotografía - Yves Bélanger
Reparto - Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Julie Walters, Jim Broadbent, Michael Zegen, Mary O'Driscoll, Eileen O'Higgins, Emily Bett Rickards, Paulino Nunes, Eve Macklin, Maeve McGrath, Jenn Murray, Aine Ni Mhuiri, Nora-Jane Noone
Productora - Coproducción Irlanda-GB-Canadá; Wildgaze Films / Parallel Film Productions / Irish Film Board / Item 7
Género - Drama, Romance
Nuestra crítica - http://goo.gl/ddV1aM

Sinopsis - En los años 50, la joven Eilis Lacey decide abandonar Irlanda y viajar a los Estados Unidos, concretamente a Nueva York, donde conoce a un chico del que se enamora. Pero un día, a Eilis le llegan noticias de un grave problema familiar y tendrá que decidir entre quedarse en su nuevo país o volver a su tierra natal.

13 Horas: Los soldados secretos de Bengasi - Michael Bay (2016) Estados Unidos

Guión - Chuck Hogan, basado en el libro de Mitchell Zuckoff
Música - Lorne Balfe
Fotografía - Dion Beebe
Reparto - James Badge Dale, John Krasinski, David Denman, Pablo Schreiber, Max Martini, Freddie Stroma
Productora - Paramount Pictures / 3 Arts Entertainment
Género - Thriller. Acción | Terrorismo. Política. Basado en hechos reales
Web oficial - http://www.thirteenhoursmovie.com/

Sinopsis - Película sobre sobre el asalto terrorista al consulado estadounidense en la ciudad libia de Bengasi el 11 de septiembre de 2012. El film se centra en el equipo de fuerzas especiales de rescate.

Tenemos que hablar - David Serrano (2016) España

Guión - Diego San José, David Serrano
Fotografía - Juan Carlos Gómez
Reparto - Michelle Jenner, Hugo Silva, Verónica Forqué, Belén Cuesta, Óscar Ladoire, Ernesto Sevilla, Ilay Kurelovic, Roberto Álamo
Productora - Atípica films / Atresmedia Cine
Género - Romance, Comedia

Sinopsis - Nuria (Michelle Jenner) lo tiene todo para ser feliz: un buen trabajo, una casa maravillosa y un novio perfecto que le acaba de pedir matrimonio. Lo tiene todo, excepto un pequeño detalle: los papeles del divorcio de su anterior pareja, Jorge (Hugo Silva). Jorge, en cambio, está en paro, su casa se cae a pedazos y no tiene novia. Ella ha conseguido pasar página, pero él sigue traumatizado porque en los años más duros de la crisis hizo que los padres de Nuria (Verónica Forqué y Óscar Ladoire) se arruinaran recomendándoles invertir en preferentes del banco en el que trabajaba. Como no quiere terminar de hundir a Jorge, Nuria elabora un plan un poco peculiar: animarle todo lo que pueda haciéndole creer que ella tampoco ha pasado página, y que sus padres están mejor que nunca para que, en cuanto le vea más fuerte, pedirle el divorcio.

El bosque de los suicidios - Jason Zada (2016) Estados Unidos

Guión - Nick Antosca, Sarah Cornwell, David S. Goyer, Ben Ketai
Música - Bear McCreary
Fotografía - Mattias Troelstrup
Reparto - Natalie Dormer, Taylor Kinney, Yukiyoshi Ozawa, Eoin Macken, Rina Takasaki, Kikuo Ichikawa, Noriko Sakura, Yûho Yamashita, Stephanie Vogt, James Owen, Nadja Mazalica, Terry Diab
Productora - Gramercy Pictures / Lava Bear Films
Género - Terror, Thriller

Sinopsis - Sara es una chica estadounidense que busca a su hermana gemela desaparecida en el bosque Aokigahara, a los pies del Monte Fuji en Japón. A pesar de las advertencias de todo el mundo para que no entre en el bosque, la joven acaba yendo para descubrir la verdad sobre lo sucedido y averiguar el destino de su hermana. Sin embargo, se tendrá que enfrentar a almas atormentadas y muertos que se aprovechan de cualquier persona que vaga por ese bosque.

La decisión de Julia - Norberto López Amado (2015) España

Guión - Rafa Russo
Música - Pedro Navarrete
Fotografía - Juan Molina
Reparto - Marta Belaustegui, Fernando Cayo, Josean Bengoetxea, Yolanda Ulloa
Productora - Liquid Works
Género - Drama
Web oficial - http://ladecisiondejulia.com/

Sinopsis - Julia acude a un hotel del centro de Madrid con una pequeña maleta como único equipaje y elige para alojarse la misma habitación en la que hace más de veinte años vivió una una experiencia vital que no ha podido olvidar. Una canción de Leo Ferré llega a sus oidos desde la habitación de al lado. La risa y la felicidad traspasan las finas paredes haciendo que un tiempo feliz renazca en su cabeza. Llaman a la puerta y abre tranquila a sus esperados invitados con una sonrisa sabiendo que está preparada para llevar a cabo su meditada decisión. La lluvia golpea los cristales en una desapacible noche y Julia comienza el apasionado relato de su vida; un amor a escondidas, una huida precipitada, un viaje a un lugar desconocido en busca de respuestas, un descenso a los infiernos. Como si de un thriller emocional se tratara aparece una vida alimentada por recuerdos. Toda una vida contada en sus últimos quince minutos.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Haemoo
Año - 2014
Duración - 111 min.
País - Corea del Sur
Director - Shim Sung-bo
Guión - Shim Sung-bo y Bong Joon-ho
Fotografía - Kyung-pyo Hong
Montaje - Jae-beom Kim y Sang-beom Kim
Producción - Bong Joon-ho, Neung-yeon Joh y Lewis Kim
Productora - Lewis Pictures
Género - Drama
Reparto - Kim Yoon-seok, Park Yoo-chun, Ye-ri Han, Seong-kun Mun, Sang-ho Kim, Hee-jun Lee, Seung-mok Yoo, In-gi Jeong, Kyung-Sook Jo

Niebla (Haemoo) supone el debut en la dirección de Shim Sung-bo, que lleva a la gran pantalla un guión escrito por el mismo junto a Bong Joon-ho, que también participa en la producción, basado en una obra de teatro homónima de 2007, que a su vez relata una escalofriante historia real ocurrida en el buque pesquero Taechangho en 2001. Un trabajo en el que destaca su mezcla de géneros, dividido en dos partes bien diferenciadas y solo lastrado por la influencia que el cine occidental ha tenido en su realizador. A pesar de ello resulta un producto de una enorme dureza que mantiene al espectador pegado a la pantalla en todo su metraje, casi siempre con el corazón encogido, resultando muy recomendable.

Sinopsis: El capitán Cheol-joo (Kim Yoon-seok) sobrevive como puede con su viejo barco pesquero de 69 toneladas Jeonjinho, aunque cada vez le resulta mas difícil ganarse la vida con el. Los últimos contratiempos lo han hecho endeudarse hasta un límite imposible de asumir, por lo que tras pedir algo de dinero decide transportar inmigrantes ilegales coreano-chinos para poder recuperarse y volver a su vida normal. Los problemas comenzarán tras contarles sus planes a la tripulación, que aunque acepta a regañadientes, no está preparada para realizar un trabajo de este tipo. Para colmo, el mal tiempo hace que el pesquero entre en un denso banco de niebla en el que la tripulación acabará perdiendo los nervios por completo.

La película: Hace tiempo ya que el cine coreano se abrió al resto del mundo, mostrando sus grandes virtudes y sus escasos defectos, pero esto ha supuesto una metamorfosis en gran parte de sus productos, que además de ver como se amplía y cambia enormemente el público que accede a el, ha adoptado ciertas características del cine occidental que no siempre le sientan bien. Este es uno de los mejores ejemplos que tenemos en la actualidad de dicha cuestión, un trabajo de una calidad indudable, a pesar de ser una ópera prima, que rebosa de la dureza que ha dado fama al cine de su país, pero que no llega a ser redondo por la introducción en el de alguna que otra linea argumental un tanto forzada, de la que no hablaré mas para no alterar la experiencia de quien la vaya a ver.

Pero quiero dejar claro que se trata de un detalle, solo un detalle que no debe de minar vuestras ganas de verla, ya que es una película que merece la pena ser disfrutada, capaz de, tras una primera parte en la que se nos presenta y desarrolla adecuadamente a sus protagonistas y los motivos que lo llevan a aceptar un trabajo ilegal y muy peligroso, realizar un cambio total en su fisionomía y convertirse en un producto totalmente diferente, en el que el espectador presencia asombrado como el giro de los acontecimientos convierten el viaje en una auténtica pesadilla, que acaba intentando sin mucha suerte encontrar en los personajes algún rastro de como eran cuando les fueron presentados.

Es esa la característica que mas destaca en Haemoo, la enorme fuerza con la que su realizador filma una historia que ya de por si resulta bastante cruda, pero que tras pasar por sus manos se convierte en un producto adictivo y sumamente perturbador, algo que nos hace albergar esperanzas sobre el futuro de Shim Sung-bo como director, del que habrá que estar atentos a sus próximos trabajos. El mismo firma también el guión junto al bueno de Bong Joon-ho, director y guionista con gran experiencia que nos ha dejado trabajos como la memorable Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie) (2003), que escribió junto al propio Shim Sung-bo y de la que os hablamos en este artículo, Tokyo! (2008), Mother (2009) o la mas reciente Rompenieves (Snowpiercer) (2013), de la que os hablamos aquí.

La verdad es que se nota la influencia de su cine en Shim Sung-bo, aunque no por ello hay que quitarle un ápice de mérito al director debutante. El libreto está dividido en dos partes bien diferenciadas, como ya os explicamos anteriormente, que están perfectamente unidas entre si, algo a lo que hay que reconocer su enorme mérito. Puede ser calificado de muy completo, en el que no se hace pesada su parte inicial, a pesar de tener poco que ver con el segundo segmento, momento en el que la historia explota, avivando su ritmo de forma clara y convirtiéndose en un drama psicológico muy bien llevado a la pantalla. Los peros para mi son dos, el ya mencionado antes de cierta linea argumental y la introducción de un epílogo que solo consigue quitar fuerza a un excelente final, aunque eso ya queda a la valoración de cada espectador.

En los apartados técnicos destaca la excelente fotografía de Kyung-pyo Hong (Rompenieves, Mother, Lazos de guerra, Salvar el planeta tierra), que prefiere en todo momento insinuar a mostrar de forma explícita, algo que para algunos puede resultar un lastre, pero que para mi es un enorme acierto, ya que la historia es lo suficientemente dura como para que resulte innecesario. Dicho de otra forma, las escenas de violencia prefieren mostrar el gesto de quien la utiliza a la víctima que la recibe, Del montaje se encargan Jae-beom Kim y Sang-beom Kim, mientras que la banda sonora pasa bastante desapercibida en general, siendo esta interpretada por la Orquesta Filarmónica de Praga.

En el reparto de la película destaca poderosamente el trabajo de Kim Yoon-seok como el capitán Cheol-joo, un hombre serio y de gran carácter que lucha por su única posesión, el barco en el que ha trabajado toda su vida. Junto a el comparten protagonismo Park Yoochun como Dong-sik, el marinero mas joven e inexperto de la tripulación y Han Ye-ri como Hong-mae, una de las inmigrantes a las que transportarán. Del resto de la tripulación podemos destacar a Luna Sung-Keun en el papel del ingeniero jefe Wan-ho, Kim Sang-ho como el contramaestre Ho-young y Yoo Seung-Mok como Kyung-gu. El nivel general del reparto es bastante bueno, al igual que la dirección de actores que realiza Shim Sung-bo.

Conclusión: Niebla (Haemoo) es el magnífico debut en la dirección de Shim Sung-bo, que supone la segunda colaboración de este junto a Bong Joon-ho como guionista (Memories of Murder fue la primera). Estamos ante un trabajo filmado de forma enérgica, en el que su ritmo pasará poco a poco de la calma al mas absoluto enloquecimiento, ganando en intensidad y fuerza a la vez que avanza su metraje. No solo es una película recomendable, sino que además invita a seguir de cerca la carrera de Shim Sung-bo, al que ya conocíamos como guionista, pero que aquí demuestra tener excelentes cualidades para darnos mas de una alegría como director. Lástima que los detalles cogidos de occidente no sean los mejores, aunque es algo fácil de subsanar en el futuro. Sean felices, que no es poco.

Por cierto, les dejo el trailer como de costumbre. Ojalá fueran todos como este, que incita a verla sin destripar casi nada de ella.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Ya se conocen los ganadores de los Premios Oscar 2016, que se entregaron el 28 de febrero en el Teatro Dolby, en Hollywood, Los Ángeles. La gala fue conducida por el humorista Chris Rock y producida por David Hill y Reginald Hudlin.

La noche deparó varias sorpresas, aunque la principal fue el Oscar a la mejor película con el que se alzó la excelente Spotlight, dirigida por Thomas McCarthy, por delante de El Renacido (The Revenant) de Alejandro G. Iñárritu, que partía como favorita en muchas de las quinielas. La vencedora moral de la noche fue Mad Max: Furia en la carretera, que tras quedarse sin nominaciones en los principales galardones arrasó en los premios mas técnicos, llevándose 6 de las 10 estatuillas a las que optaba. La siguen El Renacido (The Revenant), que solo consiguió 3 de las 12 a las que optaba, aunque entre ellas están las de Mejor director (Iñárritu), Mejor actor (DiCaprio por fin) y Mejor fotografía (Emmanuel Lubezki) y Spotlight con 2 de las 6 a las que optaba: Mejor película y Mejor guión original (Thomas McCarthy, Josh Singer).

Entre los peor parados de la noche tenemos a Marte (The Martian) con 7 nominaciones, Carol con 6 y Star Wars: El despertar de la Fuerza con 5 que se fueron de vacío, mientras que El puente de los espías solo ganó el Oscar al Mejor actor de reparto (Mark Rylance) de 6 nominaciones, La gran apuesta se tuvo que conformar con el Oscar al Mejor guión adaptado (Adam McKay, Charles Randolph) de 5 nominaciones y La chica danesa se alzó con el Oscar a la Mejor actriz de reparto(Alicia Vikander) de 4 nominaciones. Mención especial para el compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone, que gana su primer Oscar por su trabajo en una película, concretamente por Los odiosos ocho (The Hateful Eight), tras haber recibido el Oscar honorífico en 2006.

1. Mejor película

- La gran apuesta (The Big Short)

- El puente de los espías (Bridge of Spies)

- Brooklyn

- Mad Max: Furia en la carretera

- Marte (The Martian)

- El Renacido (The Revenant)

- La habitación (Room)

- Spotlight (Ganador)

2. Mejor director

- Adam McKay (La Gran Apuesta - The Big Short)

- George Miller (Mad Max: Furia en la carretera)

- Alejandro G. Iñárritu (The Renacido - The Revenant) (Ganador)

- Lenny Abrahamson (La Habitación - Room)

- Tom McCarthy (Spotlight)

3. Mejor actor

- Leonardo DiCaprio (El Renacido - The Revenant) (Ganador)

- Michael Fassbender (Steve Jobs)

- Matt Damon (Marte - The Martian)

- Bryan Cranston (Trumbo)

- Eddie Redmayne (La Chica Danesa - The Danish Girl)

4. Mejor actriz

- Cate Blanchett (Carol)

- Brie Larson (La Habitación - Room) (Ganadora)

- Saoirse Ronan (Brooklyn)

- Charlotte Rampling (45 años - 45 Years)

- Jennifer Lawrence (Joy)

5. Mejor actor de reparto

- Christian Bale (La Gran Apuesta - The Big Short)

- Tom Hardy (Mad Max: Furia en la carretera)

- Mark Ruffalo (Spotlight)

- Mark Rylance (El puente de los espías - Bridge of Spies) (Ganador)

- Sylvester Stallone (Creed: La leyenda de Rocky)

6. Mejor actriz de reparto

- Jennifer Jason Leigh (Los Odiosos Ocho - Heitfull Eight)

- Rooney Mara (Carol)

- Rachel McAdams (Spotlight)

- Alicia Vikander (La Chica Danesa - The Danish Girl) (Ganador)

- Kate Winslet (Steve Jobs)

7. Mejor guión

- El puente de los espías (Bridge of Spies)

- Ex Machina

- Intensamente (Inside Out)

- Spotlight (Ganador)

- Straight Outta Compton

8. Mejor guión adaptado

- La Gran Apuesta (The Big Short) (Ganador)

- Brooklyn

- Carol

- Marte (The Martian)

- La Habitación (Room)

9. Mejor película animada

- Anomalisa

- Boy and the world

- Inside Out (Ganador)

- Shaun the sheep movie

- When Marnie was there

10. Mejor película de habla no inglesa

- Embrace of the Serpent (Colombia)

- Mustang (Francia)

- Son of Saul (Hungría) (Ganadora)

- Theeb (Jordania)

- A War (Dinamarca)

11. Mejor banda sonora

- El puente de los espías (Bridge of Spies)

- Ennio Morricone - Los odiosos ocho (The Hateful Eight) (Ganador)

- Carol

- Sicario

- Star Wars: El despertar de la fuerza

12. Mejor fotografía

- Carol

- Los odiosos ocho (Hateful Eight)

- Mad Max: Furia en la carretera.

- El Renacido (The Revenant) (Ganador)

- Sicario

13. Mejor vestuario

- Carol

- Mad Max: Furia en la carretera (Ganador)

- Cinderella

- El Renacido (The Revenant)

- La Chica Danesa (The Danish Girl)

14. Mejor canción original

- Cincuenta sombras de Grey

- Racing Extinction

- La Juventud

- The Hunting Ground

- Spectre (Ganador)

15. Mejor montaje

- La Gran Apuesta (The Big Short)

- Mad Max: Furia en la carretera (Ganador)

- El Renacido (The Revenant)

- Spotlight

- Star Wars: The Force Awakens

16. Mejores efectos visuales

- Ex Machina (Ganador)

- Mad Max: Furia en la carretera

- Marte (The Martian)

- El Renacido (The Revenant)

- Star Wars: El Despertar de la Fuerza

17. Mejor maquillaje y peinado

- Mad Max: Furia en la carretera(Ganador)

- El abuelo que saltó por la ventana y se marchó

- El Renacido (The Revenant)

18. Mejor diseño de producción

- El puente de los espías (Bridge of Spies)

- La Chica Danesa (The Danish Girl)

- Mad Max: Furia en la carretera(Ganador)

- Marte (The Martian)

- El Renacido (The Revenant)

19. Mejor edición de sonido

- Marte (The Martian)

- El Renacido (The Revenant)

- Sicario

- Mad Max: Furia en la carretera (Ganador)

- Star Wars: El Despertar de la Fuerza

20. Mejor mezcla de sonido

- El puente de los espías (Bridge of Spies)

- Mad Max: Furia en la carretera (Ganador)

- Marte (The Martian)

- El Renacido (The Revenant)

- Star Wars: El Despertar de la Fuerza

21. Mejor documental

- Amy(Ganador)

- Cartel land

- The Look of silence

- What happened Miss Simone

- Winter on fire

22. Mejor corto documental

- Body Team 12

- Chau: Beyond the lines

- Claude Lanzmann.

- A girl in the river (Ganador)

- Last day of freedom

23. Mejor cortometraje

- Ave Maria

- Day One

- Everything Will Be Okay (Alles Wird Gut)

- Shok

- Stutterer (Ganador)

24. Mejor corto animado

- Bear Story(Ganador)

- Prologue

- Sanjay's Super Team

- We Can't Live Without Cosmos

- World of Tomorrow

Arsénico por compasión, Frank Capra, Arsenic and Old Lace

Título original - Arsenic and Old Lace
Año - 1944
Duración - 118 min.
País - Estados Unidos
Director - Frank Capra
Guión - Julius J. Epstein y Philip G. Epstein, basado en la obra de teatro homónima de Joseph Kesselring
Música - Max Steiner
Fotografía - Sol Polito
Montaje - Daniel Mandell
Producción - Frank Capra y Jack L. Warner
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Comedia
Reparto - Cary Grant, Priscilla Lane, Peter Lorre, Raymond Massey, Josephine Hull, Jean Adair, Jack Carson, Edward Everett Horton

Julius J. Epstein y Philip G. Epstein adaptaron la obra de teatro homónima de Joseph Kesselring, Sol Polito se encargó de la fotografía, Max Steiner de la banda sonora y Frank Capra de la soberbia dirección de un reparto para el recuerdo, encabezado por un brillante Cary Grant. El resultado es Arsenic and Old Lace (Arsénico por compasión en España), una maravillosa comedia negra de la que el propio Grant comentó en mas de una ocasión que fue el papel donde más disfrutó. Y si el disfrutó, no veo motivo para que no lo hagan ustedes. Una delicia que conserva su frescura a pesar de tener ya mas de 70 años.

Sinopsis: Mortimer Brewster (Cary Grant) es un periodista famoso y controvertido por sus artículos en contra del matrimonio, que tras luchar con todas sus fuerzas cae enamorado de la hermosa Elaine Harper (Priscilla Lane), con la que se casa en secreto. Antes de partir de luna de miel decide visitar a sus adorables tías Abby (Josephine Hull) y Martha (Jean Adair), con las que vive el hermano de Mortimer, Teddy (John Alexander), un simpático pero molesto enfermo mental que cree que es Theodore Roosevelt, para contarles la buena nueva. Lo que no imagina es que durante la visita descubrirá que las encantadoras viejecitas tienen una manera muy peculiar de practicar la caridad.

El director: Frank Capra fue un director de cine estadounidense de origen italiano nacido en Bisacquino, Sicilia, el 18 de mayo de 1897, ganador de tres premios Óscar como Mejor Director. Capra comenzó su carrera en el cine mudo, destacando como director y guionista de comedias protagonizadas por Harry Langdon y sus chicos. Destacaremos varios títulos de su magnífica filmografía: La mujer milagro (1931), La jaula de oro (1931), La amargura del general Yen (1933), Dama por un día (1933), Sucedió una noche (1934), El secreto de vivir (1936), Vive como quieras (1938), Caballero sin espada (1939), Juan Nadie (1941), Qué bello es vivir (1946), El estado de la Unión (1948), de la que os hablamos en este artículo, Aquí viene el novio (1951) o Un gángster para un milagro (1961), aunque me dejo muchas y muy buenas en el tintero. Frank Capra murió en La Quinta (California), a la edad de 94 años.

La película: Esta es una de esas ocasiones en la historia de este arte en las que parecen confabularse todos los astros del universo para que la cosa acabe como hoy día la conocemos, pudiendo haber sido muy, muy diferente. Para empezar hay que comentar que el realizador Frank Capra pensó en un inicio en Bob Hope para el papel de Mortimer Brewster, pero este no se pudo liberar de su contrato con la Paramount. Tras ello lo intentó con idéntica suerte con Jack Benny y Ronald Reagan, antes de decidirse por Cary Grant. Bendita providencia. Josephine Hull, Jean Adair (las hermanas Brewster) y John Alexander (Teddy Roosevelt), repitieron los papeles que tenían en la obra teatral, pero Boris Karloff, que en la obra de teatro interpretaba a Jonathan Brewster siendo uno de los grandes reclamos de esta, no consiguió el permiso necesario para interpretarlo en las 8 semanas que duró el rodaje, por lo que fue sustituido por Raymond Massey.

De lo que no les debe caber ninguna duda es de que el resultado final es difícilmente mejorable, ya que estamos ante una de las grandes comedias de todos los tiempos, una de esas a las que los años la hacen variar a los ojos de los espectadores que la presencian, pero que a la vez tienen la capacidad de conservar su frescura y su vigencia, por lo que continúa haciendo las delicias de quien decide dedicarle las casi 2 horas que dura. Cierto es que a día de hoy con los adelantos que tenemos y el constante bombardeo en cine y televisión, pocas cosas hay que uno no haya visto anteriormente, pero igualmente cierto es que con tener los ingredientes y la receta de un gran plato no es suficiente para saber prepararlo de forma ideal, por lo que creo que hay que disfrutar con doble admiración, ya que tiene mas de 70 años ya.

Para que la frescura y la enorme comicidad de la obra de teatro permaneciera intacta en su paso al cine, se le encargó con enorme acierto la realización del guión a Julius J. Epstein y Philip G. Epstein, que supieron mantener todas las virtudes de la obra del mismo nombre de Joseph Kesselring. La teatralidad de la misma permanece intacta en ella, ya que exceptuando la escena inicial en un juzgado, toda la película transcurre en el interior de la casa y sus alrededores. En semejante escenario se teje una trama por la que desfilan personajes de lo mas variopintos y dispares, entre los que encontramos Policías, periodistas, sacerdotes, escritores, asesinos, jueces, médicos, algún que otro enfermo mental, taxistas y dos encantadoras viejecitas.

A todos estos ingredientes le sumamos la maestría del gran Frank Capra, tanto en la forma de rodar cada escena, como en la soberbia dirección de actores, que como si de un experto chef se tratase, utiliza toda su habilidad para mezclar cada uno de ellos de forma inmejorable. De la fotografía se encargó Sol Polito (Robin de los bosques, Ángeles con caras sucias, El sargento York), del montaje Daniel Mandell y de la banda sonora el brillante Max Steiner (Casablanca, Lo que el viento se llevó, Sombrero de copa, Infiltrados), considerado junto con Victor Young y Alfred Newman, como el padre del sinfonismo clásico estadounidense. Nada en ella parece fuera de tono o resulta cargante, como si de un perfecto motor de un Formula 1 se tratase.

En cuanto al reparto se refiere, ya os comenzamos hablando de el y de lo diferente que pudo haber sido por diferentes circunstancias, pero de lo que no queda ninguna duda es de la enorme suerte que tuvimos al recaer el papel principal en un Cary Grant que derrocha arte y carisma por los cuatro costados. Desde la primera escena en la que lo vemos con gafas oscuras de sol intentando evitar a la prensa para casarse en secreto con la adorable Elaine Harper (Priscilla Lane), no podemos ya imaginar este trabajo sin su saber estar y esa mezcla de elegancia, carisma y comicidad que siempre lo envolvió. A su alrededor giran un acertado elenco de actores y actrices dirigidos a la perfección, de los que resulta realmente difícil encontrar alguno que desentone o baje algo el nivel.

Conclusión: Arsénico por compasión es una de las mejores opciones de las que un aficionado al cine dispone para ver una gran comedia. El paso de los años puede que baje algo el nivel de su humor, algo que no ha ocurrido en mi caso pero puede que a alguno le ocurra, pero de lo que no cabe ninguna duda es de que comedias de esta calidad en todos sus elementos resulta realmente difícil encontrar. Y lo que para mi es ya un auténtico seguro de vida, que el propio Cary Grant comentó en mas de una ocasión que fue el papel donde más disfrutó, algo que hay que tener muy en cuenta en un actor de su indudable brillantez. Arsenic and Old Lace es como las dos encantadoras tías de nuestro protagonista: son ya mayores, no cabe duda, pero aún así mantienen todo su encanto. Disfrútenla si pueden que como esta ya no se hacen.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Título original - Historia de un oso (Bear Story)
Año - 2014
Duración - 11 min.
País - Chile
Director - Gabriel Osorio Vargas
Guión - Daniel Castro, Gabriel Osorio Vargas
Fotografía - Animation
Montaje - Patricio Escala
Producción - Patricio Escala
Reparto - Animation
Productora - Punkrobot Studio / Punkrobot Animation Studio
Género - Animación, Drama, Cortometraje

Historia de un oso (Bear Story) es un cortometraje animado de 2014, dirigido por Gabriel OsorioVargas, escrito por Daniel Castro junto al realizador y producido por Patricio Escala, que se encarga también del montaje. Acaba de recibir el preciado galardón en la categoría de Mejor cortometraje animado en la 88.ª edición de los Premios Óscar, siendo la primera y única producción chilena en obtener uno, la segunda en ser nominada, tras el largometraje No,5 y la única latinoamericana en ser nominada en la historia de la categoría.

Sus creadores utilizan la historia de un solitario oso que recorre a diario la ciudad con un teatro de marionetas, con el que cuenta la historia de su familia hasta el fatal día en que fueron separados de el por los dueños de un circo para realizar una llamada de atención a la vida destrozada de tantos y tantos presos políticos que tienen que abandonar su hogar y sus seres queridos para poder sobrevivir.

Concretamente, está inspirado en la historia del abuelo del director, Leopoldo Osorio, quien tras el golpe de Estado de 1973 fue encarcelado durante dos años, tras los que no tuvo mas remedio que viajar a México y posteriormente refugiarse en el Reino Unido, donde acabó formando una nueva familia. Queda claro por lo tanto que no estamos ante un trabajo para niños, principalmente por la tristeza que destila tras su magnífico acabado. Para su realización se han utilizado 4 clases de animación: por ordenador, 2D, 3D y stop motion.
Solo nos queda felicitar desde aquí a los premiados y al pueblo chileno en general, por conseguir algo nunca visto en su país, un Óscar de la academia.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia y Youtube

Cien años de perdón - Daniel Calparsoro (2016) España

Guión - Jorge Guerricaechevarría
Música - Amy Marie Beauchamp, Jose Cancela
Fotografía - Josu Inchaustegui
Reparto - Luis Tosar, Rodrigo De la Serna, Raúl Arévalo, José Coronado, Patricia Vico, Joaquín Furriel, Marian Álvarez, Nani Jiménez
Productora - Coproducción España-Argentina-Francia; Morena Films / Vaca Films / Telecinco Cinema / K&S Films / Telefonica Studios
Género - Thriller

Sinopsis - Una mañana lluviosa. Seis hombres disfrazados y armados asaltan la sede central de un banco en Valencia. Lo que parecía un robo limpio y fácil pronto se complica, y nada saldrá como estaba planeado. Esto provoca desconfianza y enfrentamiento entre los dos líderes de la banda, “El Uruguayo” y “El Gallego”. Pero ¿qué es exactamente lo que buscan los atracadores?

Nunca es tarde - Dan Fogelman (2015) Estados Unidos

Guión - Dan Fogelman
Música - Ryan Adams, Theodore Shapiro
Fotografía - Steve Yedlin
Reparto - Al Pacino, Annette Bening, Jennifer Garner, Bobby Cannavale, Christopher Plummer, Josh Peck, Katarina Cas, Cassandra Starr, Melissa Benoist
Productora - Inimitable Pictures / Big Indie Pictures
Género - Comedia, Drama

Sinopsis - Inspirada en una historia real, Al Pacino interpreta al envejecido rockero de los 70 Danny Collins, que a pesar de su edad no puede renunciar a su vida llena de excesos. Pero cuando su manager (Christopher Plummer) le descubre una carta sin entregar que le escribió John Lennon 40 años atrás, decide cambiar de rumbo y embarcarse en un inspirador viaje para redescubrir a su familia, encontrar el amor verdadero y comenzar un segundo acto.

13 minutos para matar a Hitler - Oliver Hirschbiegel (2015) Alemania

Guión - Léonie-Claire Breinersdorfer, Fred Breinersdorfer
Música - David Holmes
Fotografía - Judith Kaufmann
Reparto - Christian Friedel, Katharina Schüttler, Burghart Klaußner, Johann von Bülow, Felix Eitner, David Zimmerschied, Rüdiger Klink, Simon Licht, Cornelia Köndgen, Martin Maria Abram
Productora - Lucky Bird Pictures / Delphi Medien / Philipp Filmproduction
Género - Drama

Sinopsis - Es la impresionante historia sobre George Elser, el carpintero de la resistencia que intentó asesinar a Hitler en Munich el 8 de noviembre de 1939. Por solo 13 minutos de diferencia, si el Führer no hubiese abandonado su podio antes de lo previsto, podría haber cambiado la historia.

El amor es más fuerte que las bombas - Joachim Trier (2015) Noruega

Guión - Joachim Trier, Eskil Vogt
Música - Ola Fløttum
Fotografía - Jakob Ihre
Reparto - Jesse Eisenberg, Gabriel Byrne, Isabelle Huppert, David Strathairn, Rachel Brosnahan, Devin Druid, Amy Ryan, Ruby Jerins
Productora - Coproducción Noruega-Francia-Dinamarca; Bona Fide Productions / Memento Films Production / Motlys / arte France Cinéma
Género - Drama

Sinopsis - Una exposición de la obra de la fotógrafa de guerra Isabelle Reed, tres años después de su prematura muerte, lleva a su hijo mayor de vuelta a la casa familiar. Allí pasará tiempo con su padre Gene y su hermano menor. Estando los tres bajo el mismo techo, Gene tratará de estrechar lazos con sus dos hijos mientras ellos luchan por reconciliar sus sentimientos hacia su fallecida madre, mujer que recuerdan de manera diferente.

Rock the Kasbah - Barry Levinson (2015) Estados Unidos

Guión - Mitch Glazer
Música - Marcelo Zarvos
Fotografía - Sean Bobbitt
Reparto - Bill Murray, Bruce Willis, Kate Hudson, Zooey Deschanel, Leem Lubany, Arian Moayed, Scott Caan, Danny McBride, Fahim Fazli, Jonas Khan, Sameer Ali Khan, Taylor Kinney
Productora - QED International / Shangri-La Entertainment / Venture Forth
Género - Comedia
Web oficial - http://rockthekasbahmovie.com/

Sinopsis - Un manager musical (Murray) viaja junto a su último cliente hasta Afganistán para una serie de conciertos. Pero una vez allí se quedará tirado, solo, y sin dinero, pasaporte o transporte para volver a casa. No obstante, y cuando peor se le estaban poniendo las cosas, conoce a una joven con una voz portentosa, lo que le animará a viajar hasta Kabul para intentar presentarla a The Afghan Star, la versión local del conocido programa de televisión The American Idol.

Vulcania - José Skaf (2015) España

Guión - José Skaf, Diego Soto
Fotografía - Emilio Guirao
Reparto - Aura Garrido, Rubén Ochandiano, José Sacristán, Jaime Olías, Sílvia Abril, Ana Wagener, Miquel Fernández, Francesc Pagès, Ginés García Millán, Andrés Herrera, Borja Espinosa, Andreu Castro, Joan Carles Suau, Ignasi Vidal
Productora - Coproducción España-Suecia-Francia; Zentropa
Género - Thriller. Fantástico

Sinopsis - Jonás, que acaba de perder a su familia en un misterioso accidente, comienza a trabajar en la fundición del pueblo. Ahí conoce a Marta, con la que comparte tragedia y de la que intentará sacar información sobre lo sucedido. Su descubrimiento sacudirá los cimientos de la comunidad.

Remember - Atom Egoyan (2015) Canadá

Guión - Benjamin August
Música - Mychael Danna
Fotografía - Paul Sarossy
Reparto - Christopher Plummer, Dean Norris, Martin Landau, Henry Czerny, Jürgen Prochnow, Bruno Ganz, Peter DaCunha, James Cade, T.J. McGibbon, Kim Roberts
Productora - Serendipity Point Films / Egoli Tossell Film
Género - Drama
Web oficial - http://www.rememberthemovie.com/

Sinopsis - Zev (Christopher Plummer) es un judío superviviente del Holocausto ya de 90 años y con alzheimer que busca a Rudy, un criminal de guerra nazi que fue responsable de la muerte de su familia, con el objetivo de asesinarlo.

Janis - Amy Berg (2015) Estados Unidos

Fotografía - Jenna Rosher
Reparto - Documentary, Janis Joplin, Cat Power, Peter Albin, Dick Cavett, D.A. Pennebaker
Productora - Disarming Films / Jigsaw Productions
Género - Documental | Biográfico. Documental sobre música

Sinopsis - Documental sobre la legendaria cantante norteamericana Janis Joplin. La artista americana Cat Power, cantante de rock de origen sureño, narra en primer persona cómo Janis Joplin llegó a convertirse en una estrella, a través de las cartas que Joplin escribió durante años a sus familiares, amigos y colaboradores, antes de su fatídica muerte a los 27 años.

Poveda - Pablo Moreno (2016) España

Guión - Pedro Delgado & Pablo Moreno
Reparto - Raúl Escudero, Elena Furiase, Daniel Gómez, Pablo Viña, Xiqui Rodríguez, Ainhoa Aldonado, Natalia Álvarez
Productora - Goya Producciones / ThreeColumnsEntertainment
Género - Drama

Sinopsis - El sacerdote Poveda tuvo una vida plena iluminada por la fe y el amor realizando una importante labor socioeducativa en las cuevas de Guadix con los braceros pobres que vivían en la ignorancia y la indigencia. Trasladado a Asturias y posteriormente a Jaén, pone en marcha una iniciativa pionera confiando a mujeres jóvenes su proyecto educativo y fundando la Institución Teresiana.

Todos los caminos de Dios - Gemma Ferraté (2014) España

Guión - Gemma Ferraté, Eduard Sola
Reparto - Jan Cornet, Marc Garcia Coté, Oriol Pla
Productora - Niu d'Indi
Género - Drama
Web oficial - http://niudindi.com/totselscaminsdedeu/

Sinopsis - Cuenta la historia de los últimos tres días en la vida de un Judas contemporáneo, un hombre que huye de su propia culpa después de traicionar a su mejor amigo. Ahogado por su culpabilidad, entra en el bosque donde se reunirá con un joven misterioso que lo acompañará en su arrepentimiento, lo cual le ayudará a lidiar con sus sentimientos, con la comprensión de su culpa y cómo finalmente confrontarlo.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Youtube y Dailymotion

giornata particolare, jornada particular, Ettore Scola

Título original - Una giornata particolare
Año - 1977
Duración - 105 min.
País - Italia
Director - Ettore Scola
Guión - Ruggero Maccari y Ettore Scola
Música - Armando Trovajoli
Fotografía - Pasqualino De Santis
Montaje - Raimondo Crociani
Producción - Carlo Ponti
Productora - Campagnia Cinematografica Champion S.P.A. / Conafox Films lnc. / Carlo Ponti
Género - Drama
Reparto - Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Patrizia Basso, Nicole Magny

El recientemente fallecido Ettore Scola dirigió y escribió el guión junto a Ruggero Maccari de este magnífico retrato de la sociedad italiana de los años 30, que utilizando la visita de Adolf Hitler a Italia y a dos personajes atrapados en sus propias vidas, nos ofrece una nueva oportunidad de disfrutar de un dúo difícilmente igualable, el formado por una Sophia Loren y un Marcello Mastroianni estelares. Una auténtica delicia para los amantes del buen cine y la mejor forma de recordar al magnífico realizador italiano.

Sinopsis: El 6 de mayo de 1938. Hitler visita Roma, por lo que el pueblo se vuelca en su recibimiento en una jornada declarada de fiesta nacional. En un gran bloque de pisos todos van al desfile en su honor, excepto la portera y un par de vecinos que jamás se han cruzado siquiera. Antonietta (Sophia Loren) no puede asistir al tener que hacerse cargo de las labores domésticas derivadas de su vida con su esposo y sus 6 hijos, pero al escaparse el ave que tienen como mascota, esta se apoyará cerca de la ventana de Gabriele (Marcello Mastroianni), un vecino no muy bien mirado en la comunidad a cuyo apartamento llamará para intentar recuperarla. Entre ellos se establecerá una curiosa relación que cambiará la monotonía del día para ambos.

El director: Ettore Scola fue un director de cine italiano nacido en Trevico, Avellino, Italia, el 10 de mayo de 1931. Representante de la llamada "commedia all'italiana", posee los títulos honoríficos de Caballero de la Gran Cruz de la Orden al Mérito de la República Italiana y Medalla de oro al beneficio de la cultura y del arte. De su extensa filmografía mencionaré varios títulos: Con su permiso, hablemos de mujeres (1964), El demonio de los celos (1970), La più bella serata della mia vita (1972), Una mujer y tres hombres (Nos habíamos amado tanto) (1974), Brutos, feos y malos (1976), ¡Que viva Italia! (1977), La terraza (1980), Entre el amor y la muerte (1981), La noche de Varennes (1982), Macarrones (1985), La familia (1987), ¿Qué hora es? (1989), Splendor (1989), Historia de un pobre hombre (1995), La cena (1998), Competencia desleal (2001), Gente de Roma (2003) o Qué extraño llamarse Federico (2013). Falleció el 19 de enero de 2016 en Roma, Italia.

La película: Cuando me enteré de la muerte de este magnífico realizador italiano decidí que la mejor forma de rendirle un pequeño tributo era elegir uno de sus trabajos y realizar una crítica sobre el. Ojeando su filmografía resulta realmente difícil decidirse por una, pero cuando Una jornada particular llegó a aparecer ante mis ojos, ya no pude cambiar mi elección. Puede que os resulte extraño que para uno de los representantes de la llamada "commedia all'italiana", género cinematográfico nacido en Italia a inicios de la década de los cincuenta y que se extendió hasta principios de la década de los ochenta, un servidor haya elegido un drama como exponente de su cine, pero la enorme calidad de la película y el enorme cariño con el que la recuerdo, han hecho de esta mi única posible elección.

Y es que en este maravilloso trabajo encuentro muchas similitudes a como se vivía en España en los primeros años de mi vida, no ya por el auge que el fascismo tenía en el pueblo, ya que Francisco Franco murió cuando yo solo tenía 4 años y mi país comenzaba a ver la luz tras mucho tiempo, sino por los múltiples detalles que se pueden apreciar en como se vivía en la Italia de entonces, muy similares a los de la España de principio de los 70. Como eran los hogares mas humildes, la influencia de la radio en la vida de la población, las vestimentas, los molinillos de café, las vajillas, etc. Un sinfín de detalles que hacen que este trabajo agite mi mente y abra puertas en mi memoria que permanecían cerradas hace tiempo.

Porque uno de los grandes méritos de el trabajo de Ettore Scola como realizador y como guionista junto a Ruggero Maccari es precisamente ese, la forma en la que es capaz con una infinidad de detalles y una sencilla historia de mostrarnos como el fascismo dirigía las vidas de quien lo seguían o padecían. Para ello elige dos personajes totalmente opuestos en un principio, pero que gracias a la corta relación que establecen en un solo día, acaban descubriendo que padecen el mismo mal, la obligación de acallar y esconder para si lo que realmente piensan y sienten. Para ello el realizador se vale de multitud de detalles que nos va mostrando durante el metraje, como por ejemplo el empleo de la retransmisión radiofónica del recibimiento al Führer que nos acompaña durante casi todo el metraje y que nos recuerda constantemente en el contexto en el que se desarrolla la historia o el personaje de la portera (Françoise Berd), mujer totalmente fiel al régimen fascista y que actúa como si de un vigilante de los vecinos se tratase.

El resto viene representado por la relación entre los dos peculiares personajes principales, que poco a poco descubrirán que todo lo que aparentaban el uno para el otro a primera vista, no es mas que una necesaria máscara utilizada en la difícil situación en la que viven. Para mostrarnos dicha historia destaca la fotografía de Pasqualino De Santis (Romeo y Julieta, Muerte en Venecia, La caída de los dioses), en la que dominan los tonos ocres. El manejo de la cámara es realmente destacable, moviéndose por los escuetos escenarios de forma brillante. El montaje de Raimondo Crociani es igualmente meritorio, mientras que la música de Armando Trovajoli (Una mujer y tres hombres, Ayer, hoy y mañana, Matrimonio a la italiana) compite con la casi constante retransmisión que antes mencionamos

En el reparto de la película destaca la extraordinaria química de la pareja formada por Sophia Loren y Marcello Mastroianni, que si en solitario brillan como lo que son, dos de los mejores actores que nos ha dado la bella Italia, cuando unen sus fuerzas en un trabajo consiguen que la química anteriormente mencionada multiplique sus enormes cualidades, llenando la pantalla en todo momento. Junto a ellos un escueto grupo de actores y actrices entre los que destacan Françoise Berd como Cecilia, la portera, John Vernon como Emanuele, el esposo de Antonietta y Patrizia Basso, Vittorio Guerrieri, Maurizio Di Paolantonio, Tiziano De Persio, Antonio Garibaldi y Alessandra Mussolini como los hijos de la pareja. Esta última, que interpreta a la hija menor de la familia, es curiosamente la nieta de Benito Mussolini.

Conclusión: Una giornata particolare (Una jornada particular en España) es un magnífico retrato de la sociedad italiana de los años 30 y de como las personas han de transformarse como si de camaleones se tratase ante la opresión de ciertos regímenes políticos. La destreza con la que el genial Ettore Scola es capaz de mostrarlo casi sin salir de un bloque de pisos es digna de admiración, al igual que lo son el enorme trabajo de Sophia Loren y Marcello Mastroianni, dos de los grandes de este arte que aquí harán las delicias de los aficionados al cine. Un trabajo muy recomendable que merece la pena disfrutar, ya que el mensaje que destila no tiene fecha de caducidad. Sean felices, que no es poco.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Wikipedia y Youtube

Más de 200 medios digitales entre blogueros, podcasters y youtubers elegirán libremente lo mejor del año en cine. La ceremonia online tendrá lugar el próximo domingo 20 de marzo a partir de las 17:00. Las nominaciones se darán a conocer el 9 de marzo a las 11:00. A diferencia de otros premios cinematográficos los #BlogosDeOro tienen una entrega de premios que se desarrolla en #Twitter sin presencia física de sus participantes.

La tercera edición de los “Blogos De Oro”, organizados por la "Asocación Premios de Cine Blogos de Oro", se celebrará el domingo 20 de Marzo a las 17:00 aunque previamente el 9 de marzo se darán a conocer sus nominaciones. A diferencia de otros premios cinematográficos la gala de los “Blogos De Oro”, es totalmente online y se celebra cada año en el hashtag de Twitter #BlogosDeOro, y donde cualquier usuario de Twitter puede participar comentando la gala o interactuando con los presentadores y medios participantes. Durante la gala se entregan virtualmente los diferentes premios.

En la primera edición los premios contaron con Daniel Sánchez Arévalo como maestro de ceremonias, y en la pasada edición con el director Álex de la Iglesia. Este año varios cineastas españoles también participarán en una gala virtual a la que todo el mundo está invitado. En la ceremonia pasada los premios congregaron la participación de más de 120 webs y blogs de cine, que eligieron lo mejor del 2014, y el HT#BlogosDeOro fue trending topic número uno durante la tarde en la que se celebraron los premios. Este año con la incorporación de youtubers y podcasters el jurado se ha incrementado notoriamente dando paso a la legalización de la asociación que pasa a denominarse: "Asociación Premios de Cine Blogos de Oro".

En esta edición los “Blogos De Oro” darán un paso más, premiando a las películas “verdaderamente independientes”, con apoyo en su difusión y con su estreno o reestreno en salas de cine. Se trata de dos premios muy especiales, fruto de la colaboración con la iniciativa Baratometrajes 2.0 y la distribuidora #ConUnPack, a los que optarán los largometrajes españoles independientes del año presentados en la categoría. En esta primera edición han sido 15 los largometrajes entre documentales y ficción presentados por sus productores.

Los “Blogos De Oro” cuentan como patrocinador Fco. Javier Gutiérrez oficial con Estrella Damm, y la colaboración de Cinesa, , Filmin, LEGO Tinkle y la distribuidora #ConUnPack.

En la dirección blogosdeoro.com tenéis toda la información relativa a los premios con las bases, el palmarés, resúmenes de galas, lista de blogs jurado, actividades, etc. La suerte está echada

Título original - Happy Valley
Año - 2014
Duración - 58 min.
País - Reino Unido
Director - Euros Lyn, Tim Fywell y Sally Wainwright
Guión - Sally Wainwright
Música - Ben Foster
Fotografía - Ivan Strasburg
Montaje - Richard Cox, Jamie Pearson y Emma Oxley
Producción - Karen Lewis
Productora - BBC One / Red Production Company
Género - Serie de TV, Drama
Reparto - Sarah Lancashire, Steve Pemberton, Siobhan Finneran, Shane Zaza, James Norton, Joe Armstrong, Rhys Connah, George Costigan, Charlie Murphy, Adam Long
Web oficial - http://www.bbc.co.uk/programmes/b042r1dj

Euros Lyn, Tim Fywell y Sally Wainwright son los directores encargados de llevar a la pequeña pantalla el guión de Sally Wainwright para BBC One. Un excelente drama policíaco que se acerca con objetividad a la vida en un pequeño valle de Yorkshire, centrando su atención en la sargento Catherine (Sarah Lancashire), de la que se muestra con gran acierto su vida personal y profesional, para crear una serie muy completa, adictiva y creíble. Un producto televisivo de enorme calidad, como nos tienen bien acostumbrados los británicos, que añade el drama humano a la intriga policial. Sencilla y brillante a partes iguales.

Sinopsis: Catherine (Sarah Lancashire) es una veterana sargento de policía que dirige a un pequeño grupo de agentes en un valle de West Yorkshire. Separada de su ex marido Richard Cawood (Derek Riddell), del que se divorció tras el suicidio de su hija, que fue incapaz de superar un abuso sexual, convive con su hermana Clare (Siobhan Finneran) y su nieto Ryan (Rhys Connah), fruto de la violación de su hija. Desgraciadamente, en el momento que Catherine parece volver a estabilizar su vida, recibe la noticia de la puesta en libertad de Tommy Lee Royce (James Norton), al que considera responsable de la agresión a su hija, aunque nunca lo pudo probar, por lo que los fantasmas del pasado vuelven a atormentarla de nuevo.

Los directores: Euros Lyn nació en 1971 en Gales. Es un director y productor de televisión que ha participado en series como Casualty, La chica del bus, Doctor Who, Torchwood, Sherlock, Black Mirror o Daredevil, entre otras. Tim Fywell es un director de cine y televisión nacido en 1951 en Fulham, Londres. Ha participado en multitud de productos como Volver al pasado, Cracker, Norma Jean y Marilyn, Madame Bovary, Mistresses o Caso cerrado, entre otros. Por último, Sally Wainwright es una guionista de televisión y autora teatral nacida en Huddersfield, Yorkshire, en 1964. Ha debutado como directora en Happy Valley, pero anteriormente participó como guionista en productos como Revelations, Coronation Street, Playing the Field, La chica del bus o Unforgiven, entre otros.

La serie: Creo que basta con mirar las diferentes portadas de esta magnífica serie para saber que estamos ante un producto que dista mucho de ser una serie policíaca convencional, principalmente porque aquí no encontraremos superpolicías que son capaces de sobrevivir a casi todo, rebuscadas intrigas que busquen sorprender al espectador por encima de todo o mentes criminales inalcanzables. La principal característica de Happy Valley es la cercanía que en ella se respira a lo que es la realidad actual, al menos en el continente europeo, además de centrar su historia en la parte dramática casi mas que en la policial, aunque sin dejar esta segunda de lado en ningún momento. Sus personajes son muy parecidos a algunas de las personas que seguro conoceréis, con sus virtudes y sus defectos, sus aciertos y sus fallos, su eterna condición de seres humanos, por encima de todo.

Es quizás por todo ello por lo que uno comienza a verla un tanto a la expectativa, conociendo poco a poco a unos personajes que parecen demasiado comunes para resultar interesantes y sin saber si la cosa va a derivar hacia algo parecido a un telefilm de baja calidad, cuya principal virtud es empujar al espectador a conciliar el sueño a mediodía. Dicha sensación tarda muy poco en desaparecer, menos de lo que dura un capítulo, para después descubrir que el producto coge forma poco a poco y gana en interés a una velocidad elevada. Su principal protagonista es el mejor ejemplo de ello, una mujer madura con un pasado tormentoso que lucha por recuperar la normalidad en su vida mientras recorre las calles luchando contra la escoria habitual que rompe la tranquilidad de estas. Tan común en un principio, que sorprende mas y mas a la vez que va aumentando el interés del espectador.

El guión escrito por Sally Wainwright tiene la extraordinaria habilidad de ir ganando en interés poco a poco sin perder su extraordinario aire a realidad. Combina a la perfección lo rutinario y lo extraordinario de forma casi imperceptible, para lo que nos propone dos lineas argumentales paralelas pero condenadas a encontrarse en algún momento. La vida de la sargento Catherine (Sarah Lancashire) es una de ellas, una persona luchadora pero enormemente castigada por la vida, que perdió a su hija y posteriormente su matrimonio por negarse a abandonar el fruto de dicha violación, el pequeño que la hace sacar fuerzas de flaqueza y seguir adelante. La otra sigue la vida de Nevison Gallager (George Costigan), Kevin Weatherill (Steve Pemberton) y las familias de ambos. Nevison es el dueño de una empresa de éxito y Kevin su contable, aunque la relación entre ambos trasciende lo meramente laboral desde hace muchos años. Un acto delictivo removerá la tranquilidad de ambas familias y las pondrá al limite de lo imaginable.

No es en los apartados técnicos donde mas destaca este producto, aunque eso no quiera decir que hayan sido dejados de lado. La fotografía es obra de Ivan Strasburg (Temple Grandin, Bloody Sunday, Treme), que realiza un trabajo sin excesivos alardes pero muy eficaz. Del montaje se encargan Richard Cox, Jamie Pearson y Emma Oxley, que realizan un magnífico trabajo combinando a la perfección las dos lineas argumentales anteriormente mencionadas, mientras que la banda sonora es responsabilidad de Ben Foster (Prometheus, Infierno blanco, Doctor Who), que consigue darle un toque muy personal al producto final. Destaca en ella el tema con el que comienza cada capítulo, titulado Trouble Town, obra del cantoautor británico Jake Bugg.

El reparto de Happy Valley funciona como un reloj suizo, algo a lo que las producciones británicas nos tiene ya acostumbrados. En los papeles principales tenemos a Sarah Lancashire como Catherine Cawood, la sargento de policía protagonista, George Costigan como Nevison Gallager, un empresario de éxito y Steve Pemberton como Kevin Weatherill, su contable. Alrededor de estos tres personajes giran todos los demás, pudiendo destacar entre ellos a James Norton como Tommy Lee, el hombre al que Catherine considera responsable de la violación de su hija, aunque es algo que nunca ha podido llegar a probar, Joe Armstrong como Ashley Cowgill, un promotor inmobiliario dueño de el camping donde veranea Kevin y su familia y Adam larga como Lewis Whippey, un empleado de Ashley.

Conclusión: Tras su apariencia común y quizás poco llamativa, Happy Valley esconde una serie soberbia digna de ser disfrutada. Combina con gran acierto y las dosis justas, al menos en mi opinión, su parte mas dramática y humana con la que relata el mundo criminal y el trabajo policial, dando como resultado un producto que gana en interés a cada paso, ameno, adictivo y bastante real. Un excelente montaje, una dirección precisa y el enorme trabajo de su reparto ponen el resto para que no sea nada aconsejable perdérsela. Por cierto, su primera temporada que es la que yo he disfrutado, consta tan solo de seis episodios de una hora de duración, por lo que se ve que no se han dedicado a alargarla de forma innecesaria. Todo un acierto.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

La serie Divergente: Leal - Robert Schwentke (2016) Estados Unidos

Guión - Akiva Goldsman, Brian Duffield (Libro: Veronica Roth)
Fotografía - Florian Ballhaus
Reparto - Shailene Woodley, Theo James, Naomi Watts, Ansel Elgort, Miles Teller, Jeff Daniels, Jonny Weston, Bill Skarsgård, Kristin McKenzie, Juanita J.P. Taylor, Marisol Correa, Jessica Yoshimura, Steven A.D. Taylor, Lindsey McCollough, Alicia Kelley
Productora - Summit Entertainment / Red Wagon Entertainment
Género - Ciencia ficción. Acción. Romance | Distopía. Secuela

Sinopsis - Secuela de "Insurgente" (2015) y punto final a la saga iniciada por "Divergente" (2014). Se dividirá en dos partes, una estrenada en 2016 y otra en 2017.

Kung Fu Panda 3 - Jennifer Yuh, Alessandro Carloni (2016) Estados Unidos

Guión - Jonathan Aibel, Glenn Berger
Música - John Powell, Hans Zimmer
Fotografía - Animation
Reparto - Animation
Productora - Coproducción EEUU-China; DreamWorks Animation / Oriental DreamWorks
Género - Animación. Comedia | Artes marciales. Secuela

Sinopsis - Tercera película de la saga "Kung Fu Panda", en la que Po deberá hacer frente a dos desafíos épicos: uno, de origen sobrenatural; el otro, muy cerca de su hogar, con la aparición del que dice ser su padre biológico.

Mustang - Deniz Gamze Ergüven (2015) Francia

Guión - Deniz Gamze Ergüven, Alice Winocour
Música - Warren Ellis
Fotografía - David Chizallet, Ersin Gok
Reparto - Erol Afsin, Ilayda Akdogan, Doga Zeynep Doguslu, Elit Iscan, Ayberk Pekcan, Günes Sensoy, Tugba Sunguroglu
Productora - Coproducción Francia-Turquía-Alemania; CG Cinéma
Género - Drama | Familia. Adolescencia. Vida rural

Sinopsis - En un pequeño pueblo, al norte de Turquía, cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años pasan el verano en un jardín paradisíaco de risas y juegos inocentes sobre las olas del Mar Negro con los chicos de la escuela. Sin embargo, la condición de la mujer en el país no tardará en provocar rumores de inmoralidad y escándalo de las jóvenes, así que sus familiares, a través de la abuela y el tío, deciden hacerse cargo del asunto; esto es, prepararlas y precipitarlas hacia su destino de futuras esposas.

Frente al mar - Angelina Jolie (2015) Estados Unidos

Guión - Angelina Jolie
Música - Gabriel Yared
Fotografía - Christian Berger
Reparto - Brad Pitt, Angelina Jolie, Mélanie Laurent, Niels Arestrup, Richard Bohringer, Melvil Poupaud
Productora - Jolie Pas / Plan B Entertainment / Universal Pictures
Género - Drama. Romance | Años 70

Sinopsis - Francia, mediados de los años 70. Vanessa, una ex-bailarina y su marido Roland, escritor, recorren el país mientras se distancian paulatinamente el uno del otro, hasta que llegan a un pueblecito junto al mar y establecen relación con algunos de sus habitantes.

Bone Tomahawk - S. Craig Zahler (2015) Estados Unidos

Guión - S. Craig Zahler
Música - Jeff Herriott, S. Craig Zahler
Fotografía - Benji Bakshi
Reparto - Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox, Lili Simmons, Richard Jenkins, Sean Young, David Arquette, Kathryn Morris, Sid Haig, Geno Segers, Michael Paré, Jamie Hector
Productora - Caliber Media Company / The Fyzz Facility / Realmbuilder Productions
Género - Western. Aventuras. Terror | Secuestros / Desapariciones

Sinopsis - A la localidad de Bright Hope llega un forastero que rápidamente despierta las sospechas del sheriff (Kurt Russell), que termina por arrestarlo tras una disputa. Una mujer (Lili Simmons) decide cuidar del preso, pero una noche ambos desaparecen. Siguiendo la única pista que tiene, una flecha de una tribu caníbal, el sheriff buscará a la joven con la ayuda de algunos hombres, entre ellos un vaquero (Patrick Wilson) y un anciano (Richard Jenkins).

El nombre del bambino - Francesca Archibugi (2015) Italia

Guión - Francesca Archibugi, Francesco Piccolo (Obra: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière)
Fotografía - Fabio Cianchetti
Reparto - Micaela Ramazzotti, Valeria Golino, Alessandro Gassman, Luigi Lo Cascio, Rocco Papaleo
Productora - Indiana Production Company / Lucky Red / Motorino Amaranto
Género - Comedia | Remake

Sinopsis - Betta (Valeria Golino) y Sandro (Luigi Lo Cascio), un profesor universitario adicto a Twitter, invitan a cenar a Paolo, hermano de Betta, (Alessandro Gassman), a la bella Simona (Micaela Ramazzotti) y a un amigo de la infancia (Rocco Papaleo). Paolo hace una broma que supone un ataque a la corrección política imperante en el elegante apartamento: el niño que espera su mujer se llamará Benito, como Mussolini. El chascarrillo provoca una disputa que sacará a la luz viejos rencores y secretos. Remake del film francés "Le prénom" (El nombre).

No crezcas o morirás - Thierry Poiraud (2015) Francia

Guión - Marie Garel Weiss
Música - Jesús Díaz, Fletcher Ventura
Fotografía - Matias Boucard
Reparto - Fergus Riordan, Madeleine Kelly, McKell David, Darren Evans, Natifa Mai, Diego Méndez, Dominique Baute, Daniela Jerez, David Ojeda, Kiara Aguilar, Holly Ainsworth, Alexander Baute, Guillermo Botau, Guacimara Correa, Sol de la Barreda, Jonay Federico, Michelle García, Victor Solé
Productora - Coproducción Francia-España; Inti Entertainment / Arcadia Motion Pictures / Noodles Production
Género - Terror | Zombis. Adolescencia

Sinopsis - En una isla perdida en medio del Atlántico, un grupo de adolescentes que vive en un orfanato aislado se da cuenta de que su vigilante ha desaparecido. Liam, Pearl, May, Bastian, Shawn y Thomas disfrutan de una noche de libertad, hasta que abandonan el centro. Al llegar a la ciudad descubren el caos. Una extraña enfermedad ha afectado a los adultos que viven en la isla convirtiéndoles en zombies asesinos que acaban con todo a su alrededor, incluso con sus propios hijos.

Tribunal - Chaitanya Tamhane (2014) India

Guión - Chaitanya Tamhane
Música - Sambhaji Bhagat
Fotografía - Mrinal Desai
Reparto - Vira Sathidar, Vivek Gomber, Geetanjali Kulkarni, Pradeep Joshi, Usha Bane, Shirish Pawar, Bipin Maniar, Panna Mehta
Productora - Zoo Entertainment
Género - Drama | Drama judicial

Sinopsis - Denuncia los procesos judiciales de India, a partir de la historia de Narayan Kamble, un profesor y cantautor activista acusado de incitar el suicidio de un trabajador del gobierno.

El gran viaje de Sasha al Polo Norte - Rémi Chayé (2015) Francia

Guión - Patricia Valeix, Claire Paoletti
Música - Jonathan Morali
Fotografía - Animation
Reparto - Animation
Productora - Sacrebleu Productions / Maybe Movies
Género - Animación. Aventuras. Drama | Aventuras marinas. Siglo XIX

Sinopsis - 1882. San Petersburgo. Sasha es una joven aristócrata rusa que ha estado siempre fascinada por la aventurera vida de su abuelo, Olukin, un explorador famoso que no ha vuelto de su última expedición a la conquista del Polo Norte. Sasha, lejos de satisfacer a sus padres, que han concertado su boda, se rebela contra este destino y decide salir hacia el Gran Norte siguiendo la pista de su abuelo.

Tres colores: Azul - Krzysztof Kieslowski (1993) Francia

Guión - Krzysztof Piesiewicz & Krzysztof Kieslowski
Música - Zbigniew Preisner
Fotografía - Slawomir Idziak
Reparto - Juliette Binoche, Benoît Régent, Florence Pernel, Charlotte Vêry, Hélène Vincent, Philippe Volter, Claude Duneton, Emmanuelle Riva
Productora - Coproducción Polonia-Francia-Suiza; MK2 Productions / CED Productions / France 3 Cinéma / CAB Productions / Zespol Filmowy
Género - Drama

Sinopsis - En un accidente de coche, Julie pierde a su marido Patrice, un prestigioso compositor, y a su hija Anna. Al recuperarse de sus lesiones, decide comenzar una nueva vida, independiente, solitaria y anónima, alejada de los privilegios que antes disfrutaba. Olivier, el ayudante de Patrice, intenta sacarla de su aislamiento. Olivier está enamorado de ella desde hace muchos años y acaba convenciéndola para que termine el «Concierto para Europa», una ambiciosa obra inacabada de Patrice.

Tres colores: Rojo - Krzysztof Kieslowski (1994) Francia

Guión - Krzysztof Piesiewicz & Krzysztof Kieslowski
Música - Zbigniew Preisner
Fotografía - Piotr Sobocinski
Reparto - Irène Jacob, Jean-Louis Trintignant, Jean Pierre Lorit, Frédérique Feder, Samuel Le Bihan, Marion Stalens, Cécile Tanner, Juliette Binoche, Julie Delpy, Benoît Régent, Zbigniew Zamachowski
Productora - Coproducción Polonia-Francia-Suiza; MK2 Productions / CED Productions / France 3 Cinéma / CAB Productions / Zespol Filmowy
Género - Drama

Sinopsis - Valentina, una joven estudiante que se gana la vida como modelo, salva la vida de un perro atropellado por un coche. La búsqueda de su dueño la conduce a un juez jubilado que tiene una extraña obsesión: escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos. Si antes el espionaje telefónico formaba parte de su trabajo, ahora se ha convertido en un vicio. A Valentina le desagrada la conducta del hombre, pero no puede evitar ir a verlo.

Tres colores: Blanco - Krzysztof Kieslowski (1994) Francia

Guión - Krzysztof Piesiewicz & Krzysztof Kieslowski
Música - Zbigniew Preisner
Fotografía - Edward Klosinski
Reparto - Zbigniew Zamachowski, Julie Delpy, Janusz Gajos, Jerzy Stuhr, Grzegorz Warchol, Jerzy Nowak, Aleksandr Bardini, Cezary Harasimowicz, Jerzy Trela, Juliette Binoche, Florence Pernel
Productora - Coproducción Polonia-Francia-Suiza; MK2 Productions / CED Productions / France 3 Cinéma / CAB Productions / Zespol Filmowy
Género - Comedia. Drama | Comedia dramática

Sinopsis - Karol ama profundamente a Dominique, pero ella lo abandona debido a que él sufre un problema de impotencia. Entonces decide volver, con su amigo Nikolai, a su Polonia natal. Allí emprende con éxito un negocio y, aunque sigue enamorado de Dominique, planea vengarse de ella.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Título original - Shan zha shu zhi lian (The Love of the Hawthorn Tree)
Año - 2010
Duración - 114 min.
País - China
Director - Zhang Yimou
Guión - Yin Lichuan y Gu Xiaobai, basado en la novela homónima de Ai Mi
Música - Chen Qigang
Fotografía - Zhao Xiaoding
Montaje - Meng Peicong
Producción - Zhang Weiping, Cao Yuayi, Hugo Shong y Bill Kong
Productora - Beijing New Picture Film Co.
Género - Drama, Romance
Reparto - Zhou Dongyu, Shawn Dou, Chen Taisheng, Rina Sa, Xi Meijuan, Li Xuejian, Lü Liping, Sun Haiying

Zhang Yimou regresó al cine profundo y poético, pero a la vez sobrio y realista, con Amor bajo el espino blanco, llevando a la gran pantalla el guión que Yin Lichuan y Gu Xiaobai escribieron sobre la novela de Ai Mi. Una historia sencilla basada en hechos reales, no apta para los aficionados mas nerviosos e impacientes, que nos cuenta una hermosa y dura historia de amor durante la Revolución Cultural china, en la que destaca la excelente dirección de Yimou y el magnífico trabajo de sus jóvenes protagonistas, Shawn Dou y, sobre todo, el de la actriz Zhou Dongyu.

Sinopsis: Mientras que su padre ha sido encarcelado por sus ideas políticas y su madre lucha para alimentar a sus tres hijos, la joven Jing (Zhou Dongyu) es enviada a un remoto pueblecito para su reeducación, parte fundamental y necesaria si aspira a que su familia y ella misma puedan continuar con sus vidas. Pero allí conocerá a Sun (Shawn Dou), un joven hijo de un militar de alto rango de una posición social muy diferente, por lo que una relación entre ambos es poco menos que imposible. Un amor que marcará la vida de ambos para siempre.

El director: Nacido en la ciudad norteña de Xi'an en 1951, el director Zhang Yimou pertenece a la denominada Quinta generación del cine chino, integrada por directores que comenzaron su carrera tras la Revolución Cultural a finales de los años 70. Tras debutar en 1987 con Sorgo rojo, con la que ganó el Oso de Oro de Berlín, pasó a ser uno de los directores chinos con mayor proyección internacional. En su filmografía encontramos trabajos dispares de los que nombraremos varios: Ju Dou: Semilla de crisantemo (1990), La linterna roja (1991), ¡Vivir! (1994), La joya de Shanghai (1995), Ni uno menos (1999), El camino a casa (1999), Happy Times (2000), La casa de las dagas voladoras (2004), La búsqueda (2005), La maldición de la flor dorada (2006), Las flores de la guerra (2011) o Coming Home (2014). Su próximo trabajo, llamado The Great Wall, será la primera producción estadounidense que dirija, contando en su reparto con nombres como Matt Damon o Willem Dafoe. Se espera para febrero de 2017.

La película: Amor bajo el espino blanco podría situarse perfectamente en el lado opuesto de la balanza de trabajos como La casa de las dagas voladoras o La maldición de la flor dorada, en las que la acción y las artes marciales copaban el protagonismo por encima de otras virtudes que brillaban en menor medida. Es este un cine que necesita de una total predisposición del espectador, no apto para todos los gustos y basado principalmente en la sencillez en casi todos sus apartados. Sobresale en ella la enorme capacidad de su director para mostrar un sentimiento tan presente en el mundo del cine, pero tan difícil de no parecer idealizado o llegar a resultar empalagoso, como es el amor, auténtico protagonista del film.

Y es que una de las características mas llamativas de este trabajo es la forma en la que su realizador utiliza la situación social y política de su país en ese momento como un mero escenario, un condicionante de gran importancia en el desarrollo de la historia, al que Zhang Yimou nunca concede el protagonismo principal, ya que como el mismo declaró en mas de una ocasión, no quería hacer un trabajo de denuncia social o política, sino una hermosa historia de amor. Y vaya si lo consigue, dejándonos un trabajo que fluye de forma perfecta, en el que las miradas y los silencios ganan casi siempre la partida a los diálogos, utilizando constantemente esa habilidad que posee de alargar las escenas sin que pierdan un ápice de fuerza, sino mas bien al contrario.

El guión de Yin Lichuan y Gu Xiaobai, basado en la novela homónima de Ai Mi, resulta ideal para el ejercicio de ese cine de sensaciones y sentimientos en el que se desenvuelve tan bien el realizador chino. La suavidad con la que retrata la situación política del país es una de sus características principales, resultando incluso chocante en algunos momentos que pase tan de puntilla por ella. Su ritmo pausado, casi poético en muchos momentos, es otra de ellas, aunque a la vez puede ser uno de los motivos por los que cierto tipo de espectadores sean reacios a disfrutar un trabajo así, algo que yo no aconsejo. Sus personajes siguen la sencillez instalada en casi todos sus apartados, aunque eso no quita que estén suficientemente bien desarrollados.

En los apartados técnicos destaca la fotografía de Zhao Xiaoding (La casa de las dagas voladoras, La maldición de la flor dorada, Las flores de la guerra, Los niños de Huang Shi), colaborador habitual del realizador cuyo trabajo acompaña a la perfección a la historia, de forma sobria pero sumamente hermosa. El montaje es obra de Meng Peicong, que realiza un trabajo en el que destaca la forma en la que la historia es dividida en pequeños capítulos, separados por una sobria pantalla de color negro. En cuanto a la banda sonora, esta fue encargada a Chen Qigang (Las flores de la guerra, Gui lai Gui lai), compositor responsable de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Beijing 2008, que realiza un trabajo de una gran belleza, muy acorde a la historia que se nos cuenta, además de bien insertado en esta.

En cuanto al reparto se refiere, destacan poderosamente las de sus dos jóvenes protagonistas, Shawn Dou en el papel de Sun Jianxin, un joven que intenta seguir los pasos de su padre, un militar de élite, y Dongyu Zhou en el de Jing Zhang, una joven inocente marcada por los problemas políticos de su padre, en cuyo comportamiento recae la enorme responsabilidad de decidir el futuro de su madre y sus hermanos pequeños, enviada a un pequeño pueblo de las montañas para lo que llamaban su reeducación, lugar donde ambos se conocerán. Ambos llevan el peso de la historia con una naturalidad impropia a esas edades, sobre todo la de ella. Del resto del reparto destacar el trabajo de Meijuan Xi como la señora Zhang, la madre de Jing. Atención especial a la pequeña que acompaña a Sun en la primera escena en la que aparece, que como dicen por estas tierras, está para comérsela.

Conclusión: Amor bajo el espino blanco supone el regreso de Zhang Yimou al cine que mejor sabe hacer, ese donde las emociones son las principales protagonistas. Puede que para algunos sea un cine que busca descaradamente lo que denominan la lágrima fácil, aunque en mi opinión resulta casi imposible contar una historia como esta sin tocar la fibra sensible del espectador. De lo que no hay duda es de que contiene un buen puñado de escenas de una belleza indiscutible, fruto del buen hacer del realizador chino y de su capacidad para mostrarnos el alma de sus personajes. Un drama romántico de una enorme calidad, perfectamente filmado e interpretado, de esos que dejan huella en quien es capaz de meterse en su historia. Cine hecho para los sentidos que merece la pena disfrutar.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb y Youtube

El nuevo trabajo de Agustín Díaz Yanes estará basado en un relato corto del novelista de gran éxito de ventas Arturo Pérez-Reverte. El equipo de la película ya está embarcado en el rodaje de esta aventura de época inspirada en la expedición de los conquistadores españoles del siglo XVI Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, que sigue su épica expedición por la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se cree, está hecha completamente de oro. El rodaje, que actualmente se encuentra en Canarias, transcurrirá también entre Andalucía, Panamá y Madrid.

El extraordinario reparto de Oro está formado por Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Oscar Jaenada, José Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrudix, Diego París, Ana Castillo, Juan Carlos Aduviri y la colaboración especial de Juan Diego.

Oro reúne al director ganador de dos Goyas Díaz Yanes (guión original y dirección novel por Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto) con el autor superventas Pérez-Reverte, cuya obra se ha traducido a más de 40 idiomas y ha vendido más de 15 millones de ejemplares. Yanes y Reverte colaboraron por última vez en el gran éxito de taquilla Alatriste, protagonizado por Viggo Mortensen.

La película es una producción de Apache Films, Atresmedia Cine, Telefónica Studios y Sony Pictures España. Sony Pictures además se encargará de su distribución en España, Latinoamérica y los Estados Unidos.

Título original - White Heat
Año - 1949
Duración - 114 min.
País - Estados Unidos
Director - Raoul Walsh
Guión - Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg
Música - Max Steiner
Fotografía - Sid Hickox
Montaje - Owen Marcks
Producción - Louis F. Edelman
Productora - Warner Bros. Pictures
Género - Cine negro
Reparto - James Cagney, Virginia Mayo, Edmond O'Brien, Margaret Wycherly, Steve Cochran, John Archer, Wally Cassell, Fred Clark

Tras varios trabajos alejado del género en el que mejor se desenvolvía, James Cagney vuelve a interpretar el papel de un criminal sin escrúpulos, de esos que tan bien le iban, en este magnífico noir dirigido por Raoul Walsh. Con un guión de Ivan Goff y Ben Roberts, que adaptan la historia de Virginia Kellogg, la fotografía de Sid Hickox y la banda sonora de Max Steiner, estamos ante uno de los clásicos ineludibles del género y una de las mejores interpretaciones del gran James Cagney, perfectamente acompañado por la femme fatale Virginia Mayo.

Sinopsis: Después de asaltar un tren que transportaba una gran cantidad de dinero y dejar varios muertos a su paso, Cody Jarret (James Cagney) y su banda consiguen esconderse de la policía, que los buscan como principales responsables del robo. Tras verse acorralado, Cody realiza una inteligente jugada entregándose por un delito mucho menor, por el que solo es condenado a dos años de cárcel, dejando a su madre (Margaret Wycherly) al frente de la banda. Pero lo que en principio iban a ser unas pequeñas vacaciones, se complicarán ante los problemas que empiezan a dar alguno de sus chicos fuera y la insistencia de la propia policía, que tratará de tenderle una trampa para poder imputarle el violento robo.

El director: Raoul Walsh fue un director de cine estadounidense nacido en Nueva York, el 11 de marzo de 1887. Comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como actor de teatro, aunque rápidamente se convirtió en intérprete cinematográfico, al trasladarse a Hollywood. En una prolífica carrera entre el cine mudo y el sonoro, nos dejó mas de 80 títulos en varios géneros como director, de los que destacaremos varios: Regeneration (1915), El ladrón de Bagdad (1924), El precio de la gloria (1926), La frágil voluntad (1928), La gran jornada (1930), El arrabal (1933), Bajo presión (1935), Los violentos años veinte (1939), La pasión ciega (1940), Alta tensión (1941), La pelirroja (1941), El último refugio (1941), Murieron con las botas puestas (1941), Gentleman Jim (1942), Tres días de gloria (1944), Objetivo: Birmania (1945), Perseguido (1947), Río de plata (1948), Juntos hasta la muerte (1949), Tambores lejanos (1951), El mundo en sus manos (1952), Historia de un condenado (1953), Los implacables (1955), La esclava libre (1957) o Una trompeta lejana (1964). Falleció en Simi Valley, California, el 31 de diciembre de 1980.

La película: En Al rojo vivo tenemos todos los ingredientes necesarios para crear una buena película de gansters, aunque uno de los que llama la atención desde un primer momento es el enorme uso de violencia que en ella se utiliza. Lo que ocurre es que resulta muy difícil que el público de hoy día sepa apreciar dicha cualidad, ya que los años han ido pasando y lo que en aquellos entonces era un trabajo violento, hoy día es como un juego de niños, en comparación con lo que el cine puede llegar a ofrecer al espectador en la actualidad. Pero dejando de lado esto, algo inevitable por el inexorable paso del tiempo, estamos ante uno de esos trabajos que han creado escuela en el mundo del séptimo arte, que centra su atención en una mente criminal de gran carisma, alrededor de la que gira toda la trama, realizando un minucioso estudio de como funciona su mente y de la soledad con la que ha de convivir quien se encuentra en la cima, no puede fiarse de casi nadie y solo puede ya caer.

El guión escrito por Ivan Goff y Ben Roberts contiene una riqueza difícil de encontrar en otros trabajos similares, encontrando en ella una perfecta mezcla entre una película de atracos, un drama carcelario, una de gansters de las de siempre y una policíaca, condimentadas con todos los elementos propios del cine negro, incluida la aparición de una femme fatale, a la que aquí da vida la hermosa Virginia Mayo. Desde un primer momento la cinta avanza con un excelente ritmo, que aunque sufre ciertos parones en momentos puntuales, no deja lugar a que el espectador salga de la trama. Además de ello, la variedad de las situaciones que en ella se muestran y los cambios de escenario en los que se desarrolla, hacen de este trabajo uno de los mas amenos y completos que se pueden disfrutar dentro del género.

La dirección de Raoul Walsh alcanza niveles realmente brillantes, tanto en la forma en la que nos cuenta la historia como en la dirección de actores. Para llegar a conseguir dichos resultados, este se apoya en un excelente equipo entre los que destacan Sid Hickox (El sueño eterno, La senda tenebrosa, Tener y no tener, Them!), responsable de la fotografía, Owen Marcks, que hace lo propio con el montaje y el brillante Max Steiner (Casablanca, Lo que el viento se llevó, Sombrero de copa, Infiltrados), autor del acompañamiento musical de la película. Todos los apartados funcionan a la perfección, en un engranaje perfectamente engrasado para que disfrutemos de casi dos horas de cine de la mejor calidad.

En el reparto de la película destaca por encima del resto la figura del gran James Cagney, que da vida de forma magistral a Cody Jarrett, un hombre con una enfermiza obsesión por su madre, interpretada por Margaret Wycherly, profundamente marcado por su duro pasado y la enfermedad mental que padecieron su padre y su hermano, violento, desconfiado y de una frialdad exagerada. Un rol perfecto para un actor que se encuentra en su salsa interpretándolo. Junto a el destaca el trabajo de Virginia Mayo como Verna Jarrett, que aunque no tenga un papel que de excesivas oportunidades de lucimiento, logra hacer valer su gran hacer ante las cámaras. Destacan también los trabajos de Edmond O'Brien como Hank Fallon y Steve Cochran como Big Ed Somers, aunque el trabajo del resto del reparto es igualmente meritorio.

Conclusión: Al rojo vivo es un trabajo de una fuerza enorme, en el que destacan la constante tensión de su trama, el magnífico desarrollo de su personaje principal, interpretado por un James Cagney inmenso y la excelente labor de su director. Los años no pasan en balde, de eso no cabe duda, pero sigue mereciendo la pena disfrutar de un trabajo que ha sido referente para cientos de películas realizadas posteriormente, que continúa siendo uno de los abanderados de un género que sigue dándonos alegrías después de muchos años. Violencia, acción, crimen, traición y la soledad de un personaje de esos que dejan huella, condensados en casi dos horas de puro disfrute. Por cierto, lo que para muchos ha perdido a día de hoy gran parte de su fuerza, para mi gana con los años como el buen vino. Cosas de este arte al que tanto amo.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Calle Cloverfield 10 - Dan Trachtenberg (2016) Estados Unidos

Guión - Damien Chazelle, Josh Campbell, Matthew Stuecken
Música - Bear McCreary
Fotografía - Jeff Cutter
Reparto - Mary Elizabeth Winstead, John Goodman, John Gallagher Jr.
Productora - Bad Robot / Paramount
Género - Thriller, Intriga
Web oficial - http://www.10cloverfieldlane.com/

Sinopsis - Una joven sufre un accidente de coche. Cuando despierta se encuentra encerrada en una celda bajo tierra, secuestrada por un hombre extraño (John Goodman) que dice haberla salvado del día del juicio final. El excéntrico captor asegura que el exterior es inhabitable por culpa de un terrible ataque químico, algo que no sabe si creer. Es así como comienza su pesadilla, en una espiral de desconocimiento. La mente del criminal es infranqueable, y ella tendrán que intentar analizar a su enemigo para conseguir sobrevivir.

Agente contrainteligente - Louis Leterrier (2016) Estados Unidos

Guión - Sacha Baron Cohen, Phil Johnston
Música - David Buckley, Erran Baron Cohen
Fotografía - Oliver Wood
Reparto - Mark Strong, Sacha Baron Cohen, Isla Fisher, Penélope Cruz, Rebel Wilson, Ian McShane, Annabelle Wallis
Productora - Four by Two Films / Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género - Comedia. Acción | Espionaje

Sinopsis - Un implacable agente del MI6 británico (Mark Strong), del grupo de operaciones especiales, descubre que tiene un hermano (Sacha Baron Cohen) muy diferente a él: fanático del fútbol y protagonista de numerosos y disparatados altercados dado su peculiar y conflictivo carácter.

El pregón - Dani de la Orden (2016) España

Guión - Diego San José, David Serrano
Fotografía - Isaac Vila
Reparto - Berto Romero, Andreu Buenafuente, Jorge Sanz, Belén Cuesta, Goyo Jiménez, Jéssica Ross, Josep Maria Riera
Productora - Atresmedia Cine / El Terrat
Género - Comedia

Sinopsis - Juraron que no se verían las caras nunca más pero, por una cantidad razonable de dinero, están dispuestos a hacer una excepción. Los hermanos Osorio, glorias olvidadas de la música electrónica de los 90 con el grupo Supergalactic, años después han tocado fondo, totalmente olvidados. Cuando les contratan para ir juntos a dar el pregón en su pueblo natal no imaginan la que se les viene encima. Sus intenciones de llegar, ganar el dinero y salir corriendo se ven truncadas por planes secretos, hordas de fans y tradiciones ancestrales.

La modista (The Dressmaker) - Jocelyn Moorhouse (2015) Australia

Guión - Jocelyn Moorhouse (Novela: Rosalie Ham)
Música - David Hirschfelder
Fotografía - Donald McAlpine
Reparto - Kate Winslet, Liam Hemsworth, Judy Davis, Hugo Weaving, Sarah Snook, Sacha Horler, Caroline Goodall, James Mackay, Kerry Fox, Alison Whyte, Barry Otto, Julia Blake, Rebecca Gibney, Shane Jacobson, Genevieve Lemon, Shane Black, Shane Bourne, Hayley Magnus
Productora - Film Art Media / Screen Australia
Género - Drama. Comedia. Romance

Sinopsis - Australia, años 50. Tilly Dunnage (Kate Winslet) es una hermosa modista que, tras muchos años de trabajo en exclusivas casas de moda de París, regresa a su casa en la pequeña localidad de Dungatar para corregir los errores del pasado y vengarse de quienes la forzaron a marcharse años atrás.

El recuerdo de Marnie - Hiromasa Yonebayashi (2014) Japón

Guión - Niwa Keiko, Ando Masahi (Libro: Joan G. Robinson)
Música - Takatsugu Muramatsu
Fotografía - Animation
Reparto - Animation
Productora - Studio Ghibli
Género - Animación. Drama. Fantástico | Amistad. Adolescencia. Vida rural
Web oficial - http://marnie.jp/index.html

Sinopsis - Anna es una chica solitaria, sin amigos, que vive con sus padres adoptivos. Un día es enviada con el señor y la señora Pegg. Allí, donde se extienden las dunas de arena, conoce a una chica llamada Marnie, quien pronto se convertirá en su mejor amiga. Habiendo aprendido muchas cosas sobre la amistad, Anna se dará cuenta de que Marnie no es quien parece...

El regalo - Joel Edgerton (2015) Estados Unidos

Guión - Joel Edgerton
Música - Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía - Eduard Grau
Reparto - Jason Bateman, Rebecca Hall, Joel Edgerton, Beau Knapp, Allison Tolman, David Denman, P.J. Byrne, Tim Griffin, Beth Crudele
Productora - Blue-Tongue Films / Blumhouse Productions
Género - Intriga. Thriller
Web oficial - http://giftmovie.com/

Sinopsis - Las vidas de un joven matrimonio se verán totalmente alteradas después de que un conocido del pasado del marido comience a dejarles misteriosos regalos y se revele un horrible secreto tras veinte años.

Luces de París - Marc Fitoussi (2014) Francia

Guión - Marc Fitoussi, Sylvie Dauvillier
Música - Tim Gane, Sean O'Hagan
Fotografía - Agnès Godard
Reparto - Isabelle Huppert, Jean-Pierre Darroussin, Michael Nyqvist, Pio Marmaï, Marina Foïs, Audrey Dana, Anaïs Demoustier, Clément Métayer, Jean-Charles Clichet
Productora - Avenue B Productions / Vito Films / SND / France 2 Cinéma / Région Ile-de-France / Région Haute-Normandie / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Ciné+ / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Indéfilms / Soficinéma 7 Développement
Género - Comedia

Sinopsis - Brigitte y Xavier viven en Normandía y se dedican a la ganadería vacuna. Ella es soñadora mientras que él vive por y para su trabajo. Tras la partida de sus hijos, el peso de la rutina se le hace a Brigitte cada vez más difícil de sobrellevar. Un día, en un arrebato de locura, se va a París sin decir nada. Xavier se da cuenta entonces de que quizá la esté perdiendo.

El cuento de la princesa Kaguya - Isao Takahata (2013) Japón

Guión - Isao Takahata, Riko Sakaguchi
Música - Joe Hisaishi
Fotografía - Animation
Reparto - Animation
Productora - Studio Ghibli
Género - Animación. Fantástico. Drama
Web oficial - http://www.kaguyahime-monogatari.jp/

Sinopsis - Basada en un cuento popular japonés anónimo del siglo IX, "El cortador de bambú". La historia comienza cuando una pareja de ancianos campesinos encuentran a una niña diminuta dentro de una planta de bambú, y deciden adoptarla como si fuera su hija. Convertida rápidamente en una hermosa mujer, es pretendida por muchos hombres, incluido el emperador, pero ella los rechaza a todos porque asegura venir de la Luna y debe volver allí...

Primavera en Normandía - Anne Fontaine (2014) Francia

Guión - Pascal Bonitzer, Anne Fontaine (Novela: Posy Simmonds)
Música - Bruno Coulais
Fotografía - Christophe Beaucarne
Reparto - Gemma Arterton, Fabrice Luchini, Jason Flemyng, Isabelle Candelier, Mel Raido, Pip Torrens, Elsa Zylberstein, Edith Scob, Niels Schneider, Kacey Mottet Klein, Pascale Arbillot
Productora - Albertine Productions
Género - Comedia. Drama. Romance

Sinopsis - Adaptación de la novela gráfica de Posy Simmonds que cuenta la historia de Gemma Tate (Gemma Arterton), una joven casada que empezará a dudar entre sus deseos y obligaciones como esposa, cuando su antiguo novio Patrick (Mel Raido) regrese al pequeño pueblo normando donde viven.

El reino de los monos - Jamel Debbouze (2015) Francia

Guión - Fred Fougea, Jean-Luc Fromental, John R. Smith, Rob Sprackling
Música - Laurent Perez
Fotografía - Animation
Reparto - Animation
Productora - Boréales / Les Armateurs / Prana Animation Studios
Género - Animación. Drama

Sinopsis - Ambientada hace dos millones de años, sigue la historia de un joven hombre-mono que descubre por sorpresa cómo caminar. Y posteriormente, cómo hacer fuego, cómo cazar... y al final, evoluciona. Desde el principio se veía que Edouard no es un simio como los demás: más pequeño, mucho menos peludo y con una de sus extremidades inutilizada. Pero estas rarezas, unidas a su ingenio, también pueden significar que es el primer eslabón en la evolución de la especie.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

¿Quien no disfruta de un buen enfrentamiento? ¿De la dicotomía de dos opuestos? ¿Del choque entre dos fuerzas imparables? En este caso, ¿Que persona en este planeta no quiere ver pelear a Batman y a Superman entre si? Como lo describe Lex Luthor: “El enfrentamiento de gladiadores mas grandioso de la historia del mundo.” Esta es la premisa de “Batman V Superman: El amanecer de la Justicia” (2016). La película que le quita el sueño a mas de uno (Me incluyo yo también) esta a la vuelta de la esquina.

Por Gonzalo Mellid

Con motivo de su inminente estreno, Warner no para de invadir las redes sociales con fotos promocionales, spots publicitarios, trailers, banners, etc. Un escenario realmente difícil de imaginar hace unos tres años, cuando se anuncio este gran evento cinematográfico en la Comic Con de San Diego del año 2013. El anuncio no vino solo, ya que para aclimatar al personal se recitaron las lineas mas famosas de la novela gráfica “The Dark Knight Returns” (1986) de Frank Miller. “Quiero que recuerdes, Clark... En todos los años por venir... En tus momentos más privados. Quiero que recuerdes mi mano en tu garganta. Quiero que recuerdes al único hombre que te venció.” Lineas, obviamente, dichas por Batman durante clímax final de su enfrentamiento con Superman. Esto no significa que la película sea una fiel adaptación a la novela gráfica, ni mucho menos que ese será su gran final. Desde un comienzo se aclaró que el guion tomará elementos de varios cómics icónicos de ambos personajes, incluyendo el ya mencionado. Como puede apreciarse en los trailers, Batman utilizara su famosa armadura de combate para estar a la altura del Hombre de Acero en una pelear cuerpo a cuerpo.

Pero vayamos por partes. Como es de conocimiento público, esta es la secuela de Man Of Steel (2013) y la segunda película del reciente universo cinematográfico de DC. Según se comenta en los mentideros, la idea de cruzar a estos dos personajes en una misma cinta, nació durante una de las reunión de producción entre Zack Snyder y sus colegas. En dicha reunión, se estaba debatiendo sobre el controvertido tema de si película incluiría una escena post-creditos o no. Entre varias ideas, solo se destaca una: “Vemos a un paquete que llega por correo a una gran mansión. El paquete descansa antes las puerta de la mansión. El dueño abre las puertas. Es Bruce Wayne. El alter-ego del hombre murciélago se inclina y toma el misterioso paquete. Lo abre. Dentro de el, un cristal de Kriptonita.”. A partir de este punto, esa vaga idea se fue convirtiendo en una realidad por la cual los fanáticos de todo el mundo esperan ansiosos.

El primer paso y el mas importante para este nuevo gigante de Hollywood versaba sobre la gran pregunta: ¿Quien puede calzarse el batí-traje después de Christian Bale? Nombres como Ryan Gosling y Josh Brolin estaban en la lista pero el que se quedo con el papel fue... ¿Ben Affleck? ¿Ese? ¿El que arruino a Daredevil con esa película asquerosa? ¿Uno de los peores actores de su generación? Si, si y si. Repitiendo la historia, la respuesta de los fanáticos no se hizo esperar. Olas de memes, insultos, amenazas de muerte, atentados terroristas, rituales paganos, etc. Así como paso con Michael Keaton cuando fue selecciona por Tim Burton para “Batman” (1989). Warner recibió montañas de cartas de fanáticos repudiando semejante decisión. Incluso Heath Ledger tuvo que pasar por esa tortura después de ser seleccionado para ser el nuevo Joker en “The Dark Knight” (2008) de Christopher Nolan. Actuación reconocida por La Academia y recordada por los fanáticos como “El Joker Definitivo”. Gracias al milagro de Internet, se pudo llevar a cabo un boicot masivo para evitar que Ben se calzara la capa. Todo en vano, obviamente.

“Man Of Steel” fue el primer eslabón en este nuevo universo compartido. Tan aclamada como criticada, fue tachada de sombría, oscura y violenta. Una atmósfera similar a las películas que componen la trilogía de Nolan. Acompañada por un polémico final en el cual Superman le rompe el cuello al General Zod acabando así con la invasión de kryptonianos que azotaba a Metrópolis y a la Tierra. Surgieron varias controversias, desde el diseño inicial de Kripton hasta la destrucción parcial de Metrópolis durante la pelea final. No obstante, la taquilla habló y esto dio luz verde a la tan esperada secuela. Zack Snyder vuelve a sentarse en la silla del director. Zack se gano su fama adaptando exitosamente novelas gráficas como “300” de Frank Miller y “Watchmen” de Alan Moore. También vuelve todo el elenco original de “Man Of Steel”. Henry Cavill, Amy Adams y Laurence Fishburne, entre otros.

Una de las incorporaciones mas importantes y por lo tanto, mas escandalosas, fue la de Jesse Eisenberg como el magnate multimillonario y némesis de Superman, Lex Luthor. En algún rincón de Internet sonada el nombre de Bryan Cranston para este rol pero jamas se concreto. Sin Walter White a bordo del proyecto, miles de fanáticos decepcionados criticaron (Otra vez) la elección de Jesse por su juventud. Sin previo aviso, cae una bomba en el panorama del cómic: La primera fotografía de Ben como Batman. Esto dividió las aguas. Por un lado, el traje es bastante fiel a la obra de Miller y por otro, debido a su gran cantidad de masa muscular, los fanáticos mas maliciosos lo apodaron “Fatman”. Solo faltaba verlo en acción y para ello faltaba aún bastante tiempo.

Después de un extenso rodaje, vio la luz lo que todo el mundo estaba esperando: Un trailer. Un avance bastante apático y algo confuso fue suficiente para saciar los ojos de la muchedumbre. Pasó el tiempo sin novedad alguna de la película salvo rumores y filtraciones varias. Después de un cambio de fecha de estreno por “Cuestiones creativas”, durante la Comic Con del 2015, se lanza un nuevo trailer mas extenso y explicativo en el cual vemos a Superman y el mundo entero lidiar con eventos transcurridos en su film antecesor. Y lo que es mas importante, las primeras imágenes de Batman en acción y su posición con respecto a Superman. Bruce culpa al superhombre de las incontables victimas inocentes que perdieron la vida durante la invasión así como también de la destrucción de Metrópolis. Volveremos a ver una vez mas el asesinato de los padres de Bruce y queda establecido que Batman existió durante 20 años en este universo. En cualquier universo, eso es mucho tiempo. Así que solo nos queda imaginar las incontables peleas y aventuras de este murciélago antes del enfrentamiento con el ultimo hijo de Kripton.

Una de las cosas que mas causaron revuelo (Y con razon) es el traje abandonado de Robin en la bati-cueva. El traje exhibe un mensaje: “HA HA, LA BROMA ES PARA TI, BATMAN”. Una clara referencia al imprescindible cómic “A Death In The Family” en el cual, el segundo Robin (Jason Todd) es asesinado a golpes por el Joker. Esto implica muchos arcos narrativos en la mitología de Batman. Desde la posible aparición de Red Hood en futuras películas, la relación entre Batman y el Joker, hasta la existencia de Nightwing (Dick Grayson) en este mismo universo. Pero esa es otra historia, una que espero que veamos muy pronto.

Llegando a una conclusión, es imposible no hablar de uno de los villanos ocultos en la trama. La sinopsis oficial nos advierte de un mal que supera a nuestros dos héroes y amenaza al mundo. Era natural pensar que se trataba de Doomsday, viejo enemigo de Superman y recordado solo por la pequeña hazaña de matar al Hombre de Acero. El ultimo avance nos confirmo su presencia aunque, según los productores, el diseño que nos fue mostrado solo sera la punta del iceberg. En la película, Luthor, quien se lleva los mejores diálogos en los avances, utiliza el ADN de extraído del cadáver de Zod para crear a esta imparable criatura con el único propósito de eliminar a Superman. Pero este dúo no esta solo. Para completar la divina trinidad mas famosa de la historia de DC, se suma Wonder Woman a esta cruzada. Interpretada por la hermosa Gal Gadot. Los adeptos a la acción la deben reconocer de la saga “Fast And Furious”. Milagrosamente, fue el casting mas aceptado por los fanáticos debido a lo fiel de su vestimenta y a lo impresionante de sus escenas de acción en los avances. También tendremos particiones especiales de Aquaman, Flash y Cyborg durante este desfile de personajes.

Con todo este repertorio, la película abrirá camino a la suma de todas las partes. La Liga De La Justicia, cinta que se dividirá en dos partes, cuyos estrenos se esperan para 2017 y 2019. El único que no fue invitado a la fiesta es Linterna Verde cuyo regreso al cine todavía no tiene fecha confirmada. Solo faltan días para uno de los estrenos mas esperados del año. ¿Sera satisfactorio? ¿Sera un fracaso? Aunque esas son interrogantes interesantes, no hay pregunta mas importante que la siguiente: ¿De que lado estas?

Artículo escrito por Gonzalo Mellid

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Título original - Frances
Año - 1982
Duración - 134 min.
País - Estados Unidos
Director - Graeme Clifford
Guión - Nicholas Kazan, Eric Bergren y Christopher De Vore
Música - John Barry
Fotografía - Laszlo Kovacs
Montaje - John Wright
Producción - Jonathan Sanger
Productora - Universal Pictures / Brooksfilms / EMI Films
Género - Drama
Reparto - Jessica Lange, Sam Shepard, Kim Stanley, Bart Burns, Jeffrey DeMunn, James Karen, Christopher Pennock, Kevin Costner, Anjelica Huston

Graeme Clifford fue el encargado de llevar a la gran pantalla el guión escrito por Nicholas Kazan, Eric Bergren y Christopher De Vore, en el que se nos cuenta gran parte de la vida de la desdichada actriz Frances Farmer. Un trabajo que merece la pena ser visto y refleja con incierta similitud a la realidad la vida de la artista, ya que sus creadores se toman alguna que otra licencia. En la película destaca el enorme dramatismo que desprende la historia y el magnífico trabajo de una Jessica Lange que borda su papel como "La chica mala de Seattle Oeste", por el que sería nominada a un Óscar.

Sinopsis: Frances Elena Farmer (Jessica Lange) es una adolescente rebelde con un enorme talento que vive en Seattle junto a sus padres. Tras ganar un viaje a la Unión Soviética por un controvertido ensayo llamado Dios Muere, su imagen en la comunidad deja mucho que desear, aunque esto no consigue hacerla desistir. Decidida a convertirse en actriz, se traslada a Hollywood donde rápidamente comienza a trabajar en la industria cinematográfica, pero su difícil carácter para la época en la que vivió y el poco interés que en ella despertaban los papeles para los que era elegida, la hacen mudarse a Nueva York para continuar haciendo teatro en el Group Theatre, de la mano del escritor Clifford Odets (Jeffrey DeMunn). Allí comenzará su progresivo declive, que acabará convirtiendo su vida en un auténtico calvario.

El director: Graeme Clifford es un director de cine australiano nacido en Sydney, Australia, en 1942. Después de trabajar varios años como editor, su carrera como director ha transcurrido principalmente en televisión, habiendo dirigido solo cuatro películas de cine: Burke & Wills (1985), con Jack Thompson y Nigel Havers como protagonistas, Al filo del abismo (1988), con nombres como Christian Slater, Steven Bauer o Richard Herd en su reparto y Ruby Cairo (1992), con la participación de Andie MacDowell, Liam Neeson y Viggo Mortensen, entre otros, además de la que hoy nos ocupa, su mejor película para mi. En televisión ha participado en multitud de series y telefilms como Los nuevos vengadores (1976), Cuentos de las estrellas (1982), El último Don I (1997) y II (1998), El último testigo (1999), Los Thornton (2003), El secreto del sótano (2004) o El guión de mi vida (2007), entre otras.

La película: La vida de la actriz Frances Farmer es una de las que mas páginas se han escrito en la historia del cine, ya que llama enormemente la atención como alguien que podía haberlo tenido todo pasó a tocar fondo de la noche a la mañana, algo que en la época fue noticia durante mucho tiempo y ocupó multitud de portadas. Con el paso del tiempo, por razones que ahora explicaré, dicha historia ha sufrido la inclusión de ciertos detalles que jamás han podido ser corroborar, pero que han pasado a formar parte de la leyenda de esta desdichada actriz de forma inexorable. Algunos de esos detalles fueron incluidos en este trabajo, por lo que hemos de verlo como lo que es, un producto de ficción basado en la vida de Frances y no un documental biográfico, que distan mucho de ser lo mismo.

Con esto no quiero decir que estemos ante una mala película o que no merezca la pena disfrutarla, algo que yo les animo a que hagan, ya que merece la pena sin ningún género de dudas, sino que hemos de tener en cuenta que ciertos aspectos están un tanto dramatizados para que el resultado final diese mas juego. Pero para ser justos, esto no es algo que comenzara a la hora de hacer este trabajo, ya que en la autobiografía que escribió la propia actriz junto a Lois Kibbee, titulada Will There Really Be A Morning, que fue publicada dos años después de su muerte, ya se exageraron ciertos aspectos de la vida de la actriz para hacerla mas comercial, como confirmaron posteriormente la propia Lois Kibbee, coautora de las memorias y Jean Ratcliffe, ambas amigas de la actriz.

El guión escrito por Nicholas Kazan, Eric Bergren y Christopher De Vore nos cuenta la vida de la actriz desde que era una adolescente, justo antes de ganar el premio que la permitiría viajar a la Unión Soviética y que acabaría de convencerla definitivamente en su intención de dedicarse a la actuación. Su ritmo es muy acertado, siendo este lo suficientemente vivaz como para que el espectador no pierda interés por la historia en ningún momento, pero no tanto como para pasar de puntillas por muchos de sus detalles. En cuanto a la dirección de Graeme Clifford, se le nota en exceso la amplia experiencia de este en televisión, algo que no creo le haga mucho bien a la cinta. Me hubiera encantado ver este trabajo dirigido por uno de los grandes directores de cine, aunque es algo con lo que habrá que quedarse con las ganas.

No es en los aspectos técnicos donde mas destaque Frances, aunque esto tampoco quiera decir que estén descuidados, ni mucho menos. La fotografía fue encargada a László Kovács (Los Cazafantasmas, Miss Agente Especial, La boda de mi mejor amigo, Easy rider), cuyo trabajo queda encorsetado por la dirección de Clifford, que abusa de los primeros planos constantemente. El montaje es obra de John Wright, mientras que la banda sonora fue realizada por John Barry (Diamantes para la eternidad, James Bond contra Goldfinger, Sólo se vive dos veces, El hombre de la pistola de oro), compositor eternamente relacionado con la figura de James Bond que nos dejó en el 2011.

En el reparto de la película destaca poderosamente la figura de Jessica Lange, que da vida con enorme brillantez a la actriz Frances Farmer. Solo por verla actuar ya merece la pena disfrutar de este trabajo, que le permitió optar al Óscar a la Mejor actriz protagonista, que finalmente se llevaría Meryl Streep por La decisión de Sophie, con la que mas tarde interpretaría la inolvidable Thelma & Louise (1991), dirigidas por Ridley Scott. En el resto del reparto destaca el trabajo de Kim Stanley en el papel de Lillian Farmer, actriz que optaría al Óscar a la Mejor actriz de reparto, aunque este le fue arrebatado por la propia Jessica Lange, pero por su trabajo en Tootsie, dirigida por Sydney Pollack. Bart Burns interpreta a Ernest Farmer, el padre de la actriz, mientras que Sam Shepard da vida a Harry York, el mejor amigo de esta.

Conclusión: Frances es una excelente forma de acercarse a lo que fue la vida de esta hermosa y brillante actriz, a la que un par de malas decisiones, su difícil e introvertido carácter, muy mal visto en la época en la que vivió y la falta total de ayuda de sus mas allegados, la hicieron pasar de ser la actriz con mas futuro del panorama a una persona desgraciada, con problemas mentales y con el alcohol, a la que nadie supo apoyar en suficiente medida. Como ya les he comentado anteriormente, solo con ver el trabajo de Jessica Lange, ya merece la pena su visionado, aunque siempre me quedará la espina de ver los resultados que podría haber obtenido Polanski, Scorcesse o Coppola, por poner algunos excelentes ejemplos. Por cierto, si tras su visionado se quedan con la duda de donde empieza la ficción y termina la realidad, les recomiendo el visionado del documental Frances Farmer: Paradise Lost, dirigido por Lawrence Williams y considerado como la más clara y honesta biografía de la actriz por parte de algunos críticos especializados.

Fuentes consultadas: Filmaffinity, Imdb, Wikipedia y Youtube

Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia - Zack Snyder (2016) Estados Unidos

Guión - David S. Goyer y Chris Terrio, basado en una historia de David S. Goyer y Zack Snyder
Música - Hans Zimmer, Junkie XL
Fotografía - Larry Fong
Reparto - Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Diane Lane, Laurence Fishburne, Jeremy Irons, Holly Hunter, Gal Gadot, Scoot McNairy, Callan Mulvey, Tao Okamoto, Brandon Spink, Lauren Cohan, Michael Shannon, Hugh Maguire, Jason Momoa
Productora - Warner Bros. Pictures / DC Entertainment / Dune Entertainment
Género - Fantástico. Acción. Ciencia ficción | Superhéroes. Cómic. DC Comics. 3-D

Sinopsis - Ante el temor de las acciones que pueda llevar a cabo Superman, el vigilante de Gotham City aparece para poner a raya al superhéroe de Metrópolis, mientras que la opinión pública debate cuál es realmente el héroe que necesitan. El hombre de acero y Batman se sumergen en una contienda territorial, pero las cosas se complican cuando una nueva y peligrosa amenaza surge rápidamente, poniendo en jaque la existencia de la humanidad.

Mi gran boda griega 2 - Kirk Jones (2016) Estados Unidos

Guión - Nia Vardalos
Fotografía - Jim Denault
Reparto - Nia Vardalos, John Corbett, Elena Kampouris, John Stamos, Alex Wolff, Rita Wilson, Louis Mandylor, Ian Gomez, Joey Fatone, Kolton Stewart, Ashleigh Rains, Robert Bellissimo, Leonidas Castrounis, Hershel Blat, Drew Riedstra
Productora - Gold Circle Films / HBO Films / Playtone
Género - Comedia | Secuela. Bodas

Sinopsis - Secuela de la exitosa comedia romántica 'Mi gran boda griega' (2002), en una historia que revela el secreto de la familia Portokalos alrededor de otra boda griega, aún mayor que la primera.

Resucitado - Kevin Reynolds (2016) Estados Unidos

Guión - Paul Aiello, Karen Janszen, Kevin Reynolds
Música - Roque Baños
Fotografía - Lorenzo Senatore
Reparto - Joseph Fiennes, Tom Felton, Cliff Curtis, Peter Firth, Stewart Scudamore, María Botto, Mish Boyko, Mark Killeen, Stephen Hagan, Stephen Greif, Antonio Gil, Luis Callejo, Richard Atwill, Andy Gathergood, Jan Cornet, Joe Manjón, Pepe Lorente, Selva Rasalingam, Stavros Demetraki, Manu Fullola, Mario Tardón, Àlex Maruny, Paco Manzanedo, Frida Cauchi
Productora - LD Entertainment / Big Wheel Entertainment / Affirm Films
Género - Intriga. Drama | Religión. Antigua Roma

Sinopsis - Sigue a un centurión romano agnóstico con la misión de investigar la desaparición del cuerpo de Jesucristo y los crecientes rumores sobre la resurrección del Mesías.

O los tres o ninguno - Kheiron (2015) Francia

Guión - Kheiron
Fotografía - Jean-François Hensgens
Reparto - Kheiron, Leïla Bekhti, Gérard Darmon, Zabou Breitman, Alexandre Astier, Kyan Khojandi, Arsène Mosca, Jonathan Cohen
Productora - Adama Pictures / Gaumont / M6
Género - Comedia. Drama

Sinopsis - Historia del pequeño Kheiron (director de la película) y sus jóvenes padres, Hibat y Fereshteh, dos personas de optimismo irreductible, y del viaje que realizaron años atrás desde una pequeña población al sur de Irán hasta la ciudad de París.

Nuestra hermana pequeña - Hirokazu Koreeda (2015) Japón

Guión - Hirokazu Koreeda, basado en el Manga de Akimi Yoshida
Música - Yôko Kanno
Fotografía - Mikiya Takimoto
Reparto - Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Suzu Hirose, Kaho, Ryô Kase, Ryôhei Suzuki, Lily Franky, Shin'ichi Tsutsumi, Jun Fubuki, Kentarô Sakaguchi
Productora - GAGA / TV Man Union / Toho Company
Género - Comedia. Drama

Sinopsis - Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas que viven en Kamakura, Japón, en la casa de su abuela. Un día, recibirán la noticia de la muerte de su padre, que las abandonó cuando eran pequeñas. En el funeral conocerán a la hija que su padre tuvo 13 años atrás y pronto las cuatro hermanas empezarán a vivir juntas.

Fuentes consultadas: Filmaffinity y Youtube

Las diabólicas - H.G. Clouzot (1955)

The Salvation - Kristian Levring (2014)

Un cadáver a los postres - Robert Moore (1976)

Estrenos de la semana en cines (26/febrero/2016)

Niebla (Haemoo) - Shim Sung-bo (2014)

Palmares de la 88ª edición de los Oscars (Películas de 2015)

Arsénico por compasión - Frank Capra (1944)

Historia de un oso - Gabriel Osorio Vargas (2014)

Estrenos de la semana en cines (04/marzo/2016)

Una jornada particular - Ettore Scola (1977)

Los III Premios de Cine “Blogos de Oro” 2016 eligen lo mejor del año

Happy Valley - Euros Lyn, Tim Fywell y Sally Wainwright (2014)

Estrenos de la semana en cines (11/marzo/2016)

Amor bajo el espino blanco - Zhang Yimou (2010)

Primeras imágenes de 'Oro', el nuevo proyecto de Díaz Yanes

Al rojo vivo - Raoul Walsh (1949)

Estrenos de la semana en cines (18/marzo/2016)

Batman v. Superman: El verdadero Superclásico

Frances - Graeme Clifford (1982)

Estrenos de la semana en cines (23/marzo/2016)